lunes, 24 de junio de 2019

ANUNCIO

Hace un tiempo pensé en cerrar el blog pero continué. Me agrada sugerir y compartir las películas que me gustan, películas que de momento me parecen Diferentes a lo que nos presenta la cartelera de nuestros cines (tampoco es que desprecie el cine "comercial", no, en lo absoluto, de hecho, espero pronto ir a ver Toy Story 4). 

Sin embargo, cada vez se me hace más pesado. No es el tiempo (cada entrada me tomará como mucho 30 minutos para redactar y elegir las imágenes)... es falta de interés. 

¡Pero! Tampoco puedo dejar de sugerir, así que, con mucha mayor brevedad seguiré usando Facebook con ese fin. 



Dicho de otra manera:
No habrá más entradas/actualizaciones de ningún tipo. Se cierra este blog. 

Nothing Bad Can Happen

Tore Tanzt

Directora: Katrin Gebbe
Guionista: Katrin Gebbe
País: Alemania
Año: 2013
Duración: 110 min aprox
Trailer

Género / Tópico: Drama / Religión - Drama psicológico

Sinopsis: El joven Tore busca en Hamburgo una nueva vida entre el grupo religioso "The Jesus Freaks". Cuando por casualidad conoce a una familia y les ayuda a reparar su coche, cree que un milagro celestial le ha ayudado. Él comienza una amistad con el padre de la familia, Benno. Pronto se va a vivir con ellos, sin saber la crueldad está por venir. Inspirada en hechos reales.


Reparto / Personajes

Julius Feldmeier es Tore
Sascha Alexander Gersak es Benno
Annika Kuhl es Astrid
Gro Swantje Kohlhof es Sanny
Entre otros

De esas veces que piensas: ¡Cómo no la vi antes! Nothing Bad Can Happen o Tore Tanzt (su traducción sería ¡Danza, Tore!) es el primer y único largometraje de la cineasta alemana Katrin Gebbe. Un filme que revolvió el estómago de la audiencia durante su proyección en el Festival de Cannes 2013, mismo en el que se proyectaron películas como La vida de Adèle, Borgman, Jeune & Jolie, La Grande Bellezza, Nebraska, Only Lovers Left Alive, Tian Zhu Ding, entre otras, todas las vi, de ahí que... cómo se me escapó, o más bien, cómo la omití. 

Mártires, víctimas o héroes... según como se mire... me pregunto, quién podría morir por una causa y más aún, cuando la causa es la misma fe que se pregona; y es que para los mártires, su muerte es el núcleo de su verdad fáctica. Basada en un hecho real Gabbe ofrece un análisis en primera instancia acerca de la fe y el poder, la firmeza, de la cual puede dotar a quien la posea, inquebrantable, (aquí, la fe de Tore, un joven decidido a vivir como Jesucristo) en contraste con la crueldad y el sadismo que pueden yacer en el ser humano. Enormes. Me recordó un poco a An American Crime (2007) de Tommy O'Haver... por que más allá de apuntar hacía la religión (como sí lo hace otra película alemana, de nombre Stations of the Cross (2014) de Dietrich Brüggemann), se enfoca, me parece, a la brutalidad y el sadismo, al horror contenido y su contagio. Aunque no por ello deja de ser tan escalofriante el poder de la fe (el final de la película). 

Dado que Nothing Bad Can Happen se enfoca en el camino hacia “la cruz” de Tore, poco interés hay en la historia de su protagonista. Sólo sabemos que Tore es un adolescente (descarriado) que se rige según el fundamentalismo cristiano bajo el único deseo de vivir como Jesús. Rock cristiano, actos de fe y una entrega absoluta. Tore está tan convencido de su cercanía con el Espíritu Santo que no se la piensa dos veces para pedirle que repare el motor del auto varado de Benno, a quien encuentra accidentalmente en la carretera: el milagro sucede. Tiempo después es Benno quien “rescata” de la pista de baile a Tore, quien sufre un ataque epiléptico durante un concierto de rock cristiano. ¿Es acaso Benno la figura paterna que siempre soñó Tore? Es el Capítulo 1: Fe. En donde pese al ateísmo de Benno, Tore encuentra confort en su hogar, donde es adoptado; pero estos es sólo el inicio de la prueba más grande que ha puesto Dios en su camino. Pues no hace falta mucho para que salga a la luz la verdad sobre Benno, y en consiguiente, una retahíla de humillaciones y abusos físicos y psicológicos, en el transcurso de dos capítulos más: Amor y Esperanza. 

Una película interesante aunque menos astuta y clara en su mensaje de lo que me hubiese gustado, reitero, más allá de dirigir su atención a la juventud o una crítica hacia la religión y su efecto opiáceo, opta por revolverse en su perversión. El ritmo es bueno, a ratos podría parecer monótono pero son esos toques de violencia los que nos encaminan al tercer acto sin menguar nuestro interés. A mencionar también, los escenarios y la fotografía, forjando una atmósfera de opresión y decadencia, y creando escenas (dentro del horror) bastante bellas... esa lluvia improvisada. En cuanto a la actuación, inmejorable. 

Actualmente Gabbe trabaja en su segundo largometraje Pelikanblut; y el año pasado participó en la película australiana de episodios de terror The Field Guide to Evil. 



Si la quieres ver en línea checa este enlace en Gnula.
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lunes, 6 de mayo de 2019

Dragged Across Concrete


Director: S. Craig Zahler
Guionista: S. Craig Zahler
País: Canadá
Año: 2018
Duración: 159 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Crimen - Policíaco - Robos & Atracos

Sinopsis: Dos policías son suspendidos cuando un vídeo de sus duras tácticas de detención de delincuentes se convierte en la noticia del día en los medios de comunicación.


Reparto / Personajes

Mel Gibson es Brett Ridgeman
Vince Vaughn es Anthony Lurasetti
Tory Kittles es Henry Johns
Michael Jai White es Biscuit
Jennifer Carpenter es Kelly Summer
Laurie Holden es Melanie Ridgeman
Udo Kier es Friedrich
Entre otros


NOTA: 8.1 / 10
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Tercer largometraje de S. Craig Zahler, cineasta, novelista, fotógrafo y músico (baterista y vocalista de la banda de heavy metal Realmbuilder). Con el cual una vez más logra romper los cánones del género que se propone hacer suyo. Ya demostraba en el 2015 con Bone Tomahawk (un Western), su enorme creatividad y personalidad, ¿quién diría que el Cine de Serie B se mezclase tan bien con el Cine de Autor / Cine de Arte?, y en el 2017 con Brawl in Cell Block 99 (Drama carcelario). En esta ocasión, una interesante propuesta cerebral y violenta de cine negro contemporáneo que evoca la década de los 70's. 

Común en Zahler. Equipado de cierta crudeza cinematográfica opta por una narración pausada, estratégica, en donde las piezas se mueven como en un tablero de ajedrez (y tenemos una de las persecuciones más lentas y sigilosas del cine)... no por ello es que sea complejo, al contrario; lo suyo nunca ha sido un ritmo ágil, su idea no es regalarnos momentos de trepidante acción (cuál sea el género) o un drama en forma sino más bien aprovechar su historia para hacer desfilar a cada uno de sus personajes, y más importante para él, esos detalles tan familiares y cotidianos: el almuerzo en una cafetería o compartir un videojuego, así mismo, recrearse en diferentes subtramas que en realidad no conducen a ningún lado y poco aportan a la historia principal, pero enriquecen el ambiente y su microuniverso, a Zahler no le incomoda invertir 10 minutos en retratar a un persona que a los pocos minutos le reventará el cráneo. He ahí el detalle, su cine no es para cualquiera, y aquí estamos hablando de un metraje de más de 2 horas y media. 

Delincuentes reformados-desesperados, detectives cansados del sistema, y villanos cuasi inhumanos a lo Panos Cosmatos en Mandy. Una historia que avanza con total parsimonia para concluir este triángulo (de ambición y muerte: delincuente-detectives-villanos) en el post-atraco a un banco. Otro detalle a destacar es la cantidad de diálogos acompañado de tomas largas que componen el guion (la mayoría en voz de Gibson y Vaugh). 

En cuanto a la parte técnica, convincente actuación que incluye un cameo de Udo Kier; la fotografía de Benji Bakshi (constante en la filmografía de Zahler) reforzando esa atmósfera sucia y dura, la violencia sin preámbulos, sórdida, y esos dejos a Serie B, y algo que me ha encantado (aunque para nada soy fan del género): la banda sonora. El R&B, Funk y Dance de The O’Jays, Binary Reptile y Butch Tavares

¿La película más brutal? Por supuesto que no. Para nada. Tampoco la más violenta, ni mucho menos (como en algunos sectores se le acusó... así son los norteamericano...) gratuita, o con discursos racistas y de misoginia. ¿Es mi película favorita de Zahler? Me gustó, pero... al contrario de otras fuentes que la consideran su mejor exponente, a mí me gusto más  Brawl in Cell Block 99Bone Tomahawk.




Si la quieres ver en línea checa este enlace en Pelispedia.
También la puedes descargar desde este Torrent.


jueves, 18 de abril de 2019

The Sisters Brother


Director: Jacques Audiard
Guionistas: Jacques Audiard y Thomas Bidegain (basado en una novela de Patrick Dewitt)
País: Francia
Año: 2018
Duración: 120 min. aprox.
Trailer

Género: Western

Sinopsis: 1850. Charlie y Eli Sisters viven en un mundo salvaje y hostil, en plena fiebre del oro. Tienen las manos manchadas de sangre: la sangre tanto de criminales como de personas inocentes. No tienen escrúpulos a la hora de matar. Es su trabajo. Charlie el hermano pequeño, nació para matar. Eli sin embargo, sueña con llevar una vida normal. Ambos son contratados por el Comodoro para encontrar y matar a Hermann Kermit Warm, un buscador de oro. De Oregón a California arranca una caza despiadada, un viaje iniciático que pondrá a prueba el demencial vínculo entre los dos hermanos.


Reparto / Personajes

Joaquin Phoenix es Charlie Sisters
John C. Reilly es Eli Sisters
Jake Gyllenhaal es John Morris
Riz Ahmed es Hermann Kermit Warm
Rebecca Root es Mayfield
Entre otros


NOTA: 8.3 / 10
Ver escala de valoración



The Brothers Sisters es la octava y última película del cineasta francés Jacques Audiard. También es su primera incursión en el cine de habla inglés y en el género western. Un western de aspecto estadounidense rodada en España pero con la personalidad de Audiard. La película se basa en la novela homónima de Patrick Dewitt (si te interesa la puedes encontrar en librerías Gandhi.)

Un filme, como tantos otros clásicos western occidentales, caracterizados por hermosos y bastos paisajes del viejo oeste, que refulgen en el continuo duelo a muerte de sus protagonistas/antagonistas, interminables cabalgatas, persecuciones y burdeles. Sangre, sueños, una mar de direcciones donde su resultado dependerá no sólo de la audacia y pericia sino del azar. Una vez leída la sinopsis comprenderás que la historia no es tan compleja: un par de hermanos, asesinos a sueldo, salen de Oregon a California para encontrar al hombre que le robó a su empleador, El Comodoro. Sin embargo, es en donde observamos el ingenio de Audiard para hacer brillar la novela Dewitt, pues la sólida dirección está respaldada por un buen guión, y e ahí la razón por la cual es tan entretenida en sus dos horas de duración. Que si bien (desde un punto de visita más severo) The Brothers Sisters es demasiada ligera para ser un drama contundente, y a su vez, es muy intensa para ser “una comedia”, es ese mismo punto medio el que la hace especial (aunque admito en gran parte de la película sentí que le hacía falta emoción). Es alegre y melancólica, existencial y hosca, también, un pequeño éxodo en busca de redención, no sólo para los hermanos Sisters (en los cuales se enfoca más de película en construir), sino también para Morris y Warm.

Otro acierto es la calidad de sus personajes, sin duda el mayor peso cae por obvias razones sobre los hermanos Sisters. Charlie, el hermano menor, nacido para matar no ve más allá (entre la resaca y las prostitutas) que ser el hombre que esté en la cima del poder; sin embargo le hace falta estrategia y disciplina. Eli, el hermano mayor, carga sobre sus hombros el peso de ser casi un padre para Charlie, y antepone sus deseos de paz por cuidarlo. A pesar de haber en ellos el talento del asesino sin escrúpulos se les ve honestos, sufrientes y soñadores. Morris por su parte es un hombre con educación y de buena posición económica, que desprecia el sedentarismo de su familia, interesado en tener aventuras es que sale, con su diario de viajes en mano, a documentar la vida; y así por azar conoce a El Comodoro y a Warm, un químico y futurista, ambos piensan en crear una sociedad utópica y así darle sentido a sus vidas.Y claro, de poco nos sirven grandes personajes sin grandes actores, como Joaquin Phoenix (quien podemos recordar en You Were Never Really Here (2017), Irrational Man (2015) y Her (2013), entre otros, y que será nuestro futuro Joker), Gyllenhaal (Nightcrawler (2014), Nocturnal Animals (2016), Prisoners (2013), y un largo etc.) y en especial John C. Reilly, quien me parece hace el mejor papel de su vida (siempre me habían parecido él y sus personajes absurdos, abotargados y olvidables). 

En cuanto al ritmo, la película transcurre con ligereza, humor y soledad, para después de juntar sus cuatro personajes, volverlo en una historia de aventuras y luego, terminar en un clásico western. El diseño de producción, fotografía, y el vestuario son gratamente detallistas. La música a cargo de Alexandre Desplat (ganador del Oscar en el 2017 por la Mejor Banda Sonora con La Forma del Agua de Guillermo del Toro... otro buen ejemplo de su trabajo se escucha en Isle of Dogs de Wes Anderson) es extrañamente adecuada, melodías de jazz son las que acompañan este western.

Por último a mencionar, entre otros premios, ganadora a Mejor Director en el Festival de Cine de Venecia. 



Había puesto sus enlaces para verla en línea pero Blogger cancela entrada. 

Elizabeth Harvest


Director: Sebastian Gutierrez
Guionista: Sebastian Gutierrez
País: E.U.A.
Año: 2018
Duración: 105 min. aprox.
Trailer

Género: Terror - Ciencia ficción

Sinopsis: 'Elizabeth Harvest' es una historia de ciencia ficción que reimagina el cuento de Barba Azul, en el que un hombre violento acostumbrado a matar a sus esposas se enfrenta a una nueva esposa que no está dispuesta a sufrir el mismo destino que sus predecesoras.


Reparto / Personajes

Abbey Lee es Elizabeth
Ciarán Hinds es Henry
Carla Gugino es Claire
Matthew Beard es Oliver
Dylan Baker es Logan
Entre otros


NOTA: 5.6 / 10
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Séptima película de Sebastian Gutierrez; inspirada en el cuento de Barba Azul, originalmente recopilado y adaptado por Charles Perrault en 1697, que posteriormente tendría su versión dulcificada por los Hermanos Grimm. De manera breve, en el cuento (ya sea uno o el otro) tenemos como protagonista a una mujer inocente (más bien ambiciosa, ingenua y tremendamente curiosa) recién casada con Barba Azul. Barba Azul logra conquistar el alma de la joven con sus riquezas, las cuales ahora también son suyas, excepto una habitación. Cierto día Barba Azul sale de trabajo entregando todas las llaves de la mansión a su joven esposa, incluyendo aquella a la que tiene estrictamente prohibido entrar. Obviamente en su ausencia la joven entra a la habitación descubriendo una horrible verdad: en un primer momento no ve nada, las ventanas estaban cerradas. Después de algunos instantes distingue que el piso está cubierto de sangre coagulada, en la que se reflejan los cadáveres de sus exesposas colgados en las paredes... 

Por su parte, Gutierrez ofrece una versión futurista del mismo cuento. En el que Barba Azul es interpretado por un científico y millonario, quien con el paso de la historia, conocemos trabaja en un proyecto de clonación. También, cual Otelo de Shakespeare, profesa una opresiva pasión y amor hacía su nueva y joven esposa, a la cual le entrega todas sus riquezas excepto, una habitación. Gutierrez logra construir en primera instancia un melodrama de ciencia ficción con miras al thriller. ¿Qué tan satisfactorio es? Por desgracia no tanto como su prometedor inicio. Desde el momento en que Elizabeth abre esa puerta dando lugar a una serie de eventos violentos y fantásticos, el guion se hace un lío, haciendo que la historia se esfuerce en lucir compleja, siendo consumida por una exposición laboriosa a base de flashbacks. Recuerdos y memorias para explicar el secreto que yace en el laboratorio de Henry Barba Azul, escenas innecesarias y giros aún más innecesarios que alargan la historia, restando por mucho la intriga que en un principio había creado. Deficiencias narrativas. 

A su favor, la fotografía a cargo de Cale Finot, tan pulcra, elegante y plástica, que en veces opta por una explosión de azul y rojo más emocional (me recordó un poco, aunque no tan bella, como al trabajo de Natasha Braier en The Neon Demon de NWR). La constirbución del diseño de producción de Diana Trujillo también cabe mencionar, su mezcla de arquitectura y naturaleza. En cuanto a la actuación, bien pero sin destacar, el mismo guion les limita pese a que sus personajes podían dar más, en especial Abbey Lee que recordarás en Mad Max (2015) o The Neon Demon (2016) y el propio Ciarán Hinds. 

No está mal para pasar el rato... si es lo que buscas.



La puedes descargar desde el torrent de Bloghorror o bien ver en línea en Pelispedia.

lunes, 25 de marzo de 2019

Border


Gräns

Director: Ali Abbasi
Guionista: Ali Abbasi e Isabella Eklöf (una novela de Ajvide Lindqvist)
País: Suecia
Año: 2018
Duración: 101 min. aprox.

Género / Tópico: Fantástico - Drama - Romance

Sinopsis: Tina es una agente de aduanas reconocida por su eficiencia y por su extraordinario olfato. Da la impresión de poder oler la culpabilidad de un individuo. Pero cuando Vore, un hombre aparentemente sospechoso, pasa junto a ella, sus habilidades se ponen a prueba por primera vez. Tina sabe que Vore oculta algo, pero no logra identificar qué es.


Reparto / Personajes

Eva Melander es Tina
Eero Milonoff es Vore
Jörgen Thorsson es Roland
Sten Ljunggren es el papá de Tina
Entre otros


NOTA: 8.3 / 10
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Reivindicando a la raza humana. Border, del sueco Gräns (Frontera) es el segundo largometraje del iraní-sueco Ali Abbasi, director de Shelley (2011). En esta ocasión —para mi sorpresa, ya que últimamente no he tenido una buena experiencia con el cine escandinavo— Border supera toda expectativa, in crescendo. Una película difícil de difinir, hasta cierto punto bizarra, de realismo social, thriller policíaco, drama, romance y cine fantástico-mitológico; seguramente la película de cierta criatura más original (no quiero mencionarte qué criatura para no hacer spoiler). Basada en el cuento homónimo de Ajvide Lindqvist (autor de Let the Right One In, novela en la que se basó la película de Tomas Alfredson). 

Border... también pudo haberse llamado la película “Tina”. Enfoca su atención precisamente en Tina, una mujer que pese a la intimidación y al acoso que ha sufrido a lo largo de su vida, hoy en día, es un miembro funcional de la sociedad. Respetada (con ciertas reservas) por sus compañeros en la aduana, sobresale (ademas de por su rostro, las cicatrices y el bello que cubre su cuerpo) por su increíble olfato para percibir la culpa, el miedo, la vergüenza y la maldad de las personas, un talento invaluable para el equipo, nadie puede pasar algo de contrabando por su estación sin que lo detecte, ni si quiera la pornografía infantil, “huele a pederastas”. Es así, con humildad y un “perfil bajo” que transcurren sus días, entre el trabajo, la naturaleza con la cual se siente tan íntima (hermosos los boscosos paisajes y la fauna escandinava que captura la fotografía de Nadim Carlsen), las visitas a su padre quien sufre de Alzheimer y la convivencia con su “novio” (un criador de perros que sólo vive con ella por interés). Hasta que un día se cruza con Vore, un ¿hombre?, que ha llegado a su vida para transformarla, cuestionando así su origen y su futuro. ¿Es Vore el príncipe monstruoso con el que soñaba esquivar los relámpagos? 

Aunque la película, a mí gusto, tarda en arrancar y jamás logré sentir empatía por sus personajes. Creo que es una película muy diferente, y un logro en la carrera de Abbasi, comparándola con su primer largometraje (un aceptable ejercicio de horror psicológico, pero bastante prescindible), mucho mejor. En Border se percibe una mejor dirección, la historia por si sola resulta original, y el guión mezcla sobriamente una gama de géneros, dando lugar a un final tan fantasioso como lúcido. Por otro lado, es necesario mencionar su estupenda factura técnica, el diseño de producción hermosamente primitivo y la fotografía ya mencionada, la sutiliza del audio, y por su puesto, la calidad de su maquillaje y el enorme trabajo de actuación de Eva Melander y Eero Milonoff. 

Ganadora en Los Premios de Cine Europeo a Mejores efectos visuales, y en el Festival de Cannes a Mejor Película (Un Certain Regard). Por último, no olvidemos a Ajvide Lindqvist, de quien viene la historia en sí, habrá qué hacerse de algunas de sus novelas para ver qué tal, en librerias Gandhi se encuentra "Déjame entrar" y "Descansa en paz", la primera, aquella en la que se basó la película de vampiros del 2008 de Alfredson, y la segunda una novela de zombis.


La puedes ver en línea desde Pelispedia o bien descargar por torrent desde Bloghorror.

lunes, 18 de marzo de 2019

Tumbbad


Directores; Rahi Anil Barve y Adesh Prasad
Guionistas: Rahi Anil Barve, Anand Gandhi y Adesh Prasad
País: India
Año: 2018
Duración: 104 min. aprox. 

Género: Fantástico - Drama - Terror

Sinopsis: India, siglo XIX. En las afueras de Tumbbad vive Vinayak, hijo bastardo del jefe del pueblo, obsesionado con un tesoro ancestral. Sospecha que el secreto del tesoro lo conoce su bisabuela, una bruja maldita que lleva siglos dormida. Cuando se acerca a ella se topa con el guardián del tesoro, un dios maldito. Lo que empieza con unas pocas monedas de oro se convierte en un ansia que dura décadas. La avaricia de Vinayak sigue creciendo hasta que desata el mayor secreto de todos, que es incluso más valioso que el propio tesoro.


Reparto / Personajes

Sohum Shah es Vinayak Rao
Jyoti Malshe es la madre de Vinayak
Anita Date es la esposa de Vinayak
Ronjini Chakraborty es la doncella de Vinayak
Deepak Damle es Raghav
Piyush Kaushik es la abuela
Entre otros

NOTA: 7.5 / 10


Insaciable codicia. Primer largometraje de Rahi Anil Barve, premiado en el Festival de Sitges a Mejor Fotografía. Un cuento de horror, folclor y fantasía ambientado en la India, Maharastra, en siglo XIX. 

La codicia y el oro, la maldición de un dios caído. Según Tumbbad, este es el mito de Hastar: el mundo fue creado por la Diosa de la Prosperidad, quien dio a luz a 16 dioses y diosas. Hastar es el primogénito y el predilecto de la diosa, no obstante, su codicia y maldad eran tan grandes que el resto de sus hermanos se volvieron en su contra, la diosa para protegerlo lo aprisionó en su útero (la Tierra, nuestro mundo, un lugar basto en oro y grano, alimento de hombres y dioses): nunca sería adorado y su nombre sería borrado de la memoria de la humanidad por la eternidad. 

Aunque el dios caído nunca debía ser adorado ni mencionado, siglos después una familia de brahmanes en la aldea de Tumbbad encontró el camino hacia el útero de la Diosa de la Prosperidad, liberándolo de su sueño eterno. Su maldición sería su bendición aunque también su perdición: la inmortalidad y un hambre insaciable. Reducido a un demonio, Hastar lleva atado a la cintura un bolso con monedas infinitas de oro, el truco es ofrecerle una muñeca de harina y, mientras la devora, robar cuantas monedas sean posible. El punto es: ¿por qué conformarse con 2 si puedo robar 3? ¡Adelante! Pero una vez devorada la muñera no habrá qué detenga a Hastar. 

Una fábula acerca de la codicia y la ambición, más entretenida de lo que pensé. Si bien hay cierto paralelismo con otras historias del mismo tipo, se agradece la atmósfera que Rahi logra construir. Una historia que se enfoca en sí misma (más allá que en algún truco de cámara o efecto de sonido para intentar sacar un susto), en su mitología y fábula. La fotografía de Pankaj Kuma destaca bajo la lluvia o en los espacios cerrados iluminados a la luz del fuego. La actuación es aceptable; y la música... a pesar de que no es de mi agrado la música tradicional india (y menos sus musicales), afortunadamente Tumbbad no cae en excesos en ese referente. Quizá entre sus aspectos menos favorables tenemos los efectos especiales CGI, pero uno termina habituándose, la poca profundidad de algunos personajes (común en este tipo de historias) y el final, que es bastante abrupto. 

Buen debut cinematográfico, y película india. 



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También la puedes ver en línea en Pelispedia.

sábado, 9 de marzo de 2019

Un Couteau Dans le Coeur

Knife + Heart

Director: Yann Gonzalez
Guionista: Yann Gonzalez y Cristiano Mangione
País: Francia
Año: 2018
Duración: 110 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Años 70. Homosexualidad

Sinopsis: Paris, verano de 1979. Anne, una productora de películas porno gay baratas, es una mujer violenta, víctima del alcohol y de sus propios demonios. Cuando Loïs, su editora y pareja, la abandona tras años de relación, Anne queda destrozada. Desesperada y decidida a reconquistarla, hace una película mucho más ambiciosa. Pero un asesino misterioso enmascarado merodea en su entorno y esto alterará su vida.


Reparto / Personajes

Vanessa Paradis es Anne Parèze
Kate Moran es Loïs McKenna
Nicolas Maury es Archibald
Jonathan Genet es Guy
Khaled Alouach es Nans
Félix Maritaud es Thierry
Noé Hernández es José
Pierre Pirol es la boca de oro
Pierre Emö es Valentin
Entre otros

NOTA: 7.3 / 10
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Besos eternos / Adheridos como caracoles / Al mástil de marfil.
García Lorca.

¿Qué sería de la vida sin la pasión, sin la locura? Segundo largometraje del francés Yann Gonzalez. En mi opinión, su película más convencional (no por ello mala), que pese a sujetarse a algunos canones del cine, mantiene su estilismo onírico y fantasmagórico, la melancolía y su gusto por las artes plásticas (aunque no tan presente como en Les rencontres d'après minuit del 2013). Aquí un thriller-slasher-erótico-romántico-gay inspirado en el cine giallo de Brian de Palma y Dario Argento. 

La historia de “Una daga en el corazón” ambientada a finales de 1970, auge de la revolución sexual y los clubes gay, arranca precisamente en un club nocturno, en donde al ritmo de Trash me de Malaria! vemos bailar a un hermoso joven, quien después de observar en la oscuridad a un misterioso enmascarado, se pierde con él en busca de placer, que no será otra cosa que su asesinato, atado y jadeado de placer, será apuñalado en el recto. La víctima formaba parte de una compañía de porno gay liderada por Anne, que en ese momento se encuentra filmando su enésimo filme “Furia Anal”. Sin duda el asesinato (el primero de varios) pone en la mira de la policía y del atemorizado elenco de Furia Anal la existencia de un asesino serial de homosexuales, que, cual fantasma de la opera, aparece entre las tinieblas por una víctima más. Paralelo a ello, Anne busca con desesperación recuperar el amor de su ex-novia. De los cuartos oscuros homosexuales a las salas de cine y el detrás de bambalinas, un bosque encantado y las calles de París. De la electrónica industrial de los 80s a la poesía de Garcia Lorca.

Una película bastante entretenida con la visión gráfica de los asesinatos (no así del porno gay), que consigue mezclar satisfactoriamente el género de suspenso “policíaco”, el “homenaje” al cine giallo y la tragedia romántica. En donde sin duda, el papel de Anne brilla, como una mujer trastornada por los fantasmas de un amor y el alcohol, pero también, una figura matriarcal (tirana y amorosa) para su compañía de niños perdidos, esa suerte de hombres bellos y reales (gays de closer reclutados de las calles, en el caso de Nans en las construcciones), y otros declarados, travestis y transexuales. 

Otro enorme acierto es el lenguaje cinematográfico. Yann aprovecha el concepto del cine dentro del cine para juguetear con un montaje de cine vintage en 16mm (en donde las imágenes de “la vida real”, curiosamente parecen más surrealistas que las propias de la película Furia Anal o El Homocida). La fotografía de Simon Beaufils me encanta, el grano y esas luces neon color azul y rojo. La música otro gran detalle: Malaguena de Pico, Marie Laforêt, Malaria!, State Of Art o Nini Raviolette.

¿En donde está la falla? Aunque la atmósfera es estupenda, Yann no consigue mantener el suspenso. Tampoco, más allá de la angustia de Anne, dar vida a algún otro de sus personajes secundarios. Y el final, tremendamente insatisfactorio. El metraje no me molestó, pero quizá, para quien encuentre en algún punto esa falta de tensión, la duración de esta daga al corazón, comience a pesarle y a desear un guión más ágil. 

Aplaudo el giro en el cine de Yann (lejos de esa intelectualidad chocante de  Les rencontres d'après minuit), sin dejar su personalidad y originalidad. Entre otras cosas, si te gustó Vanessa Paradis te sugieró Café de Flore (2011) de Jean-Marc Vallée, y sí, a lo mejor reconociste a Noé Hernández, de la muy vapuleada (a mi no me pareció tan mala) Tenemos la carne (2016) de Rocha Minter. 


—Mi boca te devorará. —¡Querida, bésame, devórame!

Ayer el orgasmo. Mañana la muerte.

Cuando nos perdemos con el otro, los otros, una forma de amor poderosa, voraz, sin límites.


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martes, 26 de febrero de 2019

Piercing

Director: Nicolas Pesce
Guionista: Nicolas Pesce (basado en una novela de Ryû Murakami)
País: E.U.A.
Año: 2018
Duración: 81 min. aprox.

Género / Tópico: Thriller / Cine independiente USA - Comedia negra - Neo-noir

Sinopsis: Reed tiene un plan: hacer check-in en un hotel, llamar a una prostituta y asesinarla sin que ésta sea consciente de lo que está ocurriendo. Con tales intenciones después de despedirse tiernamente de su familia, abandona el hogar.


Reparto / Personajes

Christopher Abbott es Reed
Mia Wasikowska es Jackie
Laia Costa es Mona
Entre otros

NOTA: 7.3 / 10


Ella sólo es un sirviente, una esclava. Una erotómana suicida que ha enviado alguien que quiere que me vuelva loco. Necesito que grite y llore y suplique por su vida, y mírala: ahí sentada con la mirada empañada, sonriendo como una máscara de comedia mientras se imagina que la apuñalo hasta matarla. Mojada hasta la coronilla de deseo. Ryū Murakami.- Piercing.


Segundo largometraje de Nicolas Pesce basado en la novela homónima de Ryû Murakami. Aquí, una comedia negra neo-noir… y un ejercicio de autor que muestra las habilidades cinematográficas de su director. Protagonizado por Christopher Abbott (James White (2015) de Josh Mond) y Mia Wasikowska (Alicia a través del espejo (2016) de Bobin, La cumbre escalarta (2015) de Guillermo del Toro, etc.)

Como la sinopsis apunta, Piercing gira en torno a un padre de familia, que, a manera de reprimir sus instintos asesinos y así no apuñalar con un picahielos a su bebé, sale de “viaje de negocios” para asesinar a una prostituta. Reed es su nombre. En el hotel ensaya sus movimientos: saludar a la prostituta, limpiar sus huellas del picaporte, proponer una sesión de sadomasoquismo, el uso del cloroformo, el asesinato, el desmembramiento en la bañera, y al final, regresar a casa con su bella familia. Por cuestiones del azar la prostituta en cuestión será Jackie, una chica de cierta inestabilidad mental-emocional que dará un giro a los planes de Reed, resultando en una retahíla de sumisión y poder. 

Una propuesta interesante… que ve su mejor cualidad en su lenguaje cinematográfico (el uso del encuadre dividido y el color nos remite a la novela gráfica), banda sonora, fotografía, y diseño de producción (teatralidad, artificialidad y estilismo puro). El trabajo de Pesce brilla por su perfeccionismo, de modo que la composición de cada cuadro es algo digno de admirar. Sin embargo… en ello se queda, en estilismo. En The Eyes of My Mother (2016) Pesce ya mostraba su talento artístico (igual y es una cuestión de gustos pero a mí me gustó mucho más aquella película) y además de su poderío visual (un blanco y negro majestuoso), había una historia en forma. No es lo que sucede con Piercing... y no es que espere una replica del libro, nunca lo hago, de hecho disfruto de los cambios como una versión/realidad alterna de lo que leí, siempre ha sido así... pero me parece que la película de Pesce reduce el Piercing de Murakami a la comedia de un asesino frustrado. Extrae (a pesar de que hay escenas y diálogos idénticos a los de la novela corta) toda esencia para plasmar en pantalla, el mero acto fallido del asesino. No hay historia, no hay identidad en sus personajes, no hay profundidad, solamente el acto... desde el punto de vista de lo absurdo, y eso es algo que salta a la vista, hayas o no hayas leído el libro, esa vaciedad. 

Pero en fin, no está mal y dura menos de hora y media; y pese a que no me gustó mucho, creo que seré incondicional de Nicolas Pesce, su fuerza audiovisual me hace no dejar pasar cualquiera de sus películas. Cabe mencionar que actualmente trabaja en el remake de Grudge de Takashi Shimizu.

En cuanto a Piercing de Ryū Murakami, es un título totalmente recomendable; y ya que lo estoy mencionando... ¿te acuerdas de Audition (1999), aquella película icónica de Takashi Miike? Pues también está basada en la novela homónima de Ryū Murakami, Audition



La puedes Ver en línea en Pelispedia o también descargar desde este torrent.

viernes, 22 de febrero de 2019

Assassination Nation

Nación Salvaje

Director: Sam Levinson
Guionista: Sam Levinson
País: E.U.A.
Año: 2018
Duración: 110 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Adolescencia - Crimen - Internet - Cine independiente USA

Sinopsis: “Assassination Nation” se centra en cuatro adolescentes de los suburbios que pasan a ser el foco de atención de los medios después de que su información personal sea filtrada por un hacker anónimo.


Reparto / Personajes

Odessa Young es Lily
Suki Waterhouse es Sarah
Hari Nef es Bex
Abra es Em
Danny Ramirez es Diamond
Bill Skarsgård es Mark
Entre otros


NOTA: 6 / 10


Advertencias a tener en cuenta: Bullyng, Sangre, Abuso, Clasismo, Muerte, Alcohol, Uso de drogas, Contenido sexual, MASCULINIDAD TÓXICA, Homofobía, Transfobía, Armas, Nacionalismo, Racismo, Secuestro, Asesinato, Atentado, Acoso, SEXISMO, Tortura, Violencia, Lenguaje ofensivo, Gore, MÁS SEXISMO, EGOS MASCULINOS FRÁGILES. Ello anticipa en su inicio Assassination Nation. 

Segundo largometraje escrito y dirigido por Sam Levinson. Que... comentó en algún lado, intenta reflejar algunas de las realidades que van de la mano de la administración de Trump. ¿Qué tanto hay de ello? En sí la película se enfoca a la misoginia y el puritanismo estadounidense, reconociendo que tal odio y sexismo no son invento de nadie, sino una consecuencia lógica de una manera de pensar de antaño, y que desgraciadamente, con dicho presidente, para sus seguidores más ardientes, una legitimación. ¡Pero! No tomemos tan en serio a Levinson... su discurso es endiabladamente feminista... y nefastamente nacionalista; y si más de hora y media no le bastó, finiquita su acto con Lily Colson frente a la bandera de Estados Unidos señalando la injusticia, hipocresía y la enfermedad mental de la sociedad... transcribí un fragmento y después lo borré, mejor léelo/escúchalo, si es que las ves y llegas a esa parte. 

Dejando eso un poco de lado, "Nación salvaje", funciona como un híbrido de La Purga, Spring Breakers y Black Mirror. ¿Black Mirror? Uno de los “puntos fuertes” de Assassination Nation, y la base de su premisa: El mundo de hoy inmerso en las redes sociales y el internet ve como un medio para saciar sus deseos y depravación, dichas herramientas, una doble cara oculta detrás de los móviles y ordenadores, placeres secretos, en la oscuridad y a hurtadillas. Desde la pornografía infantil y el mítico snuff (de moda a finales de los 90's) a... las cosas que traen las nuevas generaciones... de "millenials" (packs, nudes, sexting, etc.). Tema clásico, ¿qué pasa si tales secretos dejan de ser privados y pasan a ser públicos? Seguramente a pocos les importa tu vida, pero en Assassination Nation serás humillado y perseguido, y quemado cual bruja o al menos ahorcado.

La historia es sencilla, bien lo dice Lily Colson al inicio “es la historia de cómo el pueblo de Salem perdió la maldita cabeza, pareciese que es una exageración, que no hay forma de que un suburbio entero se vuelva loco, pero sucedió.” Todo parte, con Lily (como protagonista) y sus amigas, cuando cierto día el alcalde es hackeado y su información privada (travestismo y manías sexuales) hecha pública, y como la sociedad defraudada le exige declinar, cuando el director de la escuela secundaria es hackeado y los padres ultra-moralistas son defraudados y exigen su renuncia, cuando medio Salem es hackeado y sus habitantes pierden la cordura, de la violencia en las calles a la histeria colectiva. En busca del chivo expiatorio que una vez sacrificado, traerá la paz a las buenas personas de Salem. 

Visualmente eficaz, una mezcla de close-up, capturas, y diferentes formatos de imagen, que gracias a su fotografía y diseño de edición, destaca. En cuanto a su ritmo, consigue ser fluido (aunque hay una clara irregularidad cuando inicia la violencia, "la purga"). En cuanto a su humor, bastante juvenil, repleto de "adolescentes" sexualizadas, deportistas con cuerpos atléticos, música ad hoc, y una población masculina machista a niveles descomunales, que refuerza el mensaje de Levinson... parece que quiere (si eres hombre) que te sientas culpable de admirar los pequeños shorts con que viste a sus actrices. El final, una locura sangrienta. El epilogo: absurdo (prefiero ignorarlo). 

¿Recomendable? Es entretenida y ligeramente insoportable. Está bien el detalle de la chica transexual (su inclusión), y pese al férreo feminismo, su mensaje de libertad si lo generalizamos. Por último, sólo a mencionar la aparición de un par de actores (aquí en roles muy X): Suki Waterhouse a quien tal vez recuerdes en The Bad Batch (2016) y Bill Skarsgård, quien hace de Pennywise en It (2017) y Zeitgeist en Deadpool 2 (2018.)



La puedes ver en línea en Pelispedia o descargar el torrent de Bloghorror.


martes, 19 de febrero de 2019

Dogman

Director: Matteo Garrone
Guionistas: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Matteo Garrone y Massimo Gaudioso
País: Italia
Año: 2018
Duración: 102 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Drama / Crimen

Sinopsis: El dueño de una estética canina a las afueras de Roma se deja influenciar por un delincuente local hasta que su vida personal se complica y decide tomar las riendas de la situación.


Reparto / Personajes

Marcello Fonte es Marcello
Edoardo Pesce es SImone
Adamo Dionisi es Franco
Alida Baldari Calabria es Alida
Entre otros


NOTA: 7.1 / 10


Inspirado en la crónica negra italiana (un suceso muy similar sucedió en 1988 entre Pietro de Negri y el boxeador Giancarlo Ricci) Garrone co-escribe y dirige Dogman. Un drama-thriller de doble lectura, por un lado retrata el poder de las relaciones destructivas caracterizadas por la intimidación, la agresión emocional, psicológica y física, en donde al débil no sólo le es imposible oponerse al fuerte (de hecho está dispuesto a sufrir y ser castigado en su defensa), sino estar lejos de él; y por otro lado, una muestra de los efectos contagiosos de la violencia, la violencia como enfermedad social. 

En Dogman, conoceremos a Marcello, un hombre divorciado que sólo vive para su hija y para hacer lo que más le gusta: trabajar con perros. Es dueño de una estética canina, ahí en alguna provincia italiana en donde la marginación y la violencia conviven con sus habitantes. Motivo por el cual no es de extrañar que sus ingresos extras provengan del narcomenudeo de cocaína, tampoco la relación que guarda, en consecuencia, con Simone. Un ex boxeador que a través de la fuerza e intimidación impone sus deseos, y alguien que al parecer sólo agrada a Marcello, dado que la comunidad completa le desea muerto. Y es que Simone no tiene códigos de honor o conducta, lo que quiere lo consigue y si no, lo destruye sin importarle los daños colaterales (Marcello). 

Un filme que nos muestra hasta donde puede llegar un hombre de “corazón bondadoso” cuando le es presionado hasta las últimas consecuencias, cansado de las humillaciones, del desprecio, del acoso y el daño físico.

Aunque el guion de Dogman me parece irregular (más con exactitud, después del salto de tiempo, en donde Garrone depura la historia) es una película que se deja disfrutar y es un buen ejemplo del cine italiano (y seguramente de parte de su sociedad) influenciado por las mafias y vendettas. Y ¿qué decir de la actuación de Marcello Fonte? Sin duda, lo mejor de la película. Entre otros aspectos sobresalientes tenemos su atmósfera, el dolor y la injusticia que transmite.

Premiada en el Festival de Cannes a Mejor Actor y en los Premios del Cine Europeo a Mejor Actor, Vestuario y Maquillaje. Dogman es la última película de Garrone, de quien también te recomiendo El taxidermista (2002), Primer amor (2003) y Gomorra (2008).



La puedes descargar por torrent dando click acá.
También la puedes ver en línea en Pelispedia.

sábado, 16 de febrero de 2019

I Think We’re Alone Now


Directora: Reed Morano
Guionista: Mike Makowsky
País: E.U.A.
Año: 2018
Duración: 93 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Ciencia ficción / Cine independiente - Futuro postapocalíptico

Sinopsis: El apocalipsis se muestra como una bendición oculta para un afortunado bibliotecario, hasta que un segundo superviviente llega con la amenaza de hacerle compañía.


Reparto / Personajes

Peter Dinklage es Del
Elle Fanning es Grace
Entre otros


NOTA: 6.8 / 10


De tránsfugas y solitarios. De la búsqueda de la soledad y el gozo de vivirla. I Think We’re Alone Now es el segundo largometraje de Morano, un drama pos-apocalíptico protagonizado por Peter Dinklage (Tyrion Lannister en Game of Thrones) y Elle Fanning (The Neon Demon (2016) de Winding Refn, Mary Shelley (2017) de Haifaa Al-Mansour, etc.).

¿Qué razones, además de un cataclismo biológico, conducen a la soledad del eremita y el misántropo? El orgullo herido, el fracaso social, las decepciones, generalmente una acción de protección y autopreservación. En algún momento expresa nuestro protagonista: Me sentía más solo cuando era yo y otras 1.600 personas en esta ciudad, que ahora que todos están muertos. Del es su nombre, un bibliotecario que pasa sus días despojando a la ciudad de sus huesos, irrumpe en cada hogar para limpiar sus habitaciones, vaciar los refrigeradores con alimentos en descomposición y dar sepultura a los cadáveres de sus antiguos residentes. En armonía consigo mismo y el exterminio de la humanidad, hasta que un día, repentinamente, su mundo se transforma con la aparición de Grace.

Morano construye una historia que en primera instancia dibuja -apoyada de su enorme fotografía-, un sentimiento de seguridad y confianza basado en la soledad, ¿quién podría dañarte si nadie existe?, paisajes solitarios de donde emerge la figura de Del. Para después, con la introducción de Grace, lanzarlo al desconcierto y al terror, ¿acaso no estamos solos? Es cuando, a pesar de ver su estilo de vida amenazado, y más importante aún, su posición en el mundo, Del ve en Grace (de carácter triste y encantador) alguien con quien compartir, con quien volver a ser humano. 

Un filme que se preocupa más por desarrollar la relación entre sus personajes, que en la realidad de su universo: ¿qué ha sucedido? No hay explicaciones del porqué la humanidad está al borde de la extinción, y es algo que a su directora no le interesa, tampoco a sus personajes. Quizá por ello hacía su recta final, en donde la película da un giro completamente del drama hacia la ciencia ficción, el resultado luce algo desarticulado y el final un ardid. Un título de cine independiente que pese a sus “fallas” me parece, es más entretenido de lo que parece (si nos dejamos llevar por la química de sus personajes), su fotografía y atmósfera. 

Ganadora en el festival de cine de Sundance del Premio Especial del Jurado.



Veamos que le depará el futuro a Reed Moreno en su faceta como directora, quien hasta entones era más conocida por su trabajo de fotografía en películas como Frozen River (2008), Kill Your Darlings (2013) y The Skeleton Twins (2014).


Si la quieres ver en línea checa en Gnula. También la puedes descargar usando este torrent.