The Fake

Saibi

Director: Yeon Sang-ho
Guionista: Yeon Sang-ho
País: Corea del Sur
Año: 2013
Duración: 100 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación - Thriller - Drama / Religión

Sinopsis: En un pequeño pueblo de Corea del Sur que está a punto de ser inundado por la construcción de una presa, los habitantes han caído bajo el hechizo de un carismático pastor evangelista, quien les ha prometido un nuevo hogar y un lugar en el cielo a cambio de sus ahorros. En medio de toda esta corrupción irrumpe Min-chul, el violento y agresivo borracho del pueblo que acaba de salir de la cárcel, y el único que no parece caer en las mentiras y engaños del pastor como el resto de vecinos. Una falsedad en que todo el pueblo parece haberse acomodado, y algo que Min-chul no está dispuesto a permitir.

Tú inocencia me conmueve. Has nacido para ser amado.

La religión como una invención humana ha sabido acompañar a la humanidad a través del tiempo remitiéndose a su principio más básico –quizá en otrora explicar lo incomprensible–, ofrecer un consuelo al sufrimiento en este mundo a través de un margen de mansedumbre y conformidad terrenal, finalmente se aspira a algo más divino, excelso. Consecuentemente... esto invalida su capacidad revolucionaria para no sólo conminar sino realmente ejercer un cambio en, precisamente el origen de su mal.

Cuestión de masas, una vez sugestionadas su entendimiento es alterado y vertido de inmediato en actos.  Irracionales, operan en conjunto. Dispuestas a sacrificarse por un ideal, por una convicción, irracionales e incapaces de de sostener una discusión y mucho menos tolerar alguna contradicción. La simpatía se vuelve adoración, la antipatía odio. Conmoción. Fe.

¡Dios nos vigila a todos, ¿es que no tienes miedo?!

La delación de Yeon Sang-ho no es contra Dios, no es el mensaje ateo y blasfemo que el fiel con mareos pudiese creer, sino el abordaje con desprecio al fundamentalismo de la religión organizada llevado al extremo en una comunidad a punto de desaparecer. Algo que para nada es ficción al menos en América, donde el ejemplo más claro lo tenemos en el movimiento neopentecostal de la Iglesia Universal del Reino de Dios aka Pare de Sufrir, un monstruo económico religioso atascado de polémicas con otras religiones y controversias legales comprobables, ligadas además de obviamente a fraude, a falsificación, lavado de dinero y el narco. De hecho el movimiento religioso de The Fake se parece tanto, ¡tanto!, a la IURD, su mecánica, los falsos milagros, las promesas sectarias, la ignorancia y necesidad desesperada de sus seguidores, el lucro... donde se queda corta pues sólo vende agua bendita embotella y en Pare de sufrir hasta comercian además de eso, la posibilidad de tocar el mismo manto sagrado traído de Jerusalén o comprar una astilla de la cruz donde fue clavado Jesucristo. 

Un thriller dramático sumamente pesimista y violento, que a pesar de su planteamiento bastante esquemático y con apenas evolución genera cierta repugnancia, displicencia religiosa y una abrumadora expectación. Una película muy a lo coreano cuando se trata de dramas: despiadada, cruda y atípica, donde no hay bienhechores, sólo criminales y víctimas. Un filme conducido por la ira de su antihéroe. Un hombre embrutecido y pendenciero, viciado por el alcohol, la arrogancia y la degradación, que nos hará ver que el simple hecho de tener la razón nunca es suficiente.

Tras la nominación de su primer película The King Of Pigs (2011) en Sitges, Yeon Sang-ho consigue el premio a Mejor Película Animada con The Fake en dicho festival y en el Gijón. Un lugar bien ganado y hoy en día un director ya bien conocido por su estilo de animación simplista y la habilidad para los aspectos más oscuros de la naturaleza humana sin caer en clichés. Veamos como le va en su próxima película anunciada para el 2015, Seoul Station, a diferencia de las anteriores (creo El Rey de los Cerdos es mi favorita) vira en torno a algo más ficticio, los zombis. 

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La felicidad me encontrará, por esa razón me hizo Dios

***

¡¡Muere, muere Satán!!

Secuestrados

Director: Miguel Ángel Vivas

Guionista: Miguel Ángel Vivas y Javier García

País: España

Año: 2010

Duración: 85 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Terror - Thriller - Drama / Thriller psicológico - Secuestros

Sinopsis: Jaime, Marta y su hija Isa acaban de mudarse a una selecta urbanización de las afueras. Mientras se preparan para celebrar la primera noche en su nueva casa, tres encapuchados irrumpen violentamente en la vivienda con el objetivo de robar y sin importarles el horror que siembren a su paso.

Personajes

Fernando Cayo es Jaime

Manuela Vellés es Isa

Ana Wagener es Marta

Dritan Biba es el Secuestrador Jefe

Martijn Kuiper es el Secuestrador malo

Guillermo Barrientos es el Secuestrador bueno

Xoel Yáñez es Cesar

Entre otros

A excepción del cortometraje de temática zombi I'll See You in My Dreams (2003) Miguel Ángel Vivas a la fecha a mantenido su interés por el crimen, un tópico que podemos observar en el resto de su filmografía, cuatro proyectos y uno anunciado para el 2015, ya sea de la mano de un Thriller de Intriga o de la brutalidad “Home Invasion” que es el caso de su segundo y más polarizado largometraje: Secuestrados, sumamente despreciado por algunas personas y apreciado por otras. 

El subgénero Home Invasion –si es que existe– sabemos centra su atención en la violación de un hogar y lo espeluznante que esto puede ser considerando que: no hay nada como el hogar, sea cual sea este, es el sitio al que acudimos en busca de seguridad, refugió y calidez. Que algo perpetre este espacio es... inimaginable, y sin embargo es posible y a cualquiera le puede suceder, desde el punto de vista de un sigiloso infiltrado a un violento allanamiento. Presos en nuestra propia casa, una premisa gastada a través de los años que quizá vio en cuanto al cine en ese momento su máxima expresión con Funny Games (1997). 

Miguel Angel Vivas no inventa nada, su misión no es esa sino torturar al espectador. Lo que lees en la sinopsis ocurre en los primeros 10 minutos, tiempo suficiente para afilar sus garras y hurgar en nuestras entrañas, o al menos es lo que intenta, a través de las peripecias de esta desafortunada familia que no siempre optará por lo más sencillo en estos casos: completa sumisión. El merito de Miguel Ángel es el esfuerzo que hace por integrarnos a los eventos, por medio de planos secuencias (tomas sin cortes) forja la angustia de nuestros protagonistas, el pánico al daño irreparable que un secuestro puede ocasionar. El estado en shock al que entran y así mismo se ven obligados a salir por sus captores. En algún momento uno de ellos comenta: matar nunca es parte del plan, el plan es que las cosas resulten lo más fáciles posibles, si en ello cabe el matarlos así será. Finalmente es una situación de colaboración entre ambas partes.

¿Qué tan excepcional es este fllme? Sin duda tiene lo suyo y es digno de recomendarse. Que sea muy bueno o novedoso, para nada, pero es un ejercicio bastante interesante y más o menos fallido. Te decía, el argumento no propone, apuesta por el realismo, algo que consigue en una proporción aceptable gracias a la sacudida emocional ejecutada por la interpretación de Manuela Vellés, otro punto a favor si bien la violencia es depurada al final, ¿excesiva?, es justa para saciar nuestra morbosidad y percibamos la crudeza del filme en todo su trayecto, pulsátil; y... a pesar de que captores y víctimas se encaran a los 10 minutos la situación evoluciona sin decaer. ¿En qué falla entonces? La existencia de tres personajes, y lo que conlleva, ya lo verás, y... que finalmente termina siendo más que un filme de terror o de horror crudo y visceral, un visionado sensacionalista, amarillista (por su final). No me quejo de esto pero pudo haber sido mejor realizado.

Una película que desde hace años quería ver y lo olvidaba. Qué bien que lo hago ahora. Por último, a destacar la técnica de rodaje que mencionaba, rodar la película exclusivamente a través de 12 planos secuencias no es fácil, no recuerdo ahorita otra película que lo haya hecho..., es algo que implica cierta coordinación y mesura en lo que quieres mostrar.

Me atrevo a decir que es lo mejor de Miguel Ángel Vivas, si la quieres descargar te sugiero este torrent.
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Steins;Gate

Shutainzu Gêto

Director: Hiroshi Hamasaki y Takuya Sato
País: Japón
Año: 2011
Episodios: 24
Ova: 1
Sitio

Género / Tópico: Ciencia Ficción - Thriller / Viajes en el Tiempo

Sinopsis: La historia se lleva a cabo en Akihabara y se trata de un grupo de amigos liderado por Okabe que han personalizado su horno de microondas en un dispositivo que puede enviar mensajes de texto al pasado. A medida que realizan diferentes experimentos, una organización llamada SERN, que también ha estado haciendo su propia investigación sobre viaje en el tiempo, les sigue la pista y ahora. Okaba y el equipo del Laboratorio de dispositivos futuristas deberán contraatacar para evitar que SERN se haga de la máquina y lleve al mundo a una distopía. 

Y... aunque Los viajes en el tiempo –uno de los temas que más me gustan de la tan castigada paraciencia– resultan como concepto y recurso de la Ciencia Ficción un supuesto bastante predecible, no deja de ser cautivador y divertido al razonamiento. Si no es porque soy un poco renuente al anime hubiese visto este título mucho antes. 

Steins;Gate, es un anime basado en una novela visual que a su vez está basada en la historia real de John Titor, un usuario que apareció por primera vez en el año 2000 en un foro de discusión de internet, vaya tiempos aquellos... donde el IRC y el ICQ eran tan novedosos (¡llegué a usarlos!). Este usuario, TimeTravel_0, decía ser un viajero del tiempo proveniente del año 2036 y él y sus predicciones se convirtieron en un mito en la red. El anime no sólo hace suya la figura de John Titor y sus teorías sino esa parafernalia y artilugios, la máquina del tiempo, la conspiración del CERN, la IBM 5100, entre otros, en una existencia de universos paralelos y distópicos. 

Me ha encantado la idea del laboratorio de dispositivos futuristas, el uso de la teoría del agujero de gusano para el viaje en el tiempo por el teléfono-microondas de la información almacenada en el cerebro y los mensajes de texto, y el ritmo en que se van dando los saltos, extenuantes. Tanto así que terminó por agradarme un personaje tan poco carismático como el protagonista Okabe Rintarō. Disfrutando de la resolución de las cosas, la cursileria previa al final y de su OVA, y los títulos de cada episodio, claro. 

Existen dos series mal llamadas precuela y secuela. Robotics;Notes y Chaos;Head, nada que ver y es mejor omitirlos (a menos que te gusten esos animes de comedia y romance colegial). Lo que sí hay que ver y me falta es Steins;Gate: Fuka Ryôiki no Déjà vu, película del 2013.

Por último a añadir, nota mental: hay que ver el anime Texhnolyze (2003) de Hiroshi Hamasaki (también director de Pet Shop of Horrors del 2000) y la película Armitage III (1995) de Takuya Sato, títulos de temática cyberpunk.

Puedes ver online Steins;Gate en animeflv, click aquí.

Patología General Vterinaria

El presente no es un libro de profundización, sino un libro de texto que describe de manera breve y generalizada los temas del programa de Patología General de la carrera Medicina Veterinaria y Zootecnia en la FMVZ, UNAM.

Ilustrado con diagramas y fotografías cada capítulo incluye una lista de lecturas recomendadas. Un útil primer acercamiento a esta área.

Índice

UNIDAD 1

Introducción a la Patología

UNIDAD 2

Trastornos Circulatorios

UNIDAD 3

Alteraciones Celulares y Tisulares

UNIDAD 4

Proceso Inflamatorio

UNIDAD 5

Reparación

UNIDAD 6

Inmunopatología

UNIDAD 7

Trastornos del Crecimiento Celular

UNIDAD 8

Interacción Hospedador-Agente-Ambiente

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Wolf

Director: Jim Taihuttu

Guionista: Jim Taihuttu

País: Holanda

Año: 2013

Duración: 118 min aprox.

Sitio

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Género / Tópico: Thriller - Drama / Crimen - Boxeo

Sinopsis: Majid es un boxeador con mucho talento que vive en un duro suburbio holandés. Tras pasar una temporada en la cárcel, Ben, el propietario de un gimnasio acepta entrenarlo y llevarle a un torneo, lo cual podría ser su gran oportunidad Pero cuando el jefe de una banda criminal, Hakan, se interesa por sus habilidades, Majid empieza a cuestionarse la forma en que quiere ganarse la vida.

Personajes

Marwan Kenzari es Majid

Chemseddine Amar es Adil

Bo Maerten es Tessa

Cahit Ölmez es Hakan

Raymond Thiry es Ben

Entre otros

Wolf es el típico drama de un criminal puesto en libertad condicional que aspira re-dirigir su vida, aunque esto no signifique ser del todo el hijo y ciudadano holandés modelo del cual su padre se sentiría orgulloso al presentarse en la mezquita. El sentido de una buena vida para Majid es hacer dinero aunque no sea de la forma más ortodoxa, y proveer a su familia, en segundo plano ser amado por Tessa y quizá darse algún lujo. Aspiraciones más o menos sencillas de lograr si no fuese en la dirección del dinero fácil. Con un hermano mayor –el hijo ideal– en fase terminal internado en el hospital, un padre que reniega de él, una madre sumisa, un hermano menor que le ve como su héroe, deudas familiares que van en aumento, una novia de dudosa reputación y un círculo de amistad tendiente al hurto y la venta de drogas a menor escala, Majid compensa su poca habilidad intelectual con la ferocidad y lealtad de un lobo. Un líder y protector para sus amigos, y si bien un proscrito para su familia, siempre en vela por ella y su bienestar.

Pese a que Majid tiene una capacidad de reacción propia de un guerrero, el perfil perfecto para ser un buen subdito en la mafia y el porte de un hombre indestructible en el ring, sus decisiones no siempre son las mejores. Impulsivo y con la confianza puesta en las personas equivocadas se inclina hacia su autodestrucción. 

El argumento del filme de Taihuttu es tan visto, tan viejo como el propio blanco y negro con el que es montada, encontrando su punto fuerte en precisamente la elegancia de ese blanco y negro, la gracia de su fotografía y el temple con el que es conducido su guión que si bien no apuesta por innovar o refrescar, se toma su tiempo y con mesura en un metraje de dos horas cuenta una historia que ya sabíamos. Totalmente prescindible, aunque disfrute mucho de la fotografía y algunas escenas y me entretuvo de principio a fin no la considero tan recomendable, a menos que como has leído, no te disguste sea tan predecible. ¡Y el final! Vaya final...

Logra entretener, aunque esperaba mucho más. Su factura es de calidad, la música, y la actuación de Marwan Kenzari luce convincente, así como el papel del taimado Adil interpretado por Chemseddine Amar.

Debut como solista en la dirección y la escritura del guión de Taihuttu, quien había trabajado en Rabat (2011) con Victor Ponten, una Road Movie que ya veré después. Wolf, es un retrato sobre la vulnerabilidad bajo los músculos y la agresividad de un marroquí, un bosquejo acerca de la inmigración en Holanda y sus suburbios poblados de parías, tensiones culturales no sólo entre etnias, sino también entre ricos y pobres, jóvenes y viejos.

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Perished

Directores: Aaron McCann y Stefan Androv Radanovich

Guionistas: Aaron McCann y Stefan Androv Radanovich

País: Australia

Año: 2011

Duración: 15 min. aprox.

Facebook

Género / Tópico: Terror - Drama / Zombis - Cortometraje

Perished es el cortometraje más conocido de Radanovich y McCann, un par que ya habían escrito y dirigido por separado otros cortos. En éste nos cuentan la lucha por la sobrevivencia de un hombre en los suburbios de Australia ante un ataque zombi de origen viral. Huyendo se rezaga en un cobertizo en donde accidentalmente quedará atrapado. Pasan los días y los suministros se agotan. Antes de definitivamente partir de ese lugar debe enfrentar un miedo mayor a los zombis y el hambre y ponerle fin. Por que en sí, el temor a estos muertos vivientes no es exactamente lo que lo tiene enclaustrado. 

Una propuesta llena de inconsistencias y cero innovadora que se deja apreciar, y nos trae una vez más, la idea de lo difícil que es... abandonar. Con un final muy a lo Night of the living dead (1968) de G. A. Romero, la mayor parte de su fuerte cae en la interpretación de Wayne Davies (actor que guarda parecido físico, me lo recordó, con Viggo Mortensen).

Coherence

Director: James Ward Byrkit

Guionistas: James Ward Byrkit y Alex Manugian

País: E.U.A.

Año: 2013

Duración: 90 min. aprox.

Trailer

Sitio

Género / Tópico: Thriller - Intriga - Ciencia Ficción / Thriller psicológico

Sinopsis: En Finlandia, en 1923, el paso de un cometa hizo que los habitantes de un pueblo quedaran completamente desorientados; incluso una mujer llegó a llamar a la policía denunciando que el hombre que estaba en su casa no era su marido. Décadas más tarde, un grupo de amigos recuerda este caso mientras cenan, brindan y se preparan para ver pasar un cometa...

Personajes

Emily Baldoni es Em

Maury Sterling es Kevin

Nicholas Brendon es Mike

Lorene Scafaria es Lee

Elizabeth Gracen es Beth

Hugo Armstrong es Hugh

Alex Manugian es Amir

Lauren Maher es Laurie

Del Stop trick al CGI, a más de cien años de la invención de los efectos especiales, el cine ve su evolución en la reinvención de las técnicas y herramientas que lo hacen posible. Inspirado en Julio Verne y H. G. Wells, Georges Méliès impresionaba al mundo con sus cortometrajes Le Voyage dans la lune (1902) y Le voyage à travers l'impossible (1904), casi padre de la Ciencia Ficción en el Cine. Por supuesto no se trata de renegar la imaginería, inquietud y ambición de grandes cineastas entre los años de 1900-1968 aprox. –mucho menos la espectacularidad de los de nuestro tiempo–,  no obstante a partir de 2001: A Space Odyssey (1968) gran parte del cine de ciencia ficción comenzó a viciarse en los efectos especiales, restando importancia al elemento principal: el guión. Un guión servido en campos de las ciencias naturales y en particular, las físicas. 

Coherence se suma a películas como I Origins (2014), Primer (2004), entre otras donde aunque de temática diferente no puedo dejar de recordar The Man from Earth (2007). James y Alex (quien también interpreta a Amir) escriben sobre las consecuencias que trae consigo el paso de un cometa, en la noche de un grupo de 8 amigos que se reúnen para cenar, revivir viejos tiempos y conmemorar este suceso espacial, el cometa. La divergencia radica en la paradoja de Schrödinger, corolario de la ecuación de Schrödinger que explica la evolución temporal de la función de onda (estado físico) y su derivación que converge en la superposición de universos/mundos/realidades limitada por la decoherencia cuántica que impide su interacción y el colapso de la función de onda, en la película ejemplificado y “explicado” a través del conocidísimo experimento del Gato de Schrödinger (un tema de mecánica cuántica, este gato que quizá recuerdas por cierto episodio de Futurama o The Big Bang Theory). ¿Qué rol juega el cometa? Es el causante, quizá por 12 horas, de que acontezca dicha superposición de universos paralelos (similar pero no hay que confundir con la dinámica de los viajes en el tiempo).

El debut de James Ward Byrkit es una muestra (como así mismo ya otras películas lo han evidenciado) de que el despliegue de un gran presupuesto y efectos especiales no siempre es necesario para ofrecer un filme entretenido y efectivo. Rodada casi exclusivamente en su propia casa y con sólo 8 personas en pantalla, actores poco conocidos (quizá el más sea Nicholas Brendon por Buffy la caza vampiros) y con el plus de que para nada son jovencitos, logra generar un ambiente estupendo de paranoia e incertidumbre, ayudado por lo que a mí me aparece una buena elección del manejo de cámara (a ratos me parecía un vídeo casero, de esos que se hacen para recordar la fecha) y la libertad de interpretación, en alguna entrevista James llegó a comentar varios diálogos fueron 100% improvisados por los propios actores.

Sin duda es inquietante y estimable... con todo y que la premisa está ligeramente desaprovechada, hay escenas que rayan lo ridículo y lo poco encantadora que es la manera en que nos explican lo que está pasando. Muy recomendable. Ahora, debo mencionar que puede disminuir tu gusto si has visto +1 dirigida por Dennis Iliadis (el director del remake de The Last House on the Left) y estrenada en el mismo año que Coherence... sus similitudes: acá es un cometa y allá un meteorito, acá es una reunión y allá es una fiesta, acá son “viejos” y allá son “adolescentes” y ambas son películas de ciencia ficción donde suceden cosas muy raras que involucran la paranoia y el caos (yo le voy mucho más a Coherence).

Por último queda añadir que entre otros premios ha ganado el de Mejor guión y Mejor diseño de producción en el Festival de Sitges; y como curiosidad que James es el escritor de la historia de la película infantil de animación, Rango (2011) dirigida por Verbinski y producida por Nickelodeon Movies.

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Nunca había visto tanta oscuridad

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Electronic Labyrinth THX 1138 4EB

Director: George Lucas

Guionista: George Lucas

País: E.U.A.

Año: 1967

Duración: 15 min. aprox.

Género / Tópico: Ciencia Ficción / Cyberpunk - Distopia - Cortometraje

Sinopsis: Un hombre se dirige a su autodestrucción intentando escapar de una sociedad automatizada a través de un laberinto. 

Aunque no fueron los únicos (también están  Look at Life, Herbie, Anyone Lived in a Pretty How Town, entre otros), Freiheit y éste son cortometrajes que representan su faceta de estudiante. El primero de contenido socio-político, el segundo con un concepto que mostraba su afinidad por la ciencia ficción, algo que definirá su carrera.

Electronic Labyrinth THX 1138 4EB es una idea que nació de la mente de G. Lucas desde antes de entrar a la universidad y apoyada por sus compañeros de escuela ahora directores –mucho menos conocidos hoy en día– Matthew Robbins y Walter Murch, quienes abandonaron el proyecto. El cortometraje pudo realizarse gracias a la colaboración de la Marina de los E.U.A., que puso a su disposición cierto financiamiento, algunas instalaciones y elementos para la actuación. Como resultado, su premiación en el tercer Festival de cine estudiantil en New York y la adaptación y realización en largometraje de esta idea, a través de la Warner Bros y la recién creada American Zoetrope Production.

Un corto un tanto repetitivo, pudo haber sido más breve... pero una premisa ideal para lo que sería su filme THX 1138. Por otro lado, la última linea y escena al final me ha encantado.

Estrella

Director: Roberto Chinet
Guionista: Roberto Chinet
País: España
Año: 2014
Duración: 3 min. aprox.

Género / Tópico: Drama / Cortometraje

Estrella es el cortometraje más conocido por ahora de Chinet, un biólogo español con un diplomado en Guión y Dirección de Cine. Aprox. del 2007 a la fecha ha estado trabajando en diferentes talleres y proyectos audiovisuales, Limerencia (2011) y Novilunio (2009) son algunos de sus cortos. Sin embargo, no es hasta su participación en la XII edición del Notodofilmfest (certamen español de cortometrajes en internet) que empieza a tener algunas distinciones. En el Notodofilmfest fue finalista.

Un corto predecible y sensiblero y al menos para mí, poco original. He visto la idea algunas veces, en la Mirada circular (2010) con mayor contundencia... por ejemplo.

Lo cual no importa, reflexiones como ésta jamás deberíamos olvidar, así mismo, nunca está de más hacerla llegar a quienes aún no les queda claro la vileza e iniquidad del abandono.

The Battery

Director: Jeremy Gardner
Guionista: Jeremy Gardner
País: E.U.A.
Año: 2012
Duración: 100 min. aprox.
Trailer

Sitio

Género / Tópico: Drama - Terror / Zombis - Road Movie - Cine Independiente USA

Sinopsis: Dos ex-jugadores de baseball deben cruzar una Nueva Inglaterra que ha sido completamente devastada. El carácter opuesto de ambos hará que el viaje sea incluso más complicado.

Personajes

Jeremy Gardner es Ben

Adam Cronheim es Mickey

Alana O'Brien es Annie

Niels Bolle es Jerry

Película dirigida, escrita y protagonizada por Jeremy Gardner, de quien por desgracia antes de ella no se sabía “nada” y a dos años de su estreno tampoco, salvo una participación menor como Tommy en el romance sobrenatural de Justin Benson, Spring (2014). The Battery, una propuesta de cine independiente muy aceptable a pesar de sus fallas, interesante a pesar de su simpleza y con una producción lo suficiente sabedora de sus escasos recursos como para hacer brillar estos. 

The Battery es una road movie que apunta sin cursilerías hacia la amistad encausada a la supervivencia y que termina en plenamente una amistad sincera y honesta, desplazando a un segundo plano la intervención zombi. De todas las películas que he visto en cuanto a zombis es la que menos se preocupa por mostrar el terror de estos, ni si quiera le interesa invertir en el maquillaje. Siendo así la relación de Ben y Mickey el acto protagónico de este mundo posterior al apocalipsis zombi donde la violencia ha sido remplazada por una persistente soledad en bastos y verdes prados. Es una de esas situaciones provocadas por el paroxismo del horror, ¿tú crees que Carol y Daryl en TWD podrían tener esa amistad de no haber estado donde están? Mickey y Ben, sólo conocidos de vista al pertenecer al mismo equipo de béisbol, son tan diferentes, el uno más pasivo y hasta cierto punto delicado extraña la idea de tener una novia, dormir en una cama y pertenecer a una comunidad, hastiado del ir y venir, horrorizado por la idea de matar prefiere abstraerse en la música de unos discman. El otro con mayores dotes de supervivencia y más realista, tosco y desaliñado, con el deber de matar a cualquier caminante que se cruce en su camino lo que menos le interesa es vivir en una casa y fingir que nada ha cambiado, adaptado a la vida de trotamundos. Ambos, quieran o no, compañeros en esta empresa en la cual no han visto u oído a una sola persona en meses. Tolerándose.

Y aunque no estemos con nuestro mejor amigo o nuestra persona amada, seguro en una circunstancia así cualquiera termina forjando lazos hacia lo poco que se tiene, y esa persona que tanto te disgusta no sólo es un compañero por fuerza, sino un amigo por elección. Estabilidad, adaptación, que se ve desequilibrada tras el contacto accidental por la radio, unos walkie talkie, con Annie y su grupo, al que por cierto Ben y Mickey no son bienvenidos y si hasta amenazados, pero a Mickey no le basta la presencia de Ben, necesita contacto humano, necesita encontrar a Annie.

Una película que tras un inicio lento y la presentación de unos protagonistas de poco interés logra reivindicarse y convertirse en una obra, bastante indie, muy entretenida, en donde el brutalidad zombi es lenta, tan lenta que puedes gatear frente a ellos y no te alcanzarán, y la soledad es el factor más amenazante. De una buena actuación de Gardner y un trabajo de arte y fotografía muy acorde a lo que tenemos, un estilo que nos recuerda los tonos cian de algún filtro polaroid. Otro punto a favor es la agilidad para escribir y dirigir, no cualquiera apuesta por un claustrofóbico tramo de 30 minutos y sale avante. Muy poca acción y muy poca sangre vas encontrar en The Battery.

Rodada en 15 días en Connecticut y con un presupuesto de $6000 US, un ejemplo de que el mejor recurso del que puede contar un cineasta es de su creatividad. 

Por otro lado, el soundtrack es genial. Ése lo puedes escuchar dando click acá.

Con todo y que Mickey es un sujeto exasperante al que le desee siempre la muerte, es un filme agradable. Muy agradable. Casi no escribo sobre películas que vi hace mucho, ésta hace un año, pero hoy mientras buscaba una película de zombis me tope con The Battery y caía en cuenta de ese descuido, no podía dejarlo así... así que, ¡a escribir!

Pueden tomar nuestros huesos / Y enterrarlos bajo el río

Pueden tomar nuestros puños / Y cortarlos por las muñecas

Y agitaremos los brazos con muñones sangrientos

Pero aún estaremos juntos y no podremos ser derrotados

Cuando bailamos, bailamos juntos bajo la luna y el tiempo

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Malaise

Director: Daniel Beaulieu
Guionista: Daniel Beaulieu
Año: 2014

País: Canadá

Duración: 2 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Ciencia Ficción / Cortometaje

Sinopsis: Proyecto de fin de carrera realizado en la Vancouver Film School, inspirado según su creador en "clásicos de la ciencia ficción como Solaris, Barbarella y Alien".

Un breve y buen trabajo que exactamente como apunta la sinopsis rinde homenaje a clásicos de la ciencia ficción, no tanto a Barbarella, como sí al filme de Tarkovsky y al de Ridley Scott, así como a Requiem for a Dream en el soudtrack.

Un corto breve con emoción y acción que en efecto, demuestra la habilidad de su creador: Daniel Beaulieu, graduado en Producción de Cine y Vídeo en la Universidad de Regina de Canadá. Interesado en la animación digital, efectos visuales y post-producción, recién el año pasado ingresó a la carrera de Animación y programación en 3D en Vancouver. Bonito resultado.

Enemy

Director: Denis Villeneuve

Guionista: Javier Gullón (Novela: Saramago)

País: Canadá

Año: 2013

Duración: 90 min. aprox.

Trailer

Sitio

Género / Tópico: Intriga - Drama / Drama psicológico

Sinopsis: Adam es un afable profesor de historia que lleva una vida bastante monótona. Un día, viendo una película descubre a un actor que es idéntico a él. Obsesionado con la idea de tener un doble, la búsqueda de ese hombre tendrá para él consecuencias inesperadas... Libre adaptación de la novela "El hombre duplicado", de José Saramago.

Personajes

Jake Gyllenhaal es Adam y Anthony

Sarah Gadon es Helen

Mélanie Laurent es Mary

Isabella Rossellini es la mamá

Estamos habituados a creer en la esencia de la individualidad como origen de nuestra calidad de seres insustituibles. No somos una especie, somos individuos. Sin embargo, ¿qué nos distingue como personas irrepetibles? He ahí el punto de inflexión y a menos que tengas un gemelo monocigótico entrarías en pánico, ¡al diablo la Teoría del desdoblamiento del tiempo-espacio de Garnier Malet!, la existencia de “otro yo” es espeluznante. ¿Quién es el original? ¿Quién es el real? ¿Quién debe desaparecer?

El caos es un orden sin descifrar.

En las primeras páginas de la novela El Hombre Duplicado (1998) de Saramago, Tertuliano se pregunta: Seré de verdad un error, se preguntó, y, suponiendo que efectivamente lo sea, qué significado, qué consecuencias tendrá para un ser humano saberse errado. Y entonces: Le bajo por la espina dorsal una rápida sensación de miedo y pensó que hay cosas que es preferible dejar como están y ser como son.

En el 2013 Denis Villeneuve estrenó dos películas, Prisoners y Enemy, ambas muy diferentes entre sí, estupendos ejemplos de su talento como director. Enemy destaca por su singularidad. Una adaptación libre de la novela de Saramago, que... proyectada desde una perspectiva onírica y hasta cierto punto surrealista, dice más de lo que parece decir. Eso, un arma de doble filo. Por un lado te hipnotiza y acoge como si estuvieses viendo un episodio de The Twilight Zone y conduce a un final fácilmente interpretable si captaste las al menos 4 pistas presentes en el transcurso de la trama, así mismo explica y excusa tantas cosas, esos vacíos, falta de diseño de los personajes y la actuación tan monótona e impulsiva. Por el otro, su dinamia necesariamente lenta y esa actuación demorada de Jake Gyllenhaal que si no terminas comprendiendo la película más que excepcional (que lo es) te parecerá aburrida, y sumando el metafórico final, lo mejor que te puede pasar es que encuentres Enemy, confusa y hasta ahí, sino es que pretenciosa también.

Crisis de identidad, terror a la paternidad o sólo un hombre trastornado y por demás, degenerado ¿? Cuestión de enfoques. Enemy es una producción alienante, con su dejo fantástico proporcionado por una araña a lo Louise Bourgeois (si vives en México D.F. pudiste verla en Bellas Artes), acerca de la vida rutinaria de un profesor de historia, violada por la obsesión de tener un doble, y peor aún, en su misma localidad, tras el visionado de una película el profesor Adam no puede hacer otra cosa que encontrar al actor Anthony y asegurarse de él es él y no su otro él, o mejor dicho, ser quien cree ser y no otro ser. 

Me encantaría detallar el significado de cada elemento y escena y por supuesto el final. Pero... no puedo, tienes que verlo tú. Quizá hasta disfrutes verla por segunda vez después de haberla comprendido en su totalidad, desde otro ángulo. Divertídisimo es.

Otro acierto de esta agobiante tragedia, de esta paranoica farsa, es la actuación, aunque sutil porque quien se lleva la atención es Gyllenhaal (Secreto en la montaña, Donnie Darko, El principe de Persia, etc.) y su sempiterna expresión de angustia; acompañado de la bellísima y dulce Sarah Gadon, actriz recurrente para los Cronenberg (A Dangerous Method, Cosmopolis, Maps to the Stars y Antiviral) o Mirena en Dracula Untold (2014), aquí una mujer comprensiva y abatida por el peso que significa tener a un Anthony de esposo, y más superficial tenemos a Mélanie Laurent (Les adoptés, Inglourious Basterds, La Chambre des morts, etc.). 

Me he dado cuenta que es la primera película de Denis que sugiero en este blog. Qué raro... en fin, espero este año estar invitando a ver Sicario, su próxima película. Y aunque no escribí una entrada en este blog, desde ya sugiero Prisioneros (2013) e Incendies (2010). ¡No lo dudes!

Si quieres descargar Enemy sugiero este torrent.
(Si tienes duda, sólo debes abrir el archivo torrent desde qBittorrent o µTorrent.)