miércoles, 13 de diciembre de 2017

Mayhem


Director: Joe Lynch
Guionista: Matias Caruso
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 86 min. aprox.
Trailer

Género: Acción

Sinopsis: Un virus que impide controlar los impulsos es detectado en un bufete de abogados que acaba de librar de un cargo de asesinato a un infectado. Con el edificio en cuarentena, se desata un verdadero infierno en el interior. Mientras, un empleado que acaba de ser despedido y una clienta furiosa deberán luchar para llegar a la planta de ejecutivos, en un desesperado ascenso a contrarreloj.


Reparto / Personajes

Steven Yeun es Derek Cho
Samara Weaving es Melanie Cross
Steven Brand es John Towers
Caroline Chikezie es Kara
Mark Frost es Ewan
Scott Alexander Young es Frank
Kerry Fox es Irene Smythe
Entre otros

NOTA: 6.7 / 10


Mayhem es la última película de Joe Lynch; un fanático del heavy metal - black metal y el cine de serie Z (Troma Entertainment) que debutaría en el 2007 con la segunda entrega de Wrong Turn (¿quién diría que se convertiría en una saga de 6 películas de mutantes caníbales?) y mantendría su estilo en sus siguientes incursiones, ese “gamberrismo norteamericano” que a veces puede parecerte más soso y moralista que desafiante. Es el caso de Mayhem… ¿Conoces el comic Crossed de Garth Ennis? Es el mismo concepto pero minimizado al 99% (por supuesto, llevar algo como Crossed al cine sería una bestialidad), y conducido más que en aras del horror más nauseabundo y brutal, a la comedia en pos de una ligera crítica corporativista. Porque Mayhem es violenta, pero nunca deja de ser una inofensiva e inocente comedia. Me agradan sus intenciones, muy básicas. Menos oscura que la coreana Office (2015) de Hong Won-Chan (está en Netflix México) y menos pretenciosa que The Belko Experiment (2016) (no me malentiendas, está entretenida pero se toma muy en serio a sí misma) con la que guarda un mayor parecido. Finalmente, un híbrido entre, humm… The Purge (2013) de James DeMonaco y Office Space (1999) de Mike Judge.

Hoy en día el trabajo constituye socialmente la actividad más importante de nuestra vida ¿a qué te dedicas?, queramos o no; tanto por el tiempo que uno invierte en dichas actividades como por el hecho de que es parte de nuestra identidad, ¿qué eres? Independiente a que seas o no una rata esclava del consumismo (checa el cortometraje de Steve Cutts, Happiness) el trabajo no sólo es odioso (trabajas en algo que odias para comprar algo que no necesitas VS trabajas en algo que odias porque lo necesitas), no, también es apasionante (te sientes realizado) y adictivo, tan adictivo que sin darte cuenta terminas sumando números a los casos de karōshi, con un repentino derrame cerebral o un ataque cardíaco. ¡Pues bien! Steven Yeun (así es, Glenn en The Walking Dead) protagoniza está encarnizada lucha por llegar a la cima corporativa, no en busca de un ascenso, quizá, sino de la justicia laboral a la cual tiene derecho, dado que es un empleado modelo y literalmente su sudor, sangre y lágrimas le ha costado.

En sus primeros minutos Lynch establece la premisa de su película de acción de bajo presupuesto (la fotografía es uno de los aspectos que más sale perdiendo) para explicarnos qué es el virus Idiosa Dartellum 7, mejor conocido como ID-7: una vez infectado, los niveles de estrés incrementan la producción de cortisol a nivel cerebral, inhibiendo la razón ante la emoción, ¿qué evita que le revientes la cara a golpes al sujeto que está contigo en la fila o que si así lo desees forniques en vía pública? Exacto: la razón. En algún momento el virus –altamente contagioso– representó una amenaza mundial, hoy en día está controlado por el CDC (Centro para el Control y la Prevención de Enfermedades de los Estados Unidos) a base de cuarentenas, y por otro lado, la firma de abogados Towers & Smyth Consulting (TSC), a la que pertenece el coreano Derek Cho, ha establecido que todo infectado se encuentra absuelto legalmente de los crímenes realizados durante el secuestro emocional ocasionado por el ID7. Ahora, ¿qué sucedería si el ID7 se propaga en un edificio donde el estrés y la competitividad son el pan de cada día?

Similar a un videojuego –muy en uso últimamente– la narrativa de Mayhem lleva  al recién despedido injustamente, Derek, acompañado de una clienta insatisfecha, Melanie, a emprender una carrera a contrarreloj (los crímenes sucedidos bajo el efecto el ID7 sólo son permisibles durante las horas de cuarenta) para llegar al último piso del edificio y enfrentar a la mesa directiva. Armados con todo tipo de artilugios de almacén (tijeras, clavos, sierras, destornilladores…) avanzaran alegremente dentro del caos empresarial. 

Una película entretenida y ligera que nos da lo que nos vende. Sin trucos ni envoltorios extras. Algo que se aplaude y motivo por el cual podemos omitir sin problemas algunas de sus carencias. Como cierta pobreza en el uso de la cámara, algo más de versatilidad habría aportado un mayor dinamismo, y la actuación; afortunadamente es algo a lo que podemos restarle importancia debido a la propia naturaleza de sus personajes, una caricaturización de los estereotipos empresariales, no obstante, cabe mencionar que Steven Yeun no logra que observemos a su personaje como el antihéroe que quisiéramos, por su parte Samara Weaving como Melanie me parece encantadora, lástima que quede reducida meramente a un personaje de apoyo. 

Creo que Mayhem es la mejor película de Lynch al momento (tampoco es que su filmografía sea extraordinaria). Premiada en el Festival de cine de horror de Brooklyn y el festival de cine de Chattanooga. Por cierto, sí, sale Glenn de TWD, pero ¿reconociste también a Dallas Roberts quien hizo de Milton, el consejero de El Gobernador en la temporada 3?



La puedes usas los siguientes enlaces para su Descarga Directa en Mega, Torrent o Ver online en pelispedia y gnula.


domingo, 10 de diciembre de 2017

L'amant Double


Director: François Ozon
Guionista: François Ozon y Philippe Piazzo (una novela de J.C. Oates)
País: Francia
Año: 2017
Duración: 107 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Romance / Drama psicológico

Sinopsis: Chloé es una joven frágil que se enamora de su psicoterapeuta, Paul. Unos meses más tarde, cuando se van a vivir juntos, ella descubre que su amante le ha ocultado una parte de su identidad, con la que Chloé se obsesionará.


Reparto / Personajes

Marine Vacth es Chloé Fortin
Jérémie Renier es Paul Meyer y Louis Delord
Entre otros


NOTA: 7.8 / 10


El propio ser es algo que a uno mismo se le oculta. De todos los tesoros ocultos, el de sí mismo es el último en ser desenterrado.
Nietzsche


La verdad es que he iniciado esta reseña más de una vez, no me decía a cómo hacerlo. Con qué frase… y ya está. Qué mejor que Nietzsche ante la innegable presencia de su filosofía en el psicoanálisis de Freud. Puesto que el perverso Amante Doble al que nos enfrentamos no sólo replantea el drama psicológico expuesto por Cronenberg en Dead Ringers (1988) –déjame decirte que hay un parecido tremendo–, sino que envuelve oscura-eróticamente el concepto del doppelgänger en la teoría sobre la constitución del sujeto y el objeto de Freud. El objeto como deseo, amor y pulsión. El objeto esencialmente perdido e imposible, porque en ello versa su realidad.

François Ozon es todo un caso, y aunque no he visto todas sus películas me atrevo a pensar que puedes elegir cualquiera a ciegas y enamorarte de su unicidad –aquella por la que claman los protagonistas del Amante Doble–, belleza estética y lectura bidireccional. Más próxima a los placeres oscuros de sus “primeros filmes”: Les amants criminels (1999) y Swimming pool (2003), que a la delicada sensibilidad de su para muchos mejor película –diría yo la más popular– Frantz (2016); L'amant doublé resulta un thriller psicológico/erótico deliciosamente retorcido… Basado en la novela corta de J.C. Oates, Vidas gemelas, intentaremos vislumbrar la psique Chloé, como si nos zambulléramos en sus húmedos y convulsos matices uterinos. Una propuesta elegante sobre la anticuada sexualidad freudiana plegada de represión y rauda de delirios febriles, complacidos sólo por la dualidad, y su cosificación a través de su femenina dominación fálica. La necesidad de lo imaginario para mantener la realidad. ¿Acaso es imposible una relación plena, sin la necesidad de escapar hacia nuestro santuario mental para expresar con total libertad las fantasías que gritan: ¡cúmplenos, gózanos!? Al menos para Chloé lo es, he ahí el objeto del deseo y la importancia de la imposibilidad.

Ozon nos relata la historia de Chloé quien sufre de dolores en el vientre presuntamente de origen psicológico. ¡Cuán cerca de la verdad estaba! Para ilustrar aquellos caracteres freudianos y la ominosa existencia del “otro”, del “doble”, lo unheimlich; por conducto de la amorosa relación de sumisión-dominación de Chloé y su pasivo-agresivo amante. Un amor cosificado y transmutado en obsesión. en pos de la verdad, execrable curiosidad. Chloé se internará en el oscuro pasado de su amante, descubriendo ahí, en ése rincón de iniquidad, la plenitud de sus deseos.

Una filme que a ratos evoca con cierta nostalgia el suspenso psicológico Hitchcock, a su vez, armado de la perspectiva tan propia del cine de Brian De Palma, para acercarnos y distorsionar la realidad flotante de Chloé y la relación con su psicoanalista. Me encanta como el uso de espejos juega con la estática del decorado, dotándole de un movimiento y dimensión inexistente por medio de la simetría de sus vértices. Por su parte, la fotografía contribuye a brindarnos esa imagen aséptica, ideal para lustrar el desequilibrio mental de Chloé. Finalmente, mencionar el grato protagonismo de Marine Vacth monopolizando la pantalla, prácticamente no hay un plano en el que no aparezca ella. Bellísima. Si no te habías enamorado de ella en Jeune et Jolie (2013) acá quizá lo hagas. 

Me ha gustado más de lo que creí en un principio. Agradable relato sobre la esquizofrenia. Erótico, fetichista, artificial y sexualmente narcisista. Más delirante y oscuro en su último tercio, acercándonos a un final, tristemente opaco pero bien tolerable.


Frases

Criaturas únicas. Monstruosas.

Por desgracia no hay monstruos. Sólo seres humanos como tú o yo.


La puedes Ver Online desde este enlace en gnula, o descargar por torrent.

sábado, 9 de diciembre de 2017

Manual de anestesia y analgesia en pequeñas especies


Autores: Grimm Kurt A., William J., Tranquilli, Lamont Leigh A.
Editorial: El Manual Moderno
Año: 2013
Segunda edición
Páginas: 584
PDF


Extracto del Prefacio:

Su principal objetivo es presentar a los veterinarios y estudiantes las bases de farmacología, fisiología y manejo de casos clínicos aplicables a anestesia y analgesia de pequeñas especies. Los editores han incluido lo más relevante de los capítulos que abordan farmacología, valoración del paciente y vigilancia en Lumb and Jones’ Veterinary Anesthesia and Analgesia, cuarta edición. Los lectores tal vez deseen recurrir a esos capítulos para profundizar en el tema o en busca de referencias no incluidas en el Manual de Anestesia y analgesia en pequeñas especies. Además, varios autores aportaron nuevos capítulos sobre equipo y atención de pacientes con trastornos específicos en Lumb and Jones’ Veterinary Anesthesia and Analgesia, cuarta edición. Tales capítulos tienen referencias detalladas y aportan diferentes perspectivas sobre manejo de casos clínicos.


ÍNDICE

1. Valoración del paciente y manejo de riesgos
2. Fisiología y farmacología anestésicas
3. Fisiología, farmacología y tratamiento del dolor
4. Tratamiento del dolor crónico
5. Equipo de anestesia
6. Vigilancia del paciente
7. Equilibrio ácido base y fluidoterapia
8. Manejo anestésico de perros y gatos
9. Anestesia e inmovilización de mamíferos pequeños
10. Anestésicos locales y técnicas analgésicas regionales
11. Anestesia para pacientes con enfermedad cardiovascular
12. Anestesia para pacientes con afección respiratoria o de vías respiratorias
13. Anestesia para pacientes con enfermedad neurológica
14. Anestesia para animales pequeños con enfermedad renal
15. Anestesia para pacientes con enfermedad hepática
16. Anestesia para pacientes con enfermedad gastrointestinal
17. Anestesia para pacientes con trastornos endocrinos
18. Consideraciones anestésicas para intervenciones especiales
19. Urgencias y accidentes en anestesia


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martes, 5 de diciembre de 2017

Blade of the Immortal


Mugen no jûnin

Director: Takashi Miike
Guionista: Tetsuya Oishi
País: Japón
Año: 2017
Duración: 140 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Acción / Samuráis - Japón feudal - Venganza - Manga - Live-Action

Sinopsis: Manji ve cómo su hermana pequeña es asesinada frente a él, iniciándo entonces su venganza. Una misteriosa mujer aparecerá ante Manji, otorgándole eterna juventud e inmortalidad. Entonces, los padres de Rin Asano serán asesinados por un grupo de espadachines llamado Itto ruy, siendo el estudio de esgrima de sus padres destruido. Para vengarse, pedirá ayuda a Manji, y ambos lucharán contra los Itto ruy.


Reparto / Personajes

Takuya Kimura es Manji
Hana Sugisaki es Rin y Machi
Sôta Fukushi es Anotsu Kagehisa
Hayato Ichihara es Shira
Erika Toda es Makie
Kazuki Kitamura es Sabato Kuroi
Chiaki Kuriyama es Hyakurin
Shinnosuke Mitsushima es Taito Magatsu
Yôko Yamamoto es Yaobikuni
Entre otros

NOTA: 7.2 / 10
(Ver la escala de valoración)


Ninguna acción puede ser aniquilada. ¡Cómo podría ser anulada por el castigo! […] A no ser que la voluntad se redima al fin a sí misma y el querer se convierta en no querer.
Redención. Así habló Zaratustra. Nietzsche.


Manji, el asesino de 100 hombres.

Mugen no Jûnin (La espada del inmortal) es la última película de Takashi Miike. De su extensa (desmesurada) filmografía, para ser “exactos”, es su película número 100 –tal vez 99 o 101, quién sabe–. Un año en el que también dirige JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable y para la TV Idol X Warrior Miracle Tunes. “Desmesurada” y “Exagerada” me parece hoy en día son palabras que pueden definir la filmografía de Miike y cualquiera de sus películas, desde su título más taladrante y vergonzosamente infantil (checa el enlace de Idol X) a aquellos bizarros y violentos (esos que ya no hace y quedaron en el pasado: Gozu (2003), Ichi the killer (2001) o Visitor Q (2001)). Si no estás tan habituado al “universo Miike” puede que consideres que, a base de fantasía y violencia explícita, Blade el inmortal trasciende las convenciones de las películas japonesas de samuráis, una delicia de más de 2 horas. Sin embargo, si conoces a Miike y no eres un detractor, reconocerás que sí es muy divertida, pero no tan violenta ni tan llamativa como quisiéramos, para películas de samuráis me quedo con 13 asesinos (2010) y Hara-kiri: Muerte de un samurái (2012). ¡Pero! Blade of the Immortal es una buena película.

Común en Miike y no sólo en la actualidad (es el onceavo Live-action en los últimos diez años), sino habitual en su carrera, por ahí de 1992 se estrenaba su primer filme basado en un manga (A Human Murder Weapon), muestra nuevamente su apego en el manga japonés. Mugen no Jūnin está basado en el manga homónimo de Hiroaki Samura, que en el 2008 tuvo una adaptación al anime del mismo nombre (me parece es un poco más violento, lo puedes ver en youtube).

Mugen no Jūnin se encuentra ambientada en el tercer shogunato del Japón feudal. La historia está centrada en Manji, quien por sus pecados (en el pasado mató a 100 hombres) ha sido condenado con la inmortalidad. Para un asesino como él, ni el harakiri podría redimirlo. Finalmente, ¿qué es la redención sino la liberación del dolor? Los kessenchū, gusanos de la sangre, depositados por Yaobikuni (la monja de 800 años) sanaran cualquier herida que sufra su cuerpo, incluso mutilaciones. Posteriormente, la muerte de su hermana, sin una razón ya por la cual vivir, lo conducirá a buscar la redención y pagar la muerte de esos 100 justos con la de 1000 villanos. En su camino se encontrará con Rin Asano. Una niña en busca de venganza por la muerte de sus padres a manos del dōjō Ittō-ryū y su líder Kagehisa Anotsu. La misión de Anotsu es que su dōjō (el cual no corresponde con las técnicas del esgrima japonés) sea reconocido, aunque para ello, deba de llevar la muerte a todas y cada una de las escuelas de esgrima. ¿Qué busca Anotsu? ¿Poder? No, no… algo más ancestral. No sólo Manji o Rin han sufrido en esta vida.

¡Bueno! Esa es la historia. Y es casi idéntica en la película de Miike salvo algunos detalles: el porqué de la inmortalidad de Manji, y el momento en que ésta ocurre. Miike apuesta por la tragedia personal. Me pregunto, ¿era necesario? ¿Dónde está el Miike que huía de los convencionalismos? No lo sé (para entender esto sólo necesitas ver el primer episodio del anime). Pero en fin. No está mal, me parece una buena adaptación, el guion de Tetsuya Oishi consigue sumar y redistribuir los elementos del manga necesarios para construir un Live-action decente (para quienes conocen el anime o el manga) y una película de acción samurái dinámica, con su dosis de humor negro y misticismo… por otro lado, la historia de Anotsu y Rin son muy parecidas al manga, y por supuesto su la caracterización de todos sus excéntricos personajes. Obvio, el debate acerca de la vida y la muerte, el pecado y la redención que sostiene el manga se desdibujan a favor de un argumento directo y orientado a la acción… son 30 volúmenes publicados en casi 20 años… resumirlo en una película (e incluso en un anime), tarea complicada.

Es agradable ver como los elementos sobrenaturales de la historia dotan de libertad el filme, liberándolo de los códigos del cine de samuráis, subgénero conocido como chambara (onomatopeya que alude al sonido de la carne al ser rebanada), de modo que sin problema alguno podemos ver a Anotsu peleando con un hacha, los movimientos de combate son más caóticos, al igual que la forma de las armas, y por supuesto, esto va acompañado del toque humorístico-violento de Miike.

Acerca de los aspectos técnicos, me parece genial el prólogo en el elegante blanco y negro del que parte Miike, para, tras obtenida la inmortalidad, cuales gusanos en las venas revitalizando los tejidos del asesino, la imagen vira a color, en donde apreciaremos la vivida fotografía de Nobuyasu Kita, quien también trabajó con Miike en 13 asesinos y Harakiri, aún más estética que en esas dos películas, destacando la belleza de la naturaleza y el fulgor de la sangre (ríos de sangre) empapando la tierra. Los movimientos de cámara cumplen pasando de ajustados primeros planos a panorámicas para saciar nuestra curiosidad: contemplar el esplendor de la masacre. Los efectos especiales… pues… supongo que la intención no es que sean tan realistas, así que cuadran con la idea.

¿Qué hay del reparto? La actuación no es sobresaliente, pero así pasa con estás películas. Sin embargo, es bien tolerante y curioso reconocer a varios actores. Entre su reparto se encuentra Takuya Kimura, actor, locutor y cantante (tenía una banda de J-Pop)… dicen… es muy conocido, yo no tengo idea, nunca lo había visto; a quién sí: Sôta Fukushi, el lindo jovencito que protagonizaba torpemente (aun sus cualidades como actor no son buenas, pero es lindo) As the Gods Will (2014) de Miike, interpretando a un hierático Anotsu; Hayato Ichihara, a quien vimos protagonizando la disparatada Yakuza Apocalypse (2015) también de Miike; y Erika Toda, quien hace de Misa Amane en las películas de Death Note (2006) de Shusuke Kaneko y Shinsuke Sato (2016).


Frases

Me he quemado de amor por ti... Desde que temblaste, llorando en mis brazos. Por eso, con estas manos te mataré y te haré mía para siempre. Amor en su máxima expresión.

Tienes suerte: puedes morir.


El archivo de vídeo con calidad decente pesa poco más de 900MB. Dado que tienen problemas para descargar por Mega ese tamaño no la subiré u.u

Un Torrent desde el cual pueden descargarla es el de asiateam o éste otro.
Para ver online, checa este enlace en pelispedia (la opción 3 me anda bien).



viernes, 1 de diciembre de 2017

The Villainess


Ak-Nyeo

Director: Jung Byung-Gil
Guionista: Jung Byung-Gil
País: Corea del Sur
Año: 2017
Duración: 143 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Venganza

Sinopsis: Desde la infancia, Sook-Hee ha sido entrenada para convertirse en una asesina sin piedad. Cuando Madame Kwon, la jefa del servicio de información de Corea del Sur, la recluta como agente durmiente, le ofrece una segunda oportunidad. "Danos diez años de tu vida y tendrás tu libertad". Su nueva identidad es Chae Yeon-Soo, una actriz de teatro de 27 años. Con la promesa de una libertad completa a cambio de servir a su país durante diez años, Sook-Hee emprende una nueva vida. Para esta mujer que ha vivido como asesina, llevar una existencia normal no resulta una tarea sencilla. Pero cuando dos hombres entran en su vida, los secretos de su pasado serán desvelados.


Reparto / Personajes

Ok-bin Kim es Sook-hee
Ha-kyun Shin es Joong-sang
Jun Sung es Hyun-soo
Seo-hyeong Kim es Chief Kwon
Eun-ji Jo es Kim Seon
Entre otros

NOTA: 7 / 10
(Ver la escala de valoración)


Agradable, aunque menos original de lo que espera, propuesta del director y escritor Jung Byung-Gil. Estrenada durante la sección Proyección de Medianoche en el Festival de Cannes 2017 junto a la también coreana The Merciless (2017) y la británica A Prayer Before Dawn (2017). Byung-Gil que en un pasado exploraba el cine documental con Actions boys (2008) y el thriller policiaco con Confession of Murder (2012), en esta ocasión se embebe en el cine de acción de los últimos tiempos (Hardcore Henry (2015) de Naishuller y TheRaid I (2011) y II (2014) de Evans), sin prescindir de los “clásicos” (Nikita (1990) de Besson, Kill Bill (2003) de Tarantino y la trilogía de la venganza finalizada con Sympathy for Lady Vengeance (2005) de Park Chan Wook), para ofrecernos un thriller de venganza un poco más romántico de lo que pudiésemos desear, y por supuesto, más cargado de sangre y asesinatos inmisericordes… esto último lo escribo por una escena relacionada con una explosión… aunque tampoco es para tanto, y es que así es el cine coreano, no le incomoda mucho mostrar o sugerir situaciones que al cine occidental sí (siendo más exactos, situaciones con niños).

Encauzando sus intenciones hacia el cine hongkonés de los 70’s y 80’s plegados de heroínas especialistas en artes marciales, The Villainess tiene su apertura en una secuencia de casi 7 minutos para ilustrarnos con dinamismo las habilidades de su asesina con una matanza en primera persona (a lo Hardcore Herny) en donde veremos caer un número incontable de mafiosos, apuñalados, degollados, tiroteados, etc. Un evento vertiginoso y colmado de acción (te sorprenderá si no has visto aquella película rusa, de lo contrario, quizá sólo te la recordará demasiado), con momentos casi calcados de Oldboy y una fuerte reminiscencia a The Raid, aunque más desternillante. Un extraordinario inicio para el espectador inexperto y aceptable para aquellos que disfrutamos de la violencia y el cine de acción. Debo confesar, no me sentí tan maravillado ni alegre hasta que le vi el rostro a nuestra diestra actriz-asesina. Ese abandono de la cámara en primera persona para ofrecernos otro enfoque no menos caótico me encantó.  

Una enérgica apertura que pronto nos orientará hacía el cine de Luc Besson. ¿El motivo? La situación que describe la sinopsis. La joven asesina Sook-hee forjada desde las niñez para matar tiene una segunda oportunidad, que por supuesto, es bajo un acuerdo con la agencia que le rescato al menos si no de la muerte si de la prisión; y de este modo, aquella joven entrenada para matar ahora es entrenada para pasar desapercibida dentro de la sociedad y desde ahí hacer lo que mejor sabe: matar. Un elemento que para la agencia promete no sólo lealtad, puesto que aparentemente Sook-hee no tenía nada porque vivir al momento de ser reclutada, sino la mayor eficiencia. ¡Sin embargo! He ahí el error de la agencia. Los mejores soldados son los que nada tienen y nada temen, y es el momento en el que Byung-Gil diluye su filme de acción y suspenso en un entramado romántico y de afecto maternal, volcando sus intenciones sin ningún otro cause que la venganza, las traiciones y dejos de melodrama.

Agradable película. Quiero que eso quede claro…. Pero menos sólida de lo que esperaba. Me gustó, pero no tanto. ¿Sabes? Es el riesgo de apostar por dos géneros, no sugiero que son incompatibles, pero cuando uno te queda mal ensombrece al otro. Finalmente: es un promedio, no son independientes. El tema de acción y suspenso funciona. El tema romántico es bastante soso y predecible. Y por si fuera poco, The Villaines (lo comentaba antes), carece de originalidad enormemente. Que una película te recuerde Tanto otras no es bueno (no le encontré del todo “vida propia” al reciclaje). Otro aspecto no tan sólido es su afán por reiterar las cosas, peca de “auto-explicativa”, como si temiese que nos perdamos en densas conspiraciones de venganza y no atinásemos a sospechar del culpable correcto, insiste en que miremos el flashback más de una vez, llegando al final con menos contundencia (y aquí me recordó a otra película que no menciono por aquello del spoiler) y socavando el suspenso.

Técnicamente es genial. La fotografía y la edición, brillando en sus vertiginosos golpes de acción y en la velocidad del combate vehicular. Las coreografías sin ser tan grandiosas como en The raid lucen atractivas, y tiene ese gusto a videojuego que tanto gusto a muchos. En cuanto a las tomas en primera persona: se remiten por fortuna a la acción (no imagino un drama rodado en primera persona).

Un filme de acción que en sus dos horas, hasta en sus momentos más melosos y lentos (pocos), es capaz de mantener nuestra (mi) atención. Ganadora en el Buil Film Awards a Mejor Película y en el Grand Bell Awards, South Korea y en general muy bien recibida por la critica y el público. Se cuenta que en Cannes tras ser proyectada fue ovacionada por casi 4 minutos.



La puedes descargar desde las siguientes opciones: Descarga Directa en MEGA // Torrent

Ver Online en: Pelispedia




jueves, 23 de noviembre de 2017

No Tomorrow: A Turbo Kid Tale


Directores: Anouk Whissell, François Simard yYoann-Karl Whissell
Guionistas: Anouk Whissell, François Simard y Yoann-Karl Whissell
País: Canadá
Año: 2016
Duración: 8 min. aprox.

Género / Tópico: Acción - Ciencia ficción - Comedia / Cortometraje - Precuela

Sinopsis: Cortometraje que sigue a Apple en su aventura desde el otro lado de Wasteland, justo antes de su memorable encuentro con Turbo Kid.


A los fanáticos de Turbo Kid (y más aún de Apple) esta bonita fantasía post-apocalíptica les va a encantar. 

Precuela protagonizada por la bellísima Laurence Leboeuf y musicalizada por el synthwave de Le Matos (mientras escribo esto escucho su disco Join us, chécalo en spotify). ¿Qué decir de No Tomorrow? El colectivo RKSS vuelve a invitarnos a mirar hacía sus bastos y estériles paisajes para asistir a una aventura más (o una aventura previa) de Apple, para quien la amistad lo es todo en este mundo, el poder de la amistad. 
El lado más dulce del “universo Mad Max”, en donde las amputaciones, muertes y explosiones, son tan tiernas como un unicornio ascendiendo por un arcoíris. 

Si no has visto Turbo Kid NO sugiero ver el corto, además de tenerlo menos afecto hay spoiler. 

Por último, ¿sabías que se está trabajando en Turbo Kid 2? El proyecto fue anunciado el año pasado, sin embargo no siempre se cumplen… y… no sé si para mal o para bien éste continúa marchando.


viernes, 17 de noviembre de 2017

Good Time


Directores: Ben Safdie y Joshua Safdie
Guionistas: Ronald Bronstein y Joshua Safdie
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 99 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Cine independiente

Sinopsis: Después de que el robo de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacar a su hermano de la cárcel.


Reparto / Personajes

Robert Pattinson es Connie Nikas
Benny Safdie es Nick Nikas
Taliah Webster es Crystal
Jennifer Jason Leigh es Corey
Barkhad Abdi es el guardia de seguridad del parque
Peter Verby es el psiquiatra
Entre otros

NOTA: 8.3 / 10
(Ver la escala de valoración)


Interesantísima y frenética película representante del mumblecore y el cine indie. Si acaso no estás tan familiarizado con los términos (cabe mencionar que es muy delgada la línea que los separa) demos un repaso rápido: Sabemos, el cine independiente es aquel que está alejado de las grandes industrias, en consecuencia, su espectacularidad recae en el guion y el lenguaje cinematográfico, ensalzando la cotidianidad de sus personajes, generalmente parias de la sociedad. Con el tiempo la calidad de este cine es reconocida, y es creado el Festival de Cine de Sundance… y como es obvio: las grandes industrias deciden también hacer cine independiente, para muchos, perdiendo su esencia. Y es entonces que nace el mumblecore (el cine indie del cine indie), apostando por la naturalidad y el realismo (empleando ocasionalmente actores aficionados o personas que no son actores), cámara en mano, cuadros sucios, ruido, etc. 

De ascendencia judía, Benny y Josh Safdie, son un par de cineastas nacidos en las calles de Queens y Manhattan, con una inquietud permanente por mostrar la decadencia ¿y por qué no? la calidez de los barrios neoyorkinos y sus habitantes menos favorecidos. Ya lo mostraban con su largometraje anterior (y debido al cual, la totalidad de su trabajo cobra interés): Heaven Knows What (2014), cual Christiane F (1981) de Uli Edel pero menos oscura, narra la destructiva vida de Arielle Holmes (gracias a los Safdie, en la vida real, pasa de indigente drogadicta a actriz desintoxicada) al filo de la heroína y el amor. Pues bien, Good Time (un título irónico) tiende más a la ficción que al retrato documental, mezcla del realismo Safdie y el género de atracos, resultando en un efectivo thriller de amor fraternal, protagonizado por Connie (Pattinson), un no muy avispado ladrón, y su hermano discapacitado mentalmente, Nick. Ambos hombres “hechos y derechos” de poco más de 30 años, y sin embargo, común al estereotipo del marginado que se crío en las calles (en este caso, bajo la dura mano de su abuela): dos hombres carentes de empatía, es como si fueran ellos contra el mundo. Ante la primera oportunidad, dispuestos a robar, mentir, golpear, destruir, puesto que el único amor (y confianza) es la que sienten uno por el otro, y en nada ni en nadie más.

Ficción en el sólo acto de crear una historia; realismo en el entramado y las decisiones argumentales de dicha historia; ficción a través de su abordaje frenético y secuencial (banco – hospital/prisión – casa – parque – edificio); realismo en las localizaciones y caracterización de sus personajes. Elementos unificados por la grandiosa fotografía de Price Williams, y desde aquí, no me espero al final de esto que escribo, menciono el trabajo alucinante de Pattinson, sumergido en una espiral nocturna de desesperación por recuperar a su hermano. 

Cámara en mano con la constante del primer primerísimo plano, la película inicia pendiente de las facciones y gestos de un mentalmente vulnerable Nick. Estamos asistiendo a su evaluación psiquiátrica, en donde una vez el médico apenas ha obtenido un poco de información es interrumpido por la aparición de Connie. Opuesto a su hermano, su andar es ciclónico, impreciso. Desfachatado, doliente, protector, ansioso, torpe, oprimido, vacío, como si estuviese, más que enojado con la vida, aterrorizado y presto a huir no sin antes haber dado algunos zarpazos. Ése es Connie. Tóxico y leal a Nick. No conocemos el pasado de estos hermanos ni las circunstancias que les llevaron a robar, sin embargo, son…  extrañamente creíbles, y la historia del crimen un mero pretexto para un examen más exhaustivo del amor fraternal disfuncional. Y no es chocante ni melodramático, sólo afectuoso, violento, y áspero pero jamás gratuito. 

Y no sólo la historia es apreciable. Sino cada uno de sus personajes secundarios. Desde el psiquiatra asignado por el tribunal, a los oficiales, la adolescente afroamericana y su abuela, e incluso la novia de Connie (que bien podría ser su madre) interpretada por Jennifer Jason, a quien recordarás en Los odiosos ocho (2015) de Tarantino. Todos ellos personas ignoradas, unos humildes otros delincuentes en forma y otros sencillamente "viendo pasar la existencia". Otro gran acierto son las localizaciones, dibujándonos sus hogares y la urbanidad de este "mundo subterráneo". También es debido puntualizar la tácita crítica hacía los prejuicios sociales, muy superficial pero presente: raciales (las máscaras al atracar el banco), y de carácter marginal (el primer encuentro con la policía), y por supuesto, aunque menos sutil y más humorístico, al abuso de autoridad cuando Connie y Crystal ven la Tv. 

Un filme bastante singular. Agradable. Desde su factura técnica que ya mencionábamos al principio: sus sempiternos primeros planos, herméticos y agitados, a su ambientación retro que nos recuerdan esos filmes urbanos como Taxi Drive (1976) y Dog Day Afternoon (1975)… y una banda sonora ideal: psicodelia electrónica a lo Tangerine Dream (ligeramente atorrante) coronada por la melodiosa colaboración de Iggy Pop y Oneohtrix Point Never. 

Ganadora en el International Cinephile Society Awards a Mejor Actor (Pattinson) y nominada a La Palma de Oro en el Festival de Cannes (la ganó The Square de Ruben Östlund, no la he visto, descubrí que las comedias negras suecas no son muy mío). 

Hay que verla.



Frases

Cruza la habitación... si alguna vez te han culpado por algo que no has hecho.

Cruza la habitación... si alguna vez has estado solo

Todos los días pienso en desenredar las cuerdas que me atan y llevar una vida pura. Miro hacia el cielo y se que no va ha suceder... Pero es un buen sueño. Muerte, hazme valiente. Algún día, lo juro, vamos a ir a un lugar en donde podamos hacer todo lo que queramos, y acariciaremos esos cocodrilos. 

Estará siendo exhibida en la Cineteca Nacional dentro de la 63 muestra de cine internacional a partir del 27 de Noviembre. Puedes asistir, o también verla en casa. Te dejo unos enlaces:

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Para su descarga en Torrent aquí.
Y para Ver Online en gnula aquí.

miércoles, 15 de noviembre de 2017

The Merciless


Bulhandang

Director: Byun Sung-Hyun
Guionista: Byun Sung-Hyun
País: Corea del Sur
Año: 2017
Duración: 117 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Crimen

Sinopsis: Jae-Ho, el jefe de una banda, dicta las normas dentro de la cárcel. Pero su autoridad se verá cuestionada tras la llegada del recién llegado Hyun-Soo.


Reparto / Personajes

Jun-ho Heo es Kim Sung-han
Si-wan Im es Hyun-soo
Seong-oh Kim es Jeong Seung-pil
Hee-won Kim es Go Byeong-gap
Kyeong-yeong Lee es Go Byeong-cheol
Jang In-sub es Min-cheol
Entre otros


NOTA: 6.8 / 10


Ojalá los días tuviesen más horas o las semanas más días… o simplemente, tuviese la capacidad para organizar mejor mí tiempo…. ¡En fin! De manera más esporádica pero constante, ése es el plan, retomo la escritura del blog; y que mejor forma que abordando el Festival de Cannes del 2017, del total de filmes exhibidos intentaré conseguir y charlar por acá 15 de ellos, ya veré si más, porque también quiero abordar un número de títulos similar de los exhibidos en el Festival de Sitges 2017.

En cuanto al septuagésimo Festival de Cannes, cabe mencionar la buena aceptación que tiene el cine coreano, demostrada esta vez con la proyección de 5 películas (no son muchas, pero sí más que las rusas, alemanas, suizas, etc., la mayoría como bien sabes, son francesas –el festival es francés– y estadounidenses). Me agrada. Siempre el cine surcoreano nos da muestra de su preocupación estética y su particular inquietud artística. Esta vez los títulos son Okja, Claire’s Camera, The Day After, The Villainess y ésta, The Merciless.

Ganadora al Premio al Mejor Actor por la participación de Kyoung-gu Sul, en el Grand Bell Awards (el primero festival de cine surcoreano), The Merciless es la segunda película de Byun Sung-Hyun. Un thriller de acción criminal ambientado en la ciudad costera de Busan. Byun Sung-Hyun parte de una escena introductoria fantástica, en donde dos de estos criminales conversan sobre el paralelismo entre la gastronomía marisquera y el asesinato a sangre fría. Un comienzo violento cargado de cinismo y humor, que nos sugiere pensar que estamos ante una versión más oscura, desfachatada e inteligente del cine de gánsteres… Desgraciadamente no es así. No por ello deja de ser entretenida (hasta cierto punto) y divertida, sin embargo, el hecho de servirse de un entramado excesivo de clichés criminales, y el abuso de los giros argumentales, le restan puntos. Demasiado ambicioso tal vez.

Con reminiscencias a la hongkonesa Infernal Affairs (2002) de Chong y Mak… posiblemente no la recuerdes como tal, pero sí su remake protagonizado por Leonardo DiCaprio: Infiltrados (2006). El filme de Byun gira entorno a la relación fraternal entre el joven Hyun-soo y el veterano Kim Sung-han, la cual más que una relación, es una amistad surgida de la convivencia diaria en prisión, y la ayuda mutua para sobrevivir a la brutalidad de la corrupción y rivalidad carcelaria. En la superficie Hyun-soo es un joven insolente dispuesto a pelear con cualquier que se cruce en su camino, pero en realidad es un policía obligado por las circunstancias a permanecer en prisión por 3 años y ganarse la confianza de un importante miembro de la mafia coreana, Kim Sung-han. Quien más sabio y prudente, frío y calculador, no sólo logra hacerse del control de la prisión, sino que a su salida, tiene la intención de liderar su asociación criminal aunque para esto deba de traicionar y matar a su jefe. 

A través del uso de flashbacks bien estructurados (aunque excesivos), The Mercilles funciona como un rompecabezas, en donde cada pieza revela más detalles, consiguiendo girar el argumento más de una vez. Un ir y venir de secretos compartidos y traiciones. Aportando con el tiempo mayor sustancialidad a sus personajes inicialmente incompletos, pero a su vez, cayendo en una insistencia tal por sorprender, que lo impredecible es predeciblemente impredecible. Restando por su puesto nuestro interés como espectador una vez transcurridos los dos primeros tercios del filme. Es uno de esos metrajes que a pesar de la acción y violencia pulsátil, te deja esa sempiterna sensación de que le sobra tiempo.

De modo que, en contra yace su ambición e intento por sorprendernos, y que finalmente resulta una obra dramáticamente conservadora, sin embargo es bien tolerable gracias al humor negro presente en la mayoría de las situaciones importantes. También al carisma de sus personajes, y a la actuación en específico de Kyoung-gu Sul; así como a sus coreografías dotadas de energía, la versatilidad de la cámara en ocasiones también desfachatada, la exquisita fotografía destacando la oscuridad portuaria y en sí, toda la tropelía de nuestros queridos traficantes de metanfetaminas.

En general, un buen trabajo de Byun Sung-Hyun, quien hasta entonces sólo había escrito y dirigido una comedia romántica y un musical. Sin duda, un filme que hay que ver si gustas del cine de acción y más aún del cine de suspenso “neo-noir coreano”. 



La moraleja de la historia es: No creas nunca en nadie. Cree en las circunstancias.


Si la quieres descargar por Torrent o por Descarga Directa, checa este enlace en Asiateam.


domingo, 5 de noviembre de 2017

Free Fire


Director: Ben Wheatley
Guionista: Ben Wheatley
País: Reino Unido
Año: 2016
Duración: 90 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Acción / Años 70 - Comedia negra

Sinopsis: Boston, año 1978. El líder de una banda que trafica con armas está realizando una venta a un par de irlandeses en un almacén abandonado. Pero el intercambio comienza a complicarse hasta extremos insospechados y no tardará en iniciarse un largo tiroteo.


Reparto / Personajes

Sharlto Copley es Vernon
Cillian Murphy es Chris
Brie Larson es Justine
Michael Smiley es Frank
Babou Ceesay es Martin
Noah Taylor es Gordon
Jack Reynor es Harry
Enzo Cilenti es Bernie
Sam Riley es Stevo
Entre otros


NOTA: 6.5 / 10


Un trato de compra-venta de armas que salió mal… Esto podría definir la película en su totalidad.

A veces me pregunto, ¿qué tanto puedo escribir sobre una película? Y es que hay filmes increíblemente grandiosos, una filosofía de vida, otros densos, simbólicos y surrealistas. Todo un tema de discusión. Pero ése no es el caso de Free Fire. De hecho Free Fire es la opción perfecta para ver cuando no quieres pensar mucho, y es una muestra del cine de acción más básico e hilarante, aún más básico qué… Hardcore Henry, por citar un ejemplo. Quiero pensar que la última película del director británico Ben Wheatley, no solamente brilla por el nombre de su director y guionista o de su reparto, y que la palabra adecuada no es “básica”, sino Conceptual. 

Es 1978, y Justine ha negociado un acuerdo para la compra y venta de armas en un almacén abandonado, entre los hombres del Ejército Republicano Irlandés, Chris y Frank, seguidos por Bernie y Stevo, contratados para la carga y descarga de la mercancía; y su contraparte, los traficantes Vernon, un pretensioso sudafricano inglés, y Martin, ex-pantera negra, quienes a su vez están acompañados por Gordon y Harry, responsables de descargar las armas; y el intermediario Ord. Una palpable rivalidad nacionalista norteamericana-inglesa-irlandesa, 30 rifles de asalto y su equivalente en dinero, no hacen más que aumentar la tensión durante la transacción en donde la desconfianza y el ego se dejan escuchar a través de jactanciosas amenazas. Sin embargo, todo marcha en orden, hasta que un hecho insignificante para el negocio (no así para los involucrados) sale a luz, provocando el primero disparo y con ello, el pandemónium. El lugar estalla en una andada de disparos sin tregua en donde el caos y el delirio más absurdo imperan. Matar o morir, o mejor dicho: o escapas con el dinero, o no dejas que nadie escape. 

Una estrecha coreografía y un guión aún más ajustado hacen de la zona de guerra un escenario compacto, en donde las bromas rebotan entre los escombros tanto como las balas. Aquí es donde el trabajo de Laurie Rose (director de cámaras y fotografía) cobra importancia, cubriendo todos los ángulos que le son posibles, considerando la cantidad de personajes involucrados, sin duda un desafío logístico.  Y es que más de una vez puede ser difícil discernir quién está disparando a quién (y a ciertas alturas, no sólo quién sino por qué). Más humorístico que sangriento, logra mantener el interés en el caos orquestado cuidadosamente por más de una hora. 

Un título… interesante ¿por qué no?, que se suma a la filmografía tan personal y sin embargo multifacética de Wheatley. En la cual podemos encontrar el terror más oscuro en Kill List (2011), la comedia negra en la road movie Sightseers (2012), la psicodelia del siglo XVII en A Field in England (2013) o la sardónica crítica social de High-Rise (2015). En Free Fire, un enfoque más conceptual, a lo Reservoir Dogs (1992) pero sin flashbacks, en donde la historia se resume en una acción: el tiroteo, y nada más. 

¿Qué decir de la ambientación? Me ha encantado la época, además del vestuario el hecho de que ninguno de nuestros personajes puede desde su trinchera pedir refuerzos usando su celular, dependiendo así del único teléfono fijo disponible, una empresa tan complicada de conseguir como huir con el dinero. En cuanto al elenco, genial. De hecho llegué a pensar: ¿en eso se habrá gastado el presupuesto Wheatley? Genial por las caras que vemos, aunque siendo honestos… tristemente ninguno de ellos puede interpretar un gran papel (de hecho, es donde menos he visto brillar el histrionismo de Copley), porque su papel se remite a disparar pecho tierra y decir una que otra ocurrencia. En fin. Tenemos a Armie Hammer quien ese mismo año participo en la aclamada Nocturnal Animals; Brie Larson, quien ganó el Oscar a Mejor Actriz por Room en el 2015; El excéntrico Copley conocido por películas en District 9 (2009) y Hardcore Henry (2015); a Cillian Murphy, tan hermoso… que recordarás como El Espantapájaros en las películas de Batman de Christopher Nolan o 28 Days Later (2002), pero es más que eso, un par de películas irlandesas muy buenas protagonizadas por él son Breakfast on Pluto (2005) y The Wind that Shakes the Barley (2006), ¡debes verlas!; Jack Reynor que ese mismo año participó en la bonita Sing Street; a Sam Riley interpretando a Ian Curtis en Control (2007); Noah Taylor, un actor generalmente secundario que me agrada mucho desde que lo vi en Red White & Blue (2010); y Michael Smiley, una constante de Wheatley.

Ganadora del Premio del Público (Locura de medianoche) durante el Festival de Cine Internacional de Toronto. Un filme que en algún momento puede tornarse cansino, sin embargo, el carisma de sus personajes me parece lo saca avante. De buena factura técnica, atmósfera claustrofóbica, y aunque no siempre sus chistes resulten divertidos, creo que se tolera muy bien la hora con treinta minutos que dura. En la filmografía de Wheatley, un título de menor atractivo que sus antecesores, pero que si eres seguidor del director, debes de ver.

Como dato extra, Wheatley cuenta que se inspiró en un informe real que leyó acerca de un tiroteo en Miami de los años 80s, y el escenario, antes de liarse y para poderlo llevar a la vida real, lo hizo en la plataforma de Minecraft. 



Para su Descarga directa en MEGA, por Torrent Ver online, da click en los respectivos enlaces.

viernes, 3 de noviembre de 2017

Siberia, Monamour


Director: Slava Ross
Guión: Slava Ross
País: Rusia
Año: 2011
Duración: 105 min. aprox.

Género: Drama

Sinopsis: Trata sobre un abuelo y su nieto, perdidos en el fin del mundo de una Siberia deshumanizada, y rodeados de ladrones sin escrúpulos y perros salvajes, en mitad del crudo invierno ruso y prácticamente sin víveres para subsistir.

Reparto / Personajes

Pyotr Zaychenko es el abuelo
Mikhail Protsko es Leshia
Sergey Novikov es Yura
Lidiya Bayrashevskaya es Anna
Nikolay Kozak es el capitán
Maksim Emelyanov es el joven soldado
Sergey Puskepalis es el coronel
Entre otros


NOTA: 8 / 10


Siberia, Monamour es la segunda película de Vyacheslav Ross, conocido como Slava Ross. Ganadora del Premio “Descubrimiento del año”, otorgado por la Academia Rusa de las Artes y Ciencias Cinematográficas en los Nika Award del 2012. Una película que versa sobre la naturaleza humana y el alma rusa propuesta por Gógol, Tolstói, o Dostoyevski (que bien puede aplicarse a todos aquellos lugares en donde se sobrevive, olvidados de la “mirada de dios”, y aún con fe en el prójimo). Un viejo y devoto ermitaño, un niño atrapado en un pozo, un capitán del ejército destruido por la guerra y ladrones, cual perros ferales, acechando en la taiga siberiana. Son algunos de los personajes de los cuales se sirve Slava Ross para estructurar un filme constituido de eventos dramáticos, cada cual más desmesurado y trágico que el anterior. 

Sobrevivientes de un clima hostil durante una época aún más hostil. En el centro de la película encontramos a Leshia, un niño de 7 años que vive bajo el cuidado de su devoto, estricto y solitario abuelo; aburrido de la monotonía y autosuficiente, espera junto a su fiel compañero (un husky siberiano a medio domesticar) el regreso de su padre, quien partió a la guerra hace mucho. Aún consciente de la cruda realidad, Leshia no deja de ser un niño, imaginativo y lleno de esperanza, no en el dios de su abuelo, sino en la vida misma. Junto a ellos está el tío Yura, preocupado los visita y proporciona suministros, en contra del tempestuoso clima, de los perros que han devorado a más de un hombre, y de la desaprobación de su esposa. Paralelamente, en otra historia, observamos a un veterano de la guerra de Chechenia y a un joven recluta, enviados al pueblo Monamour por una prostituta para su disoluto y cruel comandante. El uno cansado y derrotado, el otro aún idealista. Juntos encontrarán en dicha prostituta un sentido de la vida, finalmente no todo es destrucción y muerte, también pueden proteger a alguien.

Ross aumenta la tensión conforme crecen las relaciones humanas (quebradas, torpes, adustas) hasta unificar las dos historias, no sin antes (y después), propugnar al espiritualismo más secular y la fe en la humanidad, a medida que hombres y animales se atacan implacablemente en un escenario en donde la locura, el hambre y el asesinato, son latentes amenazas. Una serena batalla entre la brutalidad y la salvación. 

Un filme diferente con un final diferente. Con menos acción de lo que el trailer sugiere y plegado de clichés rusos melodramáticos y sin embargo, frío. Nunca deja de ser frío (la violencia es tan común que poco impresiona a nuestros personajes), apuntando hacia un final para nuestros huérfanos y parias de lo más surrealista. Un retrato no sólo humano, sino de una Rusia confusa y vapuleada, de una colonización que recordemos, no fue impulsada por la economía o su densidad poblacional, sino por circunstancias de huida.

A pesar de algunas carencias técnicas, la fotografía es excepcional, consiguiendo generar una atmósfera naturalista a través de sus paisajes helados y otoñales, así como desolada gracias a la decadencia de sus interiores y la caracterización de sus personajes silenciosos y de gestos estoicos ante la adversidad. También debo destacar su poca contundencia en los papeles protagónicos (esto suele ser negativo en el cine, aquí no tanto): el niño y su abuelo son los protagonistas, pero Ross se distrae (reduciendo intensidad en la historia principal ) con sus otros personajes, barajando más situaciones, quizá con el afán de reforzar su mensaje, y con ello, minimizando un poco el efecto emocional que podría causar en el espectador. No obstante, no deja de ser una buena opción del cine ruso más representativo.



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