domingo, 30 de agosto de 2015

Reproducción de Animales Domésticos


Compiladores: Carlos Galina y Javier Valencia
Editorial Limusa
3a edición
México
2008
Páginas: 517


Extracto del prólogo

La obra pretende ser un libro de consulta para los estudiantes de medicina veterinaria, pero puede ser de utilidad para estudiantes de agronomía, biología y ciencias naturales.
El libro tiene tres secciones. La primera contempla desde la diferenciación sexual hasta que el animal completa su ciclo reproductivo creando un nuevo ser. La segunda engloba los procesos que afectan la reproducción tanto de la hembra como del macho, y la última hace referencia a las particularidades reproductivas de las distintas especies descritas en esta obra. Es probable que el lector encuentre duplicidad en ciertas secciones del libro pero la necesidad de darle fluidez a los capítulos descritos por diversos autores nos impide se rmuy estrictos en la labor editorial. El aprendizaje generalmente se obtiene a través de repetición, y por ser esta obra un compendio de diversas opiniones, los compiladores hemos decidido mantener la opinión de los autores hasta donde fue posible.


ÍNDICE

Prólogo
1. Desarrollo embrionario y diferenciación sexual
2. Morfofisiología de los órganos genitales del macho y de la hembra
3. Gametogénesis
4. Endocrinología de la reproducción
5. Pubertad, ciclo estral y estacionalidad
6. Manejo hormonal del ciclo estral
7. Transporte de gametos y fertilización
8. Implantación y placentación
9. Gestación
10. Parto
11. Puerperio y establecimiento de la dinámica folicular posparto
12. Examen de la salud reproductiva y alteraciones de la fertilidad de los toros
13. Inseminación artificial
14. Alteraciones del macho
15. Distocia
16. Abortos
17. Alteraciones del aparato genital de la hembra
18. Alteraciones hormonales de la hembra
19. Infertilidad de la hembra. Síndromes de anestro y falla en la concepción
20. Bovinos productos de leche
21. Bovinos productores de carne
22. Bovinos de doble propósito
23. Equinos
24. Cerdos
25. Ovinos
26. Caninos
27. Felinos
28. Caprinos
29. Biotecnologías reproductivas
Acerca de los autores.

sábado, 29 de agosto de 2015

Goodnight Mommy


Ich Seh, Ich Seh

Directores: Severin Fiala y Veronika Franz
Guionistas: Severin Fiala y Veronika Franz
País: Austria
Año: 2014
Duración: 100 mn. aprox.

Género / Tópico: Terror - Drama / Thriller psicológico

Sinopsis: Es pleno verano, y dos hermanos gemelos esperan pacientemente a que su madre regrese a casa tras una operación de cirugía plástica. Cuando llega con la cara completamente vendada se muestra fría, distante y obsesiva. El cambio en su personalidad hará que los niños se pregunten si la mujer es realmente su madre o se trata de una impostora.


Reparto / Personajes

Elias Schwarz es Elias
Lukas Schwarz es Lukas
Susanne Wuest es su madre
Entre otros


El cine austriaco es conocido en sus orígenes –haciendo de lado sus cortometrajes de corte erótico de principio de siglo– por sus dramas y comedias románticas situadas en Viena del siglo XIX y hoy en día por dramas sociales basados en hechos reales, como Die Fälscher (2007) de Ruzowitzky o en su momento El séptimo continente (1989) de Haneke, punto y aparte este director quien Siempre ha sabido impresionar a la crítica en cualquier festival y por supuesto, a nosotros como simples consumidores del cine. Sin embargo cabe mencionarse la limitada expansión del cine austriaco restringiendo el género de terror a menos de 10 largometrajes, destacando a Angst (1983) de Gerald Kargl como el “primero” –¡debes verla!–,y Funny Games (1997) de Haneke como la película de culto que es. Por ello Goodnight Mommy es uno de los pocos pero valiosos filmes de terror tanto a nivel nacional como internacional. 

Severin y Veronika elaboran un thriller psicológico sobrecogedor aprovechando el potencial terrorífico que posee una condición gemelar, su comunicación intuitiva, lealtad y tendencia conspirativa (lejos de aquellas historias donde un gemelo suprime al otro), no sé, de momento recuerdo a las niñas fantasmales de El Resplandor de Kubrick, los pelirrojos de AHS Murden House o Niles en The Other (1972) de Mulligan –parecido hay con ésta, ¡de verdad!, pero no hablemos de ello –. Sin olvidar el aditivo de la perversidad infantil que brilla en muchas películas como The Bad Seed (1956) de LeRoy, The Omen (1976) de Donner, ¿Quién Puede Matar a un Niño? (1976) de Ibáñez, The Good Son (1993) de Ruben, etc…. Los niños pueden ser tan malos.

El filme comienza de la manera más sana ejemplificando la unión familiar a través del juego, con Lukas y Elias, inseparables, viviendo un mar de fantasía y alegría hasta la llegada de su madre, un hecho que en contra de lo esperado: completar un círculo de candidez en este retiro campestre;  trae consigo tinieblas en un permanente recordatorio que algo no anda bien: la ausencia del padre (hasta en fotografías), la frialdad maternal dominada por una vida profesional y el aparente disgusto con Lukas: su madre simplemente no le dirige la palabra, es como si quisiera omitir su existencia. Triste, pero tolerable es saber que tu madre no te quiere cuando tienes el apoyo de tu hermano. 

Bien podría ser un caso más donde la indiferencia de los padres inmersos en sus problemas de éxito personal obliga a sus niños a refugiarse en una imaginería de sueños. Pero esto no es así, el arquetipo de madrasta malvada que envuelve a la madre de Elias y Lukas arroja su universo infantil a las ideas más descabelladas pobladas de paranoias extraterrestres, de alienígenas suplantadores o bien, alguna mujer psicótica. ¿Qué ha hecho con su madre? Sin pauta para la ciencia ficción yacemos a “realismo” más puro y duro. Semejantes a un par de animales acorralados Elias y Lukaz no sólo se escurren por las frías habitaciones de su casa en busca de la libertad del campo, sino también deciden hacer frente a esta entidad transfigurada en su madre. Y es que estos niños cazadores de cucarachas no sólo son presas, poseen una astucia animal que hará canalicen sus sospechas y terrores a una etapa de perversidad sin consecuencias ni miramientos.

Un filme abocado en la construcción de su atmósfera capaz de torcer el victimismo más de una vez, saltando de la inocencia despreocupada a la frialdad más próxima a la de un asesino que a la de un niño. Un tamiz psicológico que puede ser entendido como predecible, según nuestra experiencia en este cine podemos deducir fácilmente lo que pasa, y es un atributo de Goodnight mommy, juega con la sorpresa pero no engaña puesto que jamás la oculta. Todo esto, acompañado de un dejo de horror corporal cronnenbergiano, guiños al catolicismo y un toque a lo Damien Hirst. 

La fotografía es fantástica, reflejando una elegancia minimalista en los interiores de una moderna casa de campo, en contraste con la belleza natural de los bosques y lagos de su alrededor, paralelo en su serenidad a la violencia existente tras las paredes y ventanas. En conjunto con la música, un ambiente inquietante aprovechado por la buena actuación de un par de niños debutantes en la actuación y Susanne Wuest (a quien le faltó un poquito de histeria, algo más a lo Babadook). 

Atractivo filme en mi opinión, para muchos original (si su visionado en estas películas es menor). Si algo hemos de tachar es la escena de La Cruz Roja, totalmente fuera de lugar, y algún cabo suelto, fuera de eso, agradable.

Habrá que seguir de cerca los pasos de Severin y Veronika, sobrino y esposa del productor (productor de este filme), guionista y director, Ulrich Seidl.

Por último y como breviario, Ich seh ich seh es un juego infantil de adivinanzas traducido como veo veo, puedes leer de él en wikipedia.



Si la quieres descargar te sugiero este torrent, y si la quieres ver online da click acá o aquí.

viernes, 28 de agosto de 2015

Histología | Texto y atlas color con biología celular y molecular


Autores: Michael H. Ross y Wojciech Pawlina
Edición: 6ª
Editorial: Panamericana
Año: 2012
Páginas: 996


ÍNDICE


1. TÉCNICA HISTOLÓGICA Y MICROSCOPIA
Generalidades de las técnicas utilizadas en histología
Preparación del tejido
Histoquímica y citoquímica
Microscopia
Recuadro 1.1 Correlación clínica: biopsias por congelación
Recuadro 1.2 Consideraciones funcionales: microespectrofotometría de Feulgen
Recuadro 1.3 Correlación clínica: anticuerpos monoclonales en medicina
Recuadro 1.4 Uso correcto del microscopio óptico

2. CITOPLASMA CELULAR
Generalidades de la célula y del citoplasma
Orgánulos membranosos
Orgánulos no membranosos
Inclusiones
Matriz citoplasmática
Recuadro 2.1 Correlación clínica: enfermedades por almacenamiento lisosómico
Recuadro 2.2 Correlación clínica: anomalías de microtúbulos y filamentos
Recuadro 2.3 Correlación clínica: duplicación anormal de los centriolos y el cáncer

3. EL NÚCLEO CELULAR
Generalidades del núcleo
Componentes del núcleo
Renovación celular
Ciclo celular
Muerte celular
Recuadro 3.1 Correlación clínica: pruebas citogenéticas
Recuadro 3.2 Correlación clínica: regulación del ciclo celular y tratamiento del cáncer

4. TEJIDO: CONCEPTO Y CLASIFICACIÓN
Generalidades de los tejidos
Tejido epitelial
Tejido conjuntivo
Tejido muscular
Tejido nervioso
Histogénesis
Identificación de los tejidos
Recuadro 4.1 Correlación clínica: teratomas ováricos

miércoles, 26 de agosto de 2015

The Salvation


Director: Kristian Levring
Guionistas: Anders Thomas Jensen y Kristian Levring
País: Dinamarca
Año: 2014
Duración: 90 min. aprox.

Género / Tópico: Western - Drama / Siglo XIX - Venganza

Sinopsis: Estados Unidos. 1870. Al matar al hombre que asesinó a su familia, Jon despierta la furia del cabecilla Delarue, éste no tardará en castigar al pueblo. Sin el apoyo, y hasta en contra de los habitantes, Jon deberá ahora de enfrentar solo a Delarue y su banda de forajidos. 


Reparto / Personajes

Mads Mikkelsen es Jon Jensen
Mikael Persbrandt es Peter Jensen
Jeffrey Dean Morgan es Henry Delarue
Eva Green es Madelaine
Eric Cantona es Corsican
Douglas Henshall es el Sheriff Mallick
Jonathan Pryce es Nathan Keane
Nanna Øland Fabricius es Marie Jensen
Entre otros


Wéstern danés filmado en Johannesburgo, Sudáfrica, y ambientado en Wisconsin, de los E.U.A. de 1860-1870, The salvation versa sobre Jon, un inmigrante danés quien adaptado a las costumbres y estilo de vida del viejo oeste decide traer consigo a su familia. Lastimosamente su sueño de una vida en Estados Unidos es truncado por un par de bandidos miembros de la banda de pistoleros de Delarue, violada su esposa y asesinada junto a su hijo, no deja otra razón de vivir en su corazón que la venganza, sin importar las consecuencias: Delarue o Jon, aunque de por medio esté la estabilidad del de por sí ya atemorizado y continuamente extorsionado pueblo.

Una historia bastante plana, sí, con personajes poco dibujados –tan difícil es sentir empatía por ellos como lo es el adivinar que expresión hay en el rostro de Mikkelsen–,  esto debido al argumento tan a priori y enfocado desde el principio a ser un homenaje –sí, todo mundo hoy en día hace homenajes– más que al wéstern americano al spaghetti wéstern popularizado en Europa por Sergio Leone. Siendo un género mucho más condensado: la profundidad psicológica en sus personajes es lo de menos, lo importante es destacar al héroe y al villano como héroe y villano.

The Salvation es el primer wéstern hecho en Dinamarca, hecho con el amor de los recuerdos de un hombre de 58 años, Levring, al mirar con nostalgia al pasado, aquel tiempo cuando de niño encendía la tv y lo único que encontraba eran películas del viejo oeste, tan populares en los años 30, 40, 50, 60… y de pronto, abruptamente fuera del interés de las personas; las historias de bandidos y pistoleros, de inmigrantes europeos e “indios” poco interesaban cuando lo “de hoy” eran sí, aún las pistolas pero en manos de Clint Eastwood en Dirty Harry (1971) de Don Siegel o de alguno de los Corleone en El Padrino (1972) de Francis Ford Coppola.

Estética, agradable, entretenida, la duración facilita las cosas, pero es necesario admitir es un filme de giros argumentales predecibles, personajes trillados, la música obviamente recordando a Ennio Morricone (Érase una vez en el Oeste, 1968), una fotografía en este caso desgraciadamente muy digitalizada y buenos actores que lucen menos que en cualquier otra de sus películas... Por cierto, Casino Royale (2006) de Martin Campbell es otra película donde Mads Mikkelsen y Eva Green aparecen juntos.

En fin, de este modo Levring ¿definitivamente? se desliga de lo que sería el ideal de “su juventud”: en contraposición a la industria cinematográfica norteamericana, la formula genérica del Dogma 95.




Frases

Mi princesa no habla ni una palabra, es muda. Los indios le cortaron la lengua.

A veces uno tiene que sacrificar una oveja para salvar al rebaño.


Si te interesa la puedes descargar de este torrent.
Si la quieres ver online da click acá (recuerda picarle a un lado de la barra de volumen y seleccionar 1080p)

sábado, 22 de agosto de 2015

Operator


Director: Sam Barnett
Guionista: Sam Barnett
País: E.U.A.
Duración: 7 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Terror - Ciencia Ficción / Stop-motion - Claymation - Cortometraje


Distópico relato corporativo de corte orwelliano a lo Alien, el octavo pasajero y un toque zombi. Analogía del obrero atrapado en un sistema contra el que no tiene defensa, la historia de Bob, un eficiente trabajador de InfoCorp. Ayudado del recuerdo de su familia Bob lidia con la deshumanizante monotonía hasta el día en que una extraña entidad biomecánica se escurre por las tuberías y el cableado de su cabina para tomar el control de su mente.


Cuarto cortometraje en la carrera de Barnett, con un costo de 1000 dólares y 8 meses en su realización. Ganador a Mejor Animación en el Idaho Horror Film Festival 2014. Una efectiva pesadilla biomecánica.  

jueves, 20 de agosto de 2015

As the Gods Will


Kamisama no iu tôri


Director: Takashi Miike
Guionista: Hiroyuki Yatsu (basado en el manga homónimo) 
País: Japón
Año: 2014
Duración: 117 min. aprox.

Género / Tópico: Thriller - Acción / Supervivencia

Sinopsis: Shun Takahata es un estudiante normal de secundaria que lleva una vida aburrida, junto a su mejor amiga, Ichika Akimoto. Un día, la cabeza de su maestro explota en clase y Shun y sus compañeros se ven obligados a jugar un juego mortal sin saber el quién, el cómo o el por qué.

Reparto / Personajes
Sôta Fukushi es Shun Takahata
Ryûnosuke Kamiki es Amaya Takeru
Hirona Yamazaki es Ichika Akimoto
Nao Ômori es Takumi
Shôta Sometani es Satake


La vida no tiene sentido. “Es absurdo que hayamos nacido, es absurdo que muramos” escribió Sartre en su primera obra filosófica “El ser y la nada” de 1943. Es… en este concepto de existencialismo en el que gran parte de la juventud se encuentra inmersa, varados entre la ociosidad y la extenuación que representa el construirse libremente a si mismos a cada instante. Hastío, náuseas. Shun, nuestro protagonista exclama: “Dios, mi vida es un aburrimiento. Dime, ¿para qué vivimos?” 

Abruptamente As the Gods Will nos arroja a un típico Juego de la Muerte más propio de Saw, Juego Macabro que de un Battle Royale o The Hunger Games, considerando el objetivo de nuestros jóvenes protagonistas no es eliminarse mutuamente sino sobrevivir a una entidad desconocida que ha impuesto las reglas del juego. A diferencia de otras películas y con riesgo a generar la impresión de que esto no tiene pies ni cabeza, Miike entra de lleno, apenas del preámbulo de Shun a la acción. Sin un planteamiento ni explicaciones ni la fase introductoria a los personajes el juego es abordado, un juego del que somos testigos con la misma incertidumbre que sus participantes: no sabemos qué pasa. Sí es la fase preliminar de una invasión alienígena, un ataque terrorista o Dios ha decidido jugar. 

1… 2… 3… ¡chocolate inglés!, lo que viene siendo Darumasan ga koronda será el primer juego. En el salón de clases el Daruma dará la espalda a los estudiantes y cantará, al terminar volteará la vista y a diferencia de la versión infantil donde quien es pillado en movimiento retrocede a la línea de inicio, aquí simplemente la cabeza le estallará; sólo puede haber un ganador, quien demuestre la agilidad para tocar al Daruma mientras canta. Así es como la vida de Shun, quien rodeado de cadáveres se alza con el triunfo, ha dejado de ser aburrida y avanza al siguiente nivel: Maneki neko, donde junto a los supervivientes de las otras clases deberá ponerle el cascabel a un gigantesco gato de cerámica antes de que éste los devoré o bien, aplaste... y así una sucesión de juegos.

Un filme de belleza estética que contrasta el origen infantil de sus juegos con la violencia de su sangriento designio. Narrativamente común a la estructura de un videojuego tenemos una sucesión de niveles que apuntan a develar el misterio. Divertidos y con ganas de más (tras el montaje estupendo del primer nivel, el Daruma) asistimos el desarrollo del Live action del manga homónimo escrito por Muneyuki Kaneshiro e ilustrado por Akeji Fujimura. Aunque el metraje es extenso logra entretenernos y... a pesar de que la actuación en lo absoluto es brillante, de hecho luce exagerada, los personajes son estereotipados y hay intentos forzados por unirlos emocionalmente, es muy tolerable. Y por cierto, si viste Ichi the killer (2001), ¿a qué reconociste a Nao Omori? aquel hikikomori no es otro que el propio Ichi, desde aquella película no trabajaba con Miike. 

Es curioso ahora que lo pienso, la mayoría de las casi 100 películas que ha dirigido Miike se basan en novelas, mangas o cuentos y leyendas, finalmente adaptaciones, y dentro de esas 100 películas sólo ha coescrito el guion de 3. Miike no se destaca como escritor inventivo, pero es bueno en seleccionar historias y adaptarlas, el material ideal para dejar fluir su genio creativo, el cual se mueve tan bien en el cine de terror como en el de acción, bélico, ciencia ficción, romance, drama, infantil, thriller, western, comedia y cuanto nos imaginemos. Sumamente versátil y prolífico.  Hoy en día es uno de los pocos cineastas japoneses (con vida) que disfruta de un reconocimiento internacional, fruto de su irreverencia; "tristemente" es bastante clara la evolución que ha sufrido, ganando una notable mejora técnica audiovisual pero también mostrando una versión de sí mismo más deslucida y menos provocativa, ¿dónde está el Miike bizarro, violentamente explícito y de un humor negro que rayaba lo grotesco y delirante?, atrás, con sus años mozos, porque el de ahora es un Miike más convencional...

... Suspiro, a pesar de eso sigo siendo su incondicional, ya no me emocionó con él pero recuerdo con una sonrisa mis años de preadolescente donde saboreaba con efusión cada película suya que cayera en mis manos.




Frases

Siempre he soñado con un mundo así

Dios, por favor devuélveme mi aburrida vida


Un filme muy propio del manga japonés, que agota sus recursos pero en general es agradable. Y bueno, si la ves y llegas al final, espero no la odies.

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martes, 18 de agosto de 2015

Red


Directores: Trygve Allister Diesen y Lucky McKee
Guionista: Stephen Susco, basado en una novela de Jack Ketchum
País: E.U.A.
Año: 2008
Duración: 98 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Drama / Perros

Sinopsis: El mejor amigo de un hombre es su perro Red. Cuando tres adolescentes lo matan sin razón, buscará justicia a toda costa.


Reparto / Personajes
Brian Cox es Avery Ludlow
Noel Fisher es Danny
Kyle Gallner es Harold
Shiloh Fernandez es Pete
Kim Dickens es Carrie
Richard Riehle es Sam
Tom Sizemore es Mr. McCormack


Y contra todo pronóstico, vaya, que a veces soy muy sensacionalista, Red no es una película de venganza a lo The Crow, no, no, y esta vez la sinopsis no miente, es tan cierta. Lo que sucede es que por instantes uno confunde la palabra justicia con venganza, justiciero con vengador, y esto con acción, con violencia… dado la relatividad de la justicia (libertad, igualdad y justicia son los principios operativos de toda sociedad “recta” y el meollo de la injusticia) no nos queda más expresarla a través de disposiciones legales que no siempre coinciden con nuestros preceptos morales y éticos, y es cuando fantaseamos con antihéroes y actos de venganza versados en la famosa ley del Talión: ojo por ojo, diente por diente. El deleite del desquite y el resarcimiento al que el cine nos tiene tan acostumbrados.


A los pocos minutos de dar inicio “Red” nos golpea contundentemente al hacernos testigos del cruel asesinato del viejo Red, el fiel compañero de Avery, a manos de un trío de jóvenes sádicos malcriados. Un hecho que sufrimos y no queremos otra cosa que el tomar las armas y de menos, volar un par piernas, y sin embargo, ante nuestra impotencia y la del protagonista, lo que tendremos sin caer en engorrosos procesos legales es la figura reducida de un hombre íntegro, incordiado por las circunstancias y vapuleado por la corrupción, que no demanda más que honestidad y justicia. Sin sangre, sin violencia, sin armas, sólo con la verdad. No es una conflagración y no hay dinero ni castigo que le devuelva la vida a Red, la satisfacción que exige Avery es algo de proporciones más éticas y morales… tristemente es un pesar que amenaza con no tener fin y morir en el silencio más estruendoso (de esos que todo mundo finge no escuchar).

Sin ser excesivamente dramática (aunque en ocasiones si peca de ello) Red muestra en un pequeño pueblo a una sociedad incapacitada para defender a quienes aún “creen en ella”, decadente, que se desangra a manos de la impunidad de los poderosos. 

Red no es la película de acción que quizá esperaras, y a diferencia de Brian Cox, tampoco brilla por la actuación de sus personajes o el diseño de estos, de hecho todos son retratados de la manera más vaga y trivial: los malos son malos muy malos y el bueno es un bueno muy bueno que toda la vida le han pasado cosas muy malas, y los demás son extras pasivos, por otro lado, se acerca mucho a la factura de un telefilm; sin embargo, a pesar de ello y de no contar con giros argumentales destacables logra mantener la atención, de transmitir algo de empatía y generar interés.

Codirigida con Allister Diesen (director noruego mucho menos conocido), Red es la segunda película de McKee que ha obtenido un premio en el Festival de Sitges, en esta ocasión el premio al Mejor Actor para Brian Cox, en el 2002 fue el de Mejor Actriz por Angela Bettis en May, y en el 2011 llegaría su tercero con The woman a Mejor Guion.

Mención aparte, es la tercera obra del escritor Jack Ketchum adaptada al cine, en orden son: The Lost (2006) de Sivertson (quien dirigiría con McKee All Cheerleaders Die), The Girl Next Door (2007) de Wilson, inspirada en el caso real de Sylvia Likens, Offspring (2009) de van den Houten, The Woman (2011), y los cortometrajes Mail Order y Olivia. Sólo no he visto The Lost, y a excepción de The Girl Next Door, todas me han parecido buenas películas.  Lo que pasó con The Girl Next Door que me fastidio es que venía de ver An American Crime (2007) de Tommy O'Haver, la de Wilson la considero una adaptación TERRIBLE y amarillista, la de Tommy más creíble, menos efectista y más sólida. ¡En fin! Con Red termino el visionado de todas las películas y cortos de McKee, quien sin ser algo así como uno de mis directores de cine favorito, para nada, me simpatiza. Este 2015 se espera su colaboración en un colectivo para la película de episodios Tales of Halloween, ya lo estaré viendo.


Frases

No tuvo sentido alguno, sólo crueldad.

Una civilización se puede juzgar por la forma en que trata a sus animales.




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domingo, 16 de agosto de 2015

Amen


Director: Kim Ki Duk
Guionista: Kim Ki Duk
País: Corea del Sur
Año: 2011
Duración: 70 min. aprox.
Trailer

Género: Drama

Sinopsis: Kim Ki-duk ha rodado íntegramente en Europa su nueva película. Su cámara sigue la extraña e inquietante odisea de una joven coreana que llega a París en busca de su amante.


Reparto / Personajes
Hye-na Kim es la chica
Kim Ki Duk es el enmascarado


Estrenada el mismo año que su reflexión autobiográfica Arirang. Amen luce como la invención tardía de un taciturno y casi vencido Kim Ki Duk. Una idea breve de ritmo parsimonioso que narra el deprimente viaje por Europa de una chica coreana en busca del inalcanzable encuentro con su enamorado Myung-soo, conformándose al no hallarlo con gritar su nombre en las principales plazas de Paris, Venecia y Aviñón, y tolerar las penurias del viaje, traducidas en el constante encuentro con un hombre enmascarado: su castigador (violador) y protector anónimo.

En Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera (2003), El arco (2005) y Dream (2008) el director se basa en principios budistas para referir temas universales como la fe, el crecimiento personal, el amor y la redención, no así en Samaritan girl (2004), en donde opta por un sincretismo de símbolos cristianos y orientales a través del mito budista de Vasumitra y la parábola del buen samaritano. En Amen pasa a incorporar símbolos cristianos (la escena en la catedral del último tercio y el paralelismo con La Inmaculada Concepción de María) mientras cuenta la historia de un amor moderno y disfuncional plegado de temor/aprensión y una falta de comunicación, símbolos que desgraciadamente por el grado de abstracción del guion no son enriquecedores. 

Al finalizar la película, si la decepción y/o el aburrimiento no han menguado lo suficiente nuestro estado de ánimo, observaremos esta metáfora acerca del amor como una buena idea, pero tristemente (a mi juicio, no sé el tuyo) mal desarrollada. Lejos de la forma en que suele contarnos las historias, mantiene un son narrativo experimental rodado en su totalidad con cámara en mano, resultando plano, redundante y vacío. Falto de emoción, de sordidez, de inquietud, inexpresivo como el rostro de la chica, que lo mismo da si ha sido violada, hurtada, traicionada o extrañamente amada.

Más que a su película número 17, sabe a capricho o al proyecto de graduación de algún fan suyo. A ratos posee cuadros no poéticos pero sí atractivos, y bellas postales turísticas (quizá impulsado por el deseo expresado en Arirang de viajar por Europa) pero eso no logran llenar el hueco que el guion ha dejado, y ni hablar del sonido ambiental. Tal vez como un cortometraje habría funcionado.

Pocas veces escribo esto: me parece, una película sólo para fieles de Kim Ki Duk y nadie más. Bastante lírica y diferente. 



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Si conoces un enlace para su descarga directa puedes dejarlo en un comentario.

sábado, 15 de agosto de 2015

Biología Molecular de la Célula 5ª Edición – Alberts


Bruce Alberts, Alexander Johnson, Julian Lewis, Martin Raff, Keith Roberts y Peter Walter. 
Biología Molecular de la Célula.
 5ª Edición
Barcelona, España
Ediciones Omega
2010
1711 páginas
(en el libro 1728, se descontaron las que están en blanco)


Fragmento del PREFACIO de la edición

En muchos aspectos entendemos mejor la estructura del universo que la de las células vivas. Los científicos pueden calcular la edad del sol y predecir cuándo dejará de brillar, pero no podemos explicar cómo es que un humano puede vivir 80 años pero un ratón sólo 2. Conocemos la secuencia completa del genoma de estas dos especies y de muchas otras, pero todavía no podemos predecir cómo se comportará una célula si muíamos un gen que no ha sido estudiado. Las estrellas pueden ser 1043 veces mayores, pero las células son más complejas, intrincadas estructuralmente y productos más asombrosos de las leyes de la física y la química. Gracias a la herencia de la selección natural, que actúa desde el inicio de la vida en la Tierra hasta nuestros días, es decir, durante un 20% de la edad del universo, las células vivas se han refinado de forma progresiva y extendido su maquinaria molecular y “recordado” los resultados de sus experimentos en las instrucciones genéticas que han ido pasando a su progenie.

En cada una de las ediciones de este libro, nos maravillamos de la nueva información que los biólogos celulares han conseguido únicamente en unos cuantos años. Pero estamos incluso más sorprendidos de la sofisticación de los mecanismos que han descubierto. Cuanto más buceamos en el interior de las células, más descubrimos lo que queda por entender. En los días de nuestra inocencia, trabajando sobre la primera edición, aclamamos la identificación de una única proteína -llamada receptor de señal- como un gran paso adelante. Ahora apreciamos que cada proteína generalmente es una parte de un complejo formado con muchas otras, las cuales trabajan juntas, forman un sistema que regula sus actividades […] pero sólo disponemos de información muy preliminares sobre la dinámica de estos sistemas bioquímicos, con todos sus circuitos de control interconectados. Así pues, a pesar de que disponemos de grandes cantidades de información, los biólogos celulares esperan aumentar sus conocimientos y conseguir grandes éxitos en el futuro. 

En esta edición hemos añadido material nuevo en muchos temas, desde la epigenética hasta las modificaciones de las histonas, los RNA pequeños, la genómica comparada, el ruido genético, la dinámica del citoesqueleto, el control del ciclo celular, la apoptosis, las células madre y nuevas terapias contra el cáncer. Como en ediciones anteriores, ante todo hemos intentado proporcionar a los lectores una trama conceptual sobre toda la información que en la actualidad tenemos de las células. Este objetivo implica ir más allá de simples listas de hechos. La intención es aprender cómo utilizar estos hechos para razones, predecir y controlar el comportamiento de las células vivas.


ÍNDICE

PARTE I. INTRODUCCIÓN A LA CÉLULA.
1. Células y genomas
2. Química celular y biosíntesis
3. Proteínas

PARTE II. MECANISMOS GENÉTICOS BÁSICOS.
4. DNA, cromosomas y genomas
5. Replicación, reparación y recombinación del DNA
6. Cómo leen las células el genoma, del DNA a la proteína
7. El control de la expresión genética

PARTE III. MÉTODOS.
8. Manipulación de proteínas, DNA y RNA
9. Observar las células

PARTE IV. ORGANIZACIÓN INTERNA DE LA CÉLULA.
10. Estructura de la membrana
11. Transporte de moléculas pequeñas a través de la membrana y las propiedades eléctricas de las membranas
12. Compartimientos intracelulares y clasificación de proteínas
13. Tráfico vesicular intracelular
14. Conversión energética, mitocondrias y cloroplastos
15. Mecanismos de comunicación celular
16. El citoesqueleto
17. El ciclo celular
18. Apoptosis

PARTE V. CÉLULAS EN SU CONTEXTO SOCIAL
19. Uniones celulares, adhesión celular y matriz extracelular
20. Cáncer
21. La reproducción sexual, meiosis, células germinales y fecundación
22. Desarrollo de los organismos pluricelulares
23. Los tejidos especializados, las células madre y la renovación tisular
24. Patógenos, infección e inmunidad innata
25. Sistemas de inmunidad adquirida

GLOSARIO
ÍNDICE ALFABÉTICO
TABLAS
EL CÓDIGO GENÉTICO
AMINOÁCIDOS

viernes, 14 de agosto de 2015

A Girl Walks Home Alone at Night


Una chica vuelve a casa sola de noche


Directora: Ana Lily Amirpour
Guionista: Ana Lily Amirpour
País: E.U.A. / Irán
Año: 2014
Duración: 100 min. aprox.
Trailer
Soundtrack

Género / Tópico: Thriller - Terror - Romance / Vampiros - Cine Independiente USA

Sinopsis: En la ciudad iraní de Bad City puede pasar cualquier cosa. En medio de un abanico de personajes marginales, un vampiro vaga en busca de sangre. Al western vampírico se le suma un romance teñido de sangre. A Girl Walks Home Alone at Night combina géneros y estilos: invoca el western, la fascinación propia de Lynch, el terror y las novelas gráficas.


Reparto / Personajes
Sheila Vand es la chica vampiro
Arash Marandi es Arash
Marshall Manesh es el padre de Arash
Mozhan Marnò es la prostituta
Dominic Rains es Saeed
Rome Shadanloo es Shaydah
Milad Eghbali es el niño
Entre otros


De narrativa parsimoniosa, dilatado con frialdad, marcada personalidad y una mesurada estética en blanco y negro, transcurre el relato cinematográfico de Ana Lily rodado en persa, un viaje a ninguna parte en la ficticia Bad City, atemporal, de nihilismo y exilio emocional. Un auténtico pueblo fantasma de paisajes industriales, casi, el Detroit de Adam, castigado por una mujer vampiro quien a paso lento o en patina y con su hiyab agitado por el aire cual alas de un murciélago escudriña las calles en busca de su próxima víctima, un cuerpo más para la fosa. Pero esto no es una historia de terror a la vieja usanza sino una de romance gótico extraída del limbo. Donde los personajes discurren errantes, abyectos en su pequeño infierno personal, un niño travieso, una prostituta, un vagabundo, un gato, la hija de algún millonario y un gánster, todos ellos engranes en función del encuentro de una chica vampiro con Arash, un joven soñador anclado a Bad City por su padre heroinómano. La posibilidad de un idilio juvenil, la esperanza de partir en un automóvil clásico hacia mejores noches lejos de Bad City.

Debut de Amirpour, iraní nacida en Inglaterra y residente en E.U.A., A Girl Walks Home Alone at Night es una idea que había trabajado bajo el mismo título en 2011 como un cortometraje, finalmente llevada a largometraje en 2014 y estrenada paralelamente a la publicación de un comic. Thriller surrealista en veces “espeluznante” –ojo, comillas– y en otras, cargado de dulzura, de múltiples influencias no sólo adoptadas de la desmitificación del vampiro, también de un complejo cultural que remite al icono juvenil de los 50’s James Dean, el género negro de las novelas gráficas de Frank Miller, a la vida de Marjane Satrapi en Persépolis, al western occidental, el Nouvelle Vague francés de Godard/Anna Karina, la reciente versión vampírica de Jarmusch en Only Lovers Left Alive, entre otros.

Un filme que en el exotismo de su origen irani (tendiente al drama socio-político) ha generado conceptos como el de “el primer western vampírico iraní”  y ante una imagen lejos del arquetipo femenino de ese país: "feminista". Para Amirpour, en palabras de ella: es sólo una historia de vampiros con una banda sonora increíble, y cuánta verdad hay en ello, pues si tenemos una visión más tajante no encontraremos en esta película una gran historia de amor, mucho menos una concepción propia del mito, ni si quiera una descripción enigmática de los personajes (pueden resultar planos y sin alma) o la agudeza en sus diálogos, pero sí un cuento tremendamente sugerente e ilusorio, de una factura técnica increíble (cada cuadro es emblemático y poético), la banda sonora es fascinante y aunque se tache la poca profundización en sus personajes, estos terminan siendo hipnóticos. Es un producto definido por su acabado artístico presto a llenar cualquier vacío.

Ganadora en el 2014  del Premio Citizen Kane, al Mejor Director Novel en Sitges, y en otros festivales como el Deauville Film Festival y los Gotham Awards. Se espera en el 2015 su segundo largometraje, un thriller romántico de horror titulado The Bad Batch, que contará la historia de un caníbal enamorado en el inhóspito Texas. 

A Girl Walks Home Alone at Night, una historia visual y auditivamente estimulante que si abordas sin prejuicios narrativos muy probablemente logre imprimir una marca en tu selecto repertorio de películas de vampiros. 

Dos escenas que en lo particular me agradaron mucho: el primer encuentro cuando Arash deambulaba vestido de Drácula, y el momento de los aretes.



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martes, 11 de agosto de 2015

The Tribe


Plemya
La Tribu

Director: Miroslav Slaboshpitsky
Guionista: Miroslav Slaboshpitsky
País: Ucrania
Año: 2014
Duración: 130 min. aprox.

Género / Tópico: Drama / Adolescencia - Discapacidad - Crimen - Prostitución 

Sinopsis: Un adolescente sordomudo ingresa en un internado especial donde, para sobrevivir, tiene que formar parte de una organización salvaje, "la tribu", dedicada a todo tipo de actos delictivos. Su amor por una de las chicas del líder lo llevará a desafiar las reglas no escritas en la jerarquía de la banda. Una película que no precisa de doblaje ni subtítulos, donde toda la comunicación es mediante el lenguaje de signos. Porque el amor y el odio no necesitan traducción.


Reparto / Personajes
Grigoriy Fesenko es el protagonista
Yana Novikova es la chica rubia
Rosa Babiy es la chica morena
Alexander Dsiadevich es el jefe de la pandilla
Entre otros


El final de los años 20 no sólo está marcado por el advenimiento de La Gran Depresión sino por la revolución del cine –el opio del pueblo en ese entonces–, y aunque en sus inicios la incorporación sonora restaba expresividad, pronto se aprovechó la capacidad comunicativa de los diálogos permitiendo en el espectador mayor comprensión, afinidad e interés, traduciendo esto a: el declive del cine mudo. Cerca del 95% de las casi tres mil películas mudas que se han producido fue en los albores del cine, remitiendo el cine mudo hoy en día a una excentricidad y un recurso poco empleado: en la actualidad si aparecen una o dos películas al año ya es demasiado. 

Por supuesto que son concepciones diferentes, no estoy igualando una película muda con una sin diálogos, lo importante aquí es la integración del silencio como un elemento del lenguaje cinematográfico. De este modo no sólo tenemos filmes como The artist (2011) de Hazanavicius y Blancanieves (2012) de Berger, también Red White & Blue (2010) de Rumley, Moebius (2013) de Kim Ki Duk o el cine experimental de Jan Svankmajer, por citar ejemplos. Donde no sólo es el silencio sino su forma, ello un aspecto fundamental en la opera prima de Slaboshpitsky y seguramente el factor por el cual se le otorgó el premio a la Mejor Película en la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes por La Tribu. Un filme de suma pulcritud y habilidad cinematográfica, en donde el silencio impera y por medio de largos planos secuencias transmite el orden y la efusividad del entorno natural de una juventud sordomuda ucraniana. Una tribu que presenciamos sin subtítulos y una manifiesta incomprensión, entonces, habremos de observar y discernir pues no sólo se escucha con los oídos.

En todo caso es una historia fácil de entender explicada a grandes rasgos en la sinopsis. En un internado como cualquier otro: los chicos tienen dormitorios, asisten a clases y usan uniforme, es común existan grupos de identidad formando una micro-sociedad con sus propias reglas más allá a las del internado. En este escenario inmerso en el contexto de La crisis de Crimea del 2014 –a juzgar por una clase a la que los chicos asisten–, lejos de la condescendencia que suele haber hacia los discapacitados y alentados por los fetiches del “éxito”; al termino de sus tareas académicas se reúnen en núcleos delictivos dedicados al robo, la extorsión y el proxenetismo, no sin la ayuda de su profesor de carpintería. Nuestro protagonista tras su pasaje de iniciación comenzará a cumplir fríamente sus funciones como buen elemento de la tribu, sin embargo, enamorado (para mí es obsesionado) de una de sus compañeras prostitutas perderá la cabeza al subir de jerarquía: ahora él es su proxeneta. El inicio de una relación desesperada y fuera de lugar en un clan unido sólo por la conveniencia que una agrupación representa y que usa la violencia como el método más eficaz para alcanzar sus objetivos. 

Miroslav, quien ya había tratado el tema de la discapacidad auditiva en su cortometraje Glukhota del 2010 nos adentra de una manera parsimoniosa en un espiral de violencia que amenaza con estrangularse a sí mismo. Es el desprendimiento de la cordura en pos de una obsesión. Abarcando a distancia, siempre las tomas son bastante abiertas y convergen muy bien con los puntos ciegos, pasajes oscuros como el aborto desgarrando con una dolorosa sonoridad nuestros oídos, o el hosco homicidio; aunque predecibles, efectivos.

Un filme interesante y seguramente único (cualquier otro sería una imitación). Un ejemplo de que a veces “el cómo” pesa más que “el qué”, si está película tuviese diálogos podría ser insulsa, aburrida y ligeramente insoportable. 

Punto y aparte es hablar de los actores, sordomudos en la vida real y con una carrera actoral poco desarrollada. Como dato contar que su lenguaje de señas es ucraniano, se estima sólo el 70% de los signos es símil al empleado a otros países. Por otro lado, no olvidemos Ucrania es el país Europeo con el mayor índice de SIDA, y a pesar de que la prostitución sea “ilegal” visto por muchos como un gran burdel, parte del tema que seguro Miroslav quiso abarcar en esta película que como muchas otras versa sobre pandillas de adolescentes, sus ritos y violentos códigos de ética... No obstante luce originalidad.



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viernes, 7 de agosto de 2015

The ABCs of Death 2


Directores: Varios
Guionistas: Varios
País: E.U.A. / Varios
Año: 2014
Duración: 124 min. aprox.

Género / Tópico: Terror - Fantástico / Cortometrajes

SinopsisSecuela de la antología de cortometrajes de terror realizados por 26 directores diferentes. Es bien sabido que la letra con sangre entra. Las 26 letras del abecedario son emparejadas de nuevo con los nombres más punteros del fantástico internacional, desde veteranos como Bill Plympton y Vincenzo Natali hasta promesas como las hermanas Soska. Esto da lugar a una serie de cápsulas sanguinarias con un elemento en común: la muerte.



El ABC de la Muerte tiene por iniciativa ofrecer una apología a prácticamente la única constante del cine de terror, ya sea éste fantástico, dramático, de suspenso o cómico: la muerte. En el 2012 en el Festival de Cine de Toronto se estrena The ABC of death, producida por Ant Timpson y Tim League, a través de Drafthouse Films. Para algunos más allá del resultado final, como antología, es un interesante planteamiento, para otros una censurable y tortuosa propuesta, no sólo irregular, sino aburrida y de mal gusto. Opiniones encontradas, lo cierto es que el público al que va dirigido el ABC de la muerte es bastante claro: fanáticos y degustadores del terror en todas sus formas, si no eres de estos, NO es recomendables te acerques a ella. Para quienes lo somos… es como un mal viaje que no podemos evitar realizar.

¿Qué hace tan atractivo al ABC de la Muerte? El concepto y la envoltura del proyecto, hablamos de 26 cortometrajes realizados por 26 directores y guionistas –unos más, otros menos– propios del género del terror, a quienes ofreciendo total libertad creativa se les ha otorgado de forma aleatoria una de las 26 letras del alfabeto, la cual debe ligarse a una palabra y ésta a la muerte. Un proyecto que presagia un festín de sangre y horror, de suspenso y risas, al contemplar el abanico de posibilidades, de nombres y la diversidad cultural y variabilidad de estilos que conlleva. ¡SIN EMBARGO! Será que están sujetos a un presupuesto ínfimo de 5 mil dólares (suena a pretexto) o bien, la falta de compromiso y su despreocupación por defraudarnos, que pudiendo lograr una expresión más de su talento sólo se dedican a “cumplir con la entrega” (no todos pero si la mayoría), derivando en insulsos cortometrajes que no sólo fustigan el optimismo del espectador sino que amenazan con malograr aquellos y contados cortos que sí consiguen transmitir el objetivo.

Pero aquí estamos, decepcionados y agotados. Morbosos, impacientes por ver el corto de aquel director que nos gustó en X película. Si hay un ABC de la muerte parte 3 ojalá exista una supervisión, tal vez algún sistema de curaduría (y vaya que odio esa palabra) aunque signifique ofender a alguno de los directores. Porque… sería lindo ver brillar este proyecto, bonito, ambicioso y arriesgado… tan solo presentar 26 segmentos juntos lo es, ahora sumado al hilo conductor: alfabeto y muerte, más, éste se estira tanto que parece reventar en cualquier momento, y, no olvidemos la incapacidad de disfrutar cada entrega de forma independiente y la obligación del espectador por resetearse cada 5 minutos. Es… difícil.

Cabe mencionar y desconozco la razón, esta segunda parte tuvo bajas. Dos de los más esperados eran Sion Sono (Suicide club, Why don't you play in hell?) y Alex de la Iglesia (El día de la bestia, Balada triste de trompeta), al final no se contó con ellos, otro fue Marcus Dunstan (The collector). Así mismo en cuanto a duración ahora hay homogeneidad (eso es muy bueno).

¡En fin! Todo es una cuestión de gustos, he escuchado para una persona su peor corto es el mejor para otra… yo sólo comentaré un poco de cada uno, de su director y destacaré los que a mí me agradaron más. 

Empecemos:


A is for Amateur. Dirigido por E. L. Katz.

Ideal apertura, humorística y absurda, sin caer en los excesos. La historia de un asesino a sueldo con mucha confianza en sí, aunque no muy calificado para su próximo golpe: el asesinato del líder de una banda de narcotraficantes. 
Entrega ligera y aceptable por parte Katz, cineasta que debutaba en el 2013 con Cheap Thrills, una retorcida comedia negra del cine independiente. 


B is for Badger. Dirigido por Julian Barratt.

Falso documental sobre la desaparición de los tejones a causa de un complejo nuclear. Lo que no saben ni el reportero ni su equipo de grabación es que estos animales no están realmente desaparecidos.
Simplón y sin mucha gracia pasa el segmento de Barratt, un actor y escritor de comedias, mejor conocido por su papel como Howard Moon en la Serie cómica The Mighty Boosh.


C is for Capital Punishment. Dirigido por Julian Gilbey.

John (Jack) Ketch es un verdugo recordado en el folclor inglés por su sadismo. Gilbey (director del thriller de supervivencia A Lonely Place to Die) se inspira en una anécdota donde Ketch, en contra de lo esperado: un golpe limpio, asesto 7 hachazos para decapitar a un hombre. Salvo en esta parte nada tiene que ver el segmento de Gilbey, ambientado en un pueblo costumbrista sigue los pasos de un grupo de personas decididas a tomar justicia por su mano. 
Con ironía, humor negro y poca originalidad pasa la letra C.


D is for Deloused. Dirigido por Robert Morgan.

¡Vaya! Aquí es donde sonrío después de tener una expresión muy seria al momento. Morgan es uno de los nombres del menú del ABC que más deseaba ver y no me ha defraudado. Inspirado –usual en él– en el recuerdo de una de las pesadillas que de pequeño le aterrorizaban durante sus episodios febriles, presenta una historia de codicia –la muerte es codiciosa– y venganza, cuando un hombre ejecutado acepta la propuesta de una demoniaca entidad. 
Perturbadora animación en stopmotion, muy apegada a su estilo surrealista de terror fantástico. Otros cortometrajes recomendables de Morgan son The Cat with Hands (2001) y Bobby Yeah (2011).


E is for Equilibrium. Dirigido por Alejandro Brugués. 

Deslucida entrega del cubano Alejandro, director de la efectiva comedia de zombis Juan de los muertos. En esta ocasión nos trae lo que fácil podría ser el comercial publicitario de una marca de refresco, cuando la amistad de dos náufragos en el caribe es puesta a prueba con la llegada de una hermosa chica. Realmente esperaba un humor más creativo y desvergonzado. Con indiferencia pasa la E.


F is for Falling. Dirigido por Aharon Keshales y Navot Papushado.

Rodado en hebrero, los cineastas israelís conociendo la tendencia del ABC de la Muerte, prefieren evadir el humor y el alborozo sangriento de sus compañeros, enfocando su genio a una cuestión más sociopolítica, como lo es la tensión entre palestinos e israelís. 
Habiendo visto Big bad wolves y Rabies, esperaba mucho más del trabajo de este par de directores, génesis del thriller de terror israelí. Por desgracia creo hay malas decisiones que entorpecen el dramatismo del corto, como la música y propiamente el suceso con el rifle, haciendo de una muerte trágica un evento chusco. Fallido.


G is for Grandad. Dirigido por Jim Hosking.

Hosking, autor del corto más repugnante para muchos (delicados que son), es un cortometrista casi desconocido que en el 2016 debutará con el largometraje The Greasy Strangler.
G is for Grandad apuesta por una imagen repulsiva para ganarse nuestro gusto/disgusto, importándole poco ofrecer algo creativo. Lo que es claro, es que seguramente se divirtió rodándolo (además no es ni tan repulsivo). Va sobre un anciano quien ha perdido la paciencia para con su grosero nieto, a quien alberga desde hace tiempo. Sin gracia pero con un ligero arqueo de cejas pasa la G.


H is for Head Games. Dirigido por Bill Plympton.

Animación al puro estilo Plympton. Un corto del que se esperaba mucho y ofrece poco. Me parece de sus trabajos más simples y vanos. Decepcionante, más aún si pienso en que cualquier otro de sus cortos (con la misma duración y hasta menor) son mejores e incluyen una muerte. Éste, un beso que derivará en una batalla. Animación meramente contemplativa que nada nos cuenta.


I is for Invincible. Dirigido por Erik Matti.

Del director Filipino de Tiktik: the aswang chronicles y On the Job. Unos nietos esperan y se esfuerzan por la muerte de su abuela para ser heredados. Excesivo busca ganar nuestra simpatía deleitándose en secuencias humorísticas de violencia. Pobremente argumentativo como la mayoría de los cortos de esta antología. No he visto Tiktik pero si On the Job y esperaba un poquito más de seriedad. 


J is for Jesus. Dirigido por Dennison Ramalho.

Crítica al horror que la iglesia, de manera irracional y prejuiciosa ha sembrado en sus fieles. Cuando un hombre al descubrir la homosexualidad de su hijo decide secuestrarlo y exorcizar aquel demonio que ha trastornado la mente de su hijo, degradándolo a un sodomita.
Cruento y bestial, dentro de la carrera de Dennison una obra menor pero como parte del ABC de la muerte, uno de los mejores y más audaces cortos, a pesar de lucir bastante depurado. Típico en Dennison, la blasfemia y brutalidad. Sugiero encarecidamente su cortometraje Ninjas.


K is for Knell. Dirigido por Kristina Buozyte y Bruno Samper.

Es insondable el secreto cósmico que se cierne sobre la nadería humana, tema recurrente en la ciencia ficción donde el paso de un meteorito o la presencia de una entidad o transmisión de naturaleza extraterrestre es capaz de desestabilizar el mundo, transformando a sus habitantes y arrojándolos a toda clase de impulsos. Los lituanos Buozyte y Samper conocidos por el neurológico filme de ciencia ficción Vanishing Waves se nutren de esta premisa para la realización de su segmento. El resultado posee calidad pero es ambiguo, incapaz de generar realmente una historia, más propio del trailer de una película que a un corto en sí.


L is for Legacy. Dirigido por Lancelot Oduwa Imasuen.

El peor segmento. No sé qué pensaba el nigeriano Lancelot, bien podía recrear cualquier mito del folclor africano, recurrir a su al cine de acción altamente influenciado en las películas de pandillas occidentales, o hasta en su risible encanto con Van Damme… ¡pero no! Tenía que realizar el corto más cutre de todos, para hacer de un sacrificio ritual la masacre de una tribu a manos de una irrisoria criatura.


M is for Masticate. Dirigido por Robert Boocheck.

Tanto en la parte 1 como en la 2 del ABC de la Muerte hay una convocatoria abierta al público en general, se anuncia la letra y los cortometrajes son enviados. M is for Masticate fue el ganador. Una carrera en cámara lenta de un gordo caníbal en calzones. Sin ser brillante, es simpático cuando nos enteramos del porqué de sus instintos.
Una buena oportunidad para Boocheck  y su colectivo Tomorrow’s Brightest Minds, diseñadores publicitarios que ya aspiran a la financiación y realización de largometrajes propios.


N is for Nexus. Dirigido por Larry Fessenden.

Larry, quien tuvo su mejor versión con Habit, película de vampiros de 1996, basa su cortometraje en el “nexo” que tienen algunas personas para verse involucradas en el mismo accidente. Un inesperado día de Halloween para nuestros personajes.
Ah… predecible una vez puesto en marcha, pero con un comienzo atractivo y el plus de Aurelio Voltaire, es… realmente un cameo, pero pone de buenas verlo.


O is for Ochlocracy. Dirigido por Hajime Ohata.

Por el cargo de asesinato una mujer es condenada a muerte en un tribunal zombi.
Pese a que la idea comienza a resultar gastada (zombis regresando a la “normalidad” mediante el uso de fármacos) no está mal. Aceptable entrega de Hajime, Por el recuerdo de su mediometraje de Serie B de monstruos mutantes Henge esperaba algo peor. Además de que, enriquece nuestro vocabulario: a que no sabías que existía la palabra “oclocracia”.


P is for P-P-P-P SCARY! Dirigido por Todd Rohal.

Chocante e insípido homenaje al Slapstick de los años 40, protagonizado por tres presidiarios prófugos en medio de la oscuridad que nos recuerdan a Los Tres Chiflados de 1930. Patético y anticuado, no sé podía esperar otra cosa de Rohal.


Q is for Questionnaire. Dirigido por Rodney Ascher.

Aceptable entrega de Ascher, conocido por su documental Habitación 237 en donde aborda desde perspectivas varias El Resplandor de Stanley Kubrick. Aquí, con humor cuenta las consecuencias que puede traer el responder satisfactoriamente un inofensivo test en la calle.


R is for Roulette. Dirigido por Marvin Kren.

Una de las mejores propuestas de la antología. Concisa, hasta cierto punto predecible pero bien desarrollada, el momento en que dos hombres y una mujer juegan a la ruleta rusa en un sótano. 
Sin presunciones ni sorpresas el director del filme zombi alemán, Rammbock: Berlin Undead, es capaz de despertar la expectación que segmentos predecesores nos habían estropeado.


S is for Split. Dirigido por Juan Martinez Moreno.

Lejos de la comedia de terror que le benefició en Lobos de Arga, Martínez recurre al Thriller. Con un buen uso de la multicámara, obtiene un segmento de intriga y violencia en donde las cosas son más de lo que parece cuando un asesino ingresa al domicilio de una mujer mientras su marido en Francia es consciente del allanamiento en toda su dimensión. Muy bueno.


T is for Torture Porn. Dirigido por Jen and Sylvia Soska.

Una obra menor de las hermanas Soska, quienes tuvieron su mejor exponente en American Mary, y ese mismo 2014 estrenaron el slasher See No Evil 2. 
Sobra hablar de insustancialidad, cuántas cosas no lo son en esta antología, el problema del segmento me parece se debe a que es muy apresurado. Se pierde el potencial gamberro de las hermanas Soska, y lo que pudo ser un enfermizo y grotesco casting porno hardcore no fue otra cosa sino una muestra de lo más cutre de su fascinación por los tentáculos.


U is for Utopia. Dirigido por Vincenzo Natali.

Otro de los que deseaba tanto ver. Con suma elegancia la exhibición de una sociedad perfecta que condena a los subnormales (físicamente) con la muerte. Contraste notable entre la fotografía y la mala calidad del CGI.
Al igual que Knell una idea “interesante” que como cortometraje no funciona. Hubiese preferido un tributo a Cube, la ciencia ficción biológica de Splice, lo sobrenatural de Haunter o un concepto como el de Darknet, a está sofisticación futurista. La letra U pasa con indiferencia.


V is for Vacation. Dirigido por Jerome Sable.

Atractivo corto del director de la comedia musical de terror slasher Stage Fright. Un found-footage que usa como medio la videollamada de una chica a su novio para mostrarnos lo salvaje que pueden ser las vacaciones cuando un par de amigos agregan a su diversión alcohol, drogas y prostitutas. Jerome, de quien esperaba un musical refresca con algo totalmente diferente. Buena entrega de su parte.


W is for Wish. Dirigido por Steven Kostanski.

¡Cuidado con lo que deseas! Desde el universo Manborg, Kostanski se divierte produciendo un corto delirante que se regodea en la pobreza de sus recursos y en lo retorcido de su discurso con humor hasta cierto punto sucio y depravado (totalmente evidenciado en su final), cuando dos niños desean ser parte de una de las aventuras de sus figuras de acción. Por otra parte, W is for Wish cuenta con el cameo de las hermanas Soska.
Kostanski es parte del colectivo (y productora) canadiense Astron-6. Compañía decida en hacer suyo de la mejor manera el cine de Serie B o Z…: o sea, grotesca e incorrectamente moral. Un filme de esta ralea que recomiendo es Father's Day


X is for Xylophone. Dirigido por Julien Maury and Alexandre Bustillo.

Esperaba mucho de los realizadores de À l'intérieur, Livide y Aux yeux des vivants. No obstante a su sabido gusto por el gore y la inclusión de su mítica actriz Béatrice Dalle… el resultado es bastante apático. Cuenta con una escena un poquito atroz que pudo haber sido muy atroz, pero la falta de sugestión la enfrío por completo. Muy desaprovechada.


Y is for Youth. Dirigido por Soichi Umezawa.

Una oportunidad más que brinda el ABC de la muerte a quienes no son directores. Umezawa más habituado a trabajar en el departamento de maquillaje y efectos especiales dirige un corto acerca de una adolescente, fastidiada del abuso por parte de sus padres imagina mil formas de vengarse de ellos. 
Humm… la verdad no sé que escribir. Me ha dejado bastante indiferente. Es una desgracia porque creo que los directores japoneses de terror tienen ideas sumamente alucinantes que mostrar, y eso no se ha visto en el ABC.


Z is for Zygote. Dirigido por Chris Nash. 

Otra oportunidad y muy bien aprovechada por Nash, quien había concursado en la primera antología con T Is for Thread, perdió en aquel entonces ante Lee Hardcastle, sin embargo, se hizo de un lugar en esta segunda parte. 
Un tanto… curioso que los mejores resultados llegan a venir de los menos experimentados y de quienes no se exigía nada. Z is for Zygote es por mucho el mejor cortometraje del ABC, inquietante, perturbador, ligeramente surrealista, de estupenda factura técnica (considerando su presupuesto) y el único que realmente propone una historia con pies y cabeza, nada de elegir la vía fácil y hacer de la muerte el tema principal (de hecho es a lo que estos cortos nos han acostumbrado, sentarnos y esperar como muere el personaje). Vamos, que el hecho de ser un cortometraje en lo absoluto es un impedimento para entregar formalmente una historia.
Z is for Zygote es una macabra alegoría de la fecundación con una doble lectura moral y humor negro. Escribo algo más y te arruino el argumento.



España, E.U.A, Filipinas, Francia, Lituania, Japón, Canadá, Israel, Brasil, Cuba, Nigeria e Inglaterra. Todo un repertorio de nacionalidades en este catálogo de directores. Imposible me es decir cuál es peor o mejor, según se vea… si la primera antología o está.

Mi sugerencia, si te va el formato y está onda de los 26 directores, adelante. Sólo tal vez no te quieras torturar y decides verlos en un par de sesiones al menos. 

Mi favorito: Z
Segundo puesto: D
Otros que valen la pena: J, K, R, S, V, W… y más que nada por el mérito de ser un inicio decente: A.
Los peores: L y P

Recién me doy cuenta… en ambas antologías he terminado rescatando 8 cortos de los 26... 


Si quieres checar la entrada de la primera parte click acá.

Si quieres descargar esta segunda parte puedes hacerlo desde este torrent.
Con menor calidad y por separado seguro encuentras algunos en vimeo o en youtube.