domingo, 27 de septiembre de 2015

Bilocation Ura


Directora: Mari Asato
Guionista: Mari Asato (Novela de Haruka Hôjô)
País: Japón
Año: 2014
Duración: 121 min. aprox.

Género / Tópico: Terror - Drama / J-Horror

Sinopsis: Shinobu es una aspirante a pintora. Un día es acusada falsamente por usar dinero falso. Es cuando el Oficial de Policía Kano aparece y la lleva a un lugar. Cuando llegan allí, hay un grupo de personas reunidos. Todas las personas son conscientes de la existencia de un doppelganger que actúa y se parece a ellos. Ellos llaman a esa existencia "bilocación"


Reparto / Personajes
Asami Mizukawa es Shinobu Takamura
Yôsuke Asari es Masaru Komura
Ken'ichi Takitô es Takashi Kano
Kosuke Toyohara es Makoto Iitsuka
Chûkichi Kubo es Sakaki
Kent Senga es Takumi Mitarai
Maiko es Sayuri Mitamura
Shô Takada es Kagami
Wakana Sakai es Mayumi Isii


La bilocación es un fenómeno paranormal en el cual un individuo u objeto se encuentra ubicado en dos lugares distintos a la vez, siendo una proyección astral o más allá: corpórea. El concepto ha sido utilizado en una amplia gama de contextos históricos y filosóficos que van desde la filosofía griega al misticismo judeocristiano, pasando por el ocultismo, paganismo, hinduismo, espiritismo, teosofismo, etc., etc., así como en la literatura y el cine. En el cine tiene presentaciones varias, entre las más recientes recordemos a la ciencia ficción juvenil de +1 (2013) de Iliadis, y los thrillers psicológicos Enemy (2013) de Villeneuve y The Double (2013) de Ayoade, el primero basado en una novela de Saramago y el segundo en una Dostoievski.

Aunque distinta en el fin y las formas, similar a The Double, Bilocation gira en torno a la aparición de alter-egos más asertivos que sus sumisas proyecciones reales, quienes de carácter más débil les originaron al reprimir sus instintos en una crisis de estrés. A diferencia de The Double, comedia negra de corte psicológico, Bilocation es llanamente un filme drámatico de J-Horror. La adaptación de la cineasta Mari Asato –The Grudge: Girl in Black (2009)– se sirve de los tópicos del J-Horror para encubrir un Drama de estructura laberíntica y ciencia paranormal; éste, innecesariamente confuso y con más de un cabo suelto avanza de forma, ¿por qué no?, entretenida y efectiva, lástima que haga a un lado los intentos de dar un susto por los de enternecer al espectador.

Finalmente los doppelgänger son víctimas tanto o más, que sus versiones originales, ignorantes de su calidad de entes metamorfos desconocen que ellos mismos son la copia. Momento en donde Iitsuka juega un papel fundamental, al ser el líder del grupo de autoayuda de las personas que padecen bilocación, y al parecer el único que no la tiene. ¿Cómo descubrió la existencia de las bilocaciones y cuáles son sus verdaderas intenciones?, es un misterio, así como la participación de Kagami (topicazo japonés).

Un filme que se apropia del horror que significa la posibilidad de saberse suplantado por un doble y que progresivamente va abandonando los lares del terror para yacer en los del amor. La confrontación por la convivencia. Mención hice de los vacíos argumentales, son varios y molestos, pero Asato logra sacarle provecho al guion para involucrarnos (con todo y que su metraje es un poquito excesivo) y hacerlos tolerables. Por otro lado, considero funciona bien el tema de las bilocaciones como discurso de la constante opresión que vive el ser humano, sujeto a las normas sociales no puede ser presa de sus impulsos, estos deben ser sacrificados por un fin mayor: la paz. Tan acostumbrado se está a esto que en ocasiones varias es meramente resultado de la cobardía y falta de confianza, y ¿cómo distinguirlo?

Ligeramente aburrida en algunos de sus tramos, en general es aceptable. Cuarta película de Asato, con una actuación creíble de Asami Mizukawa… no así del resto de sus compañeros, relegados a ser accesorios. Poseedora de un giro argumental “novedoso” y un epilogo sobrado (checa después del falso inicio de créditos).


Frases

Si no me ves, entonces no soy yo

Mientras sigamos con vida las bilocaciones existirán y continuaran usurpando nuestras vidas. Pero también creo que podemos coexistir


Si la quieres descargar puedes hacerlo de este torrent.
Si la quieres ver online, click acá.

miércoles, 23 de septiembre de 2015

Cruel Restaurant


Zankoku Hanten

Director: Kôji Kawano
Guionista: Kôji Kawano y Satoshi Ôwada
País: Japón
Año: 2008
Duración: 73 min. aprox.

Género / Tópico: Terror / Gore - Serie B - J-Horror

Sinopsis: Lin es dueña del Restaurante Togen de dumplings y de una secreta receta de elaboración que los hace irresistibles. Pronto, comienzan a aparecer trozos de cuerpos humanos en la playa y desaparece gente cerca del restaurante. Un par de policias, una periodista y una mujer en busca de venganza por la desaparición de su hermana merodean el lugar; más un chef rival loco por descubrir la receta de los dumplings.

Reparto / Personajes
Mihiro es Lin
Sakae Yamazaki es Chin
Katsuya Naruse es Nojima
Yûsuke Iwata es Iwanomoto
Miho Funatsu es Shirizawa
Toshiyuki Teranaka es Shu
Chihiro Koganezaki es Masumoto
Kêsuke es Hoi


En “La importancia de vivir” escribió Lin Yutang: Nuestras vidas no están en manos de los dioses, sino en manos de nuestros cocineros. Escabroso si vemos el arte culinario envuelto en una sociedad anónima, donde la experiencia límite del gourmet y/o cocinero –no así el simple comensal– consiste en recrearse con los sabores, texturas y olor de la carne humana. De pronto nos acordamos de Hannibal Lecter, y por supuesto, del terror gastronómico de Fruit Chant en Dumplings (2004). Tan lejos estamos de esas exquisiteces porque Cruel Restaurant es un filme de Serie B protagonizado por una actriz porno.

Kawano nos ofrece un filme de bajo presupuesto menos interesante y divertido de lo pudo haber sido, una mezcla de gore ligero, comedia absurda y sexo asiático, o séase, 2-2 bizarro, senos pequeños y gemidos chillones. Ello de la mano de la ingenua señorita Lin, propietaria de un restaurante famoso por sus dumplings, y su incondicional carnicero, el señor Chin, cuando su restaurante es referente en las pesquisas de una columnista y un par de detectives, la primera investigando la desaparición de su hermana, los otros de un número indefinido de personas en la localidad. Lin deberá retomar las enseñanzas de su pervertido maestro para, además de la ley, lidiar con la curiosidad de una reportera y el acecho del desquiciado cocinero de un restaurante rival. 

De agradecerse es el intento de Kawano por intentar generar un giro argumental en lugar de una narración lineal de sexo y sangre, se echa de menos un porcentaje mayor de imágenes ridículamente grotescas pero que las cosas no sean lo que parecían, es un logro en este tipo de cine. Simpática y tenuemente oscura transcurre con brevedad (otro punto a favor, su metraje), no todos los chistes funcionan pero quizá pueda hacerte sonreír una que otra vez, y… bueno, la actuación suele ser lo de menos en estas películas, tendiente a lo absurdo, pero es curioso destacar a Mihiro, es la “mejor”. Diferente a lo que he visto de otras actrices porno, como Maria Ozawa, es convincente dentro de lo que cabe.

Si quieres conocer más a Mihiro como actriz porno basta con que cheques su nombre en xvideos.com, si es como actriz de acción y terror, tiene papeles menores en The Grudge: Old Lady in White (2009) de Miyake y Samurai Princess (2009) de Kaji, o bien como persona, en el 2010 bajo el título de Nude se estrenó su autobiografía dirigida por Yûichi Onuma y protagonizada por Naoko Watanabe, no la he visto pero a juzgar por el trailer tiene pinta de drama.



En fin, si quieres descargar Cruel Restaurant puedes usar este torrent

miércoles, 16 de septiembre de 2015

Starry Starry Night


Xing Kong

Director: Tom Lin Shu-Yu
Guionista: Tom Lin Shu-Yu (Cuento ilustrado: Jimmy Liao)
País: Taiwán
Año: 2011
Duración: 99 min. aprox.

Género / Tópico: Drama / Realismo mágico - Amistad - Adolescencia

Sinopsis: Basada en el libro infantil de Jimmy Liao, una imaginativa y tierna historia sobre el fin de la infancia. Protagonizada por Mei, hija única de un matrimonio al borde del divorcio y Jay, su nuevo y tímido compañero de gran talento artístico. Juntos emprenderán un viaje de madurez y aceptación.


Reparto / Personajes
Hui Ming Lin es Jay
Jiao Xu es Mei
Rene Liu es la mamá de Mei
Harlem Yu es el papá de Mei
Kenneth Tsang es el abuelo de Mei
Janel Tsai es la mamá de Jay
Lun Mei Gwei es Mei de adulta


Encantadora aventura de fantasía infantil que busca conectar con cualquier persona que haya experimentado no sólo una amistad pura e inocente sino en sí, ese sentimiento de injusticia emocional que a falta de madurez puede ser insuperable. Basada en el libro ilustrado del taiwanés Jimmy Liao, La noche estrellada narra el encuentro de dos almas gemelas enamoradas del arte, Mei, quien recientemente se enfrenta a la muerte de su querido abuelo y la inevitable separación de sus padres, y Jay, el niño nuevo del colegio, un chico que debido al alcoholismo y la violencia de su padre constantemente debe mudarse.

Segundo largometraje en la carrera de Tom Lin, triunfante a la hora de transmitir aquellos momentos de nostalgia, fragilidad y esperanza, apoyados por imágenes generadas en computadora para recrear el realismo mágico al que esporádicamente acuden nuestros protagonistas para escapar de la realidad, servidos de la metamorfosis de juguetes y animales de papel, el impresionismo de Monet y Renoir, el surrealismo de Magritte y el expresionismo de Van Gogh, siendo La noche estrellada de Van Gogh el eje de la narración y proporciona una de las secuencias más fascinantes… a lo mejor todo esto en general te recuerde un poco a Un puente hacia Terabithia (2007) :P ¡pero no te predispongas! Es diferente.

También, cuando Jay y Mei parten de viaje lejos de la contaminación lumínica metropolitana para contemplar las estrellas, Starry starry night puede traer el recuerdo del romance infantil de Wes Anderson, Moonrise Kingdom (2012), pero, y aunque sí existan muestras de cierta curiosidad sexual, Tom Lin apenas si lo sugiere prefiriendo enfocar el metraje hacia una dulce amistad, y de este modo, a pesar de la continua reiteración del rompecabezas como metáfora y no alcanzar el poder imaginativo que Anderson, nunca pierde sinceridad ni espontaneidad emocional.

En cuanto al epilogo, Me parece está de más, muy sobrado, pero dadas las circunstancias y siendo conscientes que al paso de los créditos apreciaremos las lindas ilustraciones de Liao, no nos importará. 

De actuaciones adecuadas y una fotografía que me ha gustado mucho a cargo de Jake Pollock, conocido por The Message (2009) y Monga (2010) donde puede apreciarse el mismo estilo.

Concluyendo. Bonita película que no necesita dibujarnos niños menores de 10 años para hacer de la imaginación y la inocencia la estrella de esta noche, con niños de 13 años puede lograrlo, y de forma creíble, y un tanto… reflexiva, cuando lo comparamos con la mentalidad torcida de la mayoría de los niños de nuestra realidad...



Frases

¿Cuándo fue la última vez que miraste las estrellas?

¿Crees que si morimos aquí en las montañas cuando la gente nos encuentre pensarán que fue de amor?


Si la quieres descargar puedes ir a este torrent.

domingo, 13 de septiembre de 2015

The Pavement


Director: Taylor Engel
Guionistas: Taylor Engel, Blake Engel y Christopher Connors
País: E.U.A.
Año: 2015
Duración: 3 min. aprox.

Género / Tópico: Cine Negro / Cortometraje


El pavimento, el pavimento; la noche, aquellos ojos, el cristal, el rojo, el humo, esos labios, su toque, la brisa, el pavimento. Espera. Regresa.


En menos de 3 minutos el nuevo cortometraje de Engel logra construir una deconstrucción de lo que parece ser un crimen de una noche de pasión. Trágico, manipulando el suspenso protagonizado no sólo por la voz en off sino en cada elemento, el triángulo amoroso, el disparo, el crimen, la sangre, la culpa. Un rompecabezas que remite al cine noir pero desde una perspectiva más dinámica y moderna, en busca de lo que fue y de lo que no, de la realidad.

Un bucle que retorna al mismo punto de partida. Destellos de memoria cuando el tiempo se expande con celeridad en el último hálito de vida. Detalles son los que forjan este pequeño thriller, no la trama.

Breve, elegante y poético. Se dice que Taylor y su hermano Blake (co-creador de este corto) han comenzado a trabajar en su primer largometraje del cual poco se sabe, pero esperemos sea interesante. 

Ashbury Heights - Hollow [Traducción // Español]


Hollow 

Los ojos sobre mí y los ojos sobre ti
Miradas que hacen nuestros sueños falsos
Tú y yo estamos completamente vacíos
Completamente solos en una manada de lobos

Estás en silencio con la boca abierta
Estoy gritando sin sonido alguno
Cuando hasta la última palabra no dicha
De repente es escuchada

Solía estar vacío
Sabía que estaba vacío
Pero no pude resistirme
Sabía que estaba vacío
Nunca quise escuchar
Mi corazón en esto

En el fondo del vaso
Puedo ver un futuro pasado
Reunidos perturbados
Personificando lo absurdo

Ahora nuestras palabras suenan extraño
Como si no supieramos quiénes somos
Océanos profundos, amplios horizontes
No puedo enmascarar lo que teníamos que ocultar

* * *

Hollow

Eyes on me and eyes on you
Looks that make our dreams untrue
You and I are full of holes
All alone in a pack of wolves

You're being quiet with an open mouth
I'm being loud without a sound
When every last unspoken word
Suddenly gets overheard

It used to be hollow
I knew it was hollow
But I just couldn't resist
I knew it was hollow
I never wanted to follow
My heart into this

In the bottom of the glass
I can see a future past
Came together less disturbed
Personifying the absurd

Now our words all ring bizarre
Like we don't know who we are
Oceans deep, horizons wide
Couldn't mask what we had to hide

jueves, 10 de septiembre de 2015

Mother


Madeo

Director: Bong Joon-ho
Guionistas: Bong Joon-ho, Park Eun-kyo y Park Wun-kyo
País: Corea del Sur
Año: 2009
Duración: 128 min. aprox.

Género / Tópico: Drama - Thriller - Intriga / Crimen

Sinopsis: Viuda durante mucho tiempo, una madre vive sola con su único hijo, Do-joon. Él tiene 27 años y padece de... cierta deficiencia intelectual; tras un terrible asesinato se convierte en el principal sospechoso. No hay evidencia que apunte contra él, pero la policía le acusa sin base simplemente porque no puede probar su inocencia. Ansiosa por cerrar el caso arresta al chico y su abogado se muestra incompetente. Sin otra elección, la madre se implica determinada a probar la inocencia de su hijo.


Reparto / Personajes

Hye-ja Kim es la madre
Bin Won es Yoon Do-joon
Ku Jin es Jin-tae
Je-mun Yun es Je-moon
Mi-seon Jeon  es Mi-sun
Entre otros


Aunque con menos títulos a la fecha que algunos de sus connacionales (Park Chan Wook, Kim Ki Duk) Bong es parte del grupo reducido de cineastas surcoreanos que ha logrado impactar gratamente y ser referente dentro del cine occidental. En Corea del Sur existe mucho talento, personalidad y creatividad, cualidades que tras el éxito de la democracia liberal en 1980 (derrocamiento de la dictadura) ha florecido y madurado en la última década, consolidando su industria cinematográfica y arrojando un buen número de títulos de calidad.

Tras la particular comedia negra que fue Barking Dogs Never Bite (2000) Bong ha mostrado un interés por redescubrir géneros como el thriller y el drama, hasta la ciencia ficción, el terror y el cine de monstruos con la finalidad de transmitir de una forma tan casual y con tal simpatía historias con una crítica social implícita, que no sólo hace llegar con precisión el mensaje sino en el transcurso generar empatía por sus personajes.

Efigie oscura del amor maternal, Mother evoca una imagen de la mujer desvinculada de la provista por el confucionismo, y transfigura los arquetipos del melodrama en una obra de cine negro, cuando una madre soltera de 68 años es testigo del encarcelamiento de su hijo oligofrénico de 27 años, presunto culpable de asesinato. Convencida de su inocencia, ante la indiferencia policiaca dará principio a lo que parecería imposible: una investigación personal dictada por su lógica y devoción, sorpresivamente efectiva. Con el paso del tiempo irá reconstruyendo los hechos y la vida de la joven víctima, llegando a una verdad que le hará cuestionar la integridad moral de sus actos, qué tanto está dispuesta a hacer para proteger a su hijo, la luz de sus ojos y razón de vivir. 

Ambientada en el provincianismo surcoreano Bong estriba su argumento en lo que podría ser un acto totalmente fantasioso: la capacidad de indagación de una mujer anciana y de bajos recursos superior a la de todo un departamento de policía, a una situación extrañamente concebible. Aunque no precisamente con el asombroso tono de intriga que consiguió con su primer thriller policiaco Memories of Murder (2003), opera entre pesquisas a través de la ternura y la violencia, y aciertos de humor negro.

Una buena película donde no solo demuestra su estilo sino su imaginería fílmica tras las cámaras, arrojando excelentes planos de belleza plástica. Mención especial a Kyung-Pyo Hong, a cargo de la fotografía (quién también participaría en Snowpiercer). En cuanto a la actuación, sabia elaboración del personaje por parte de Bong (hacer de una anciana y no una mujer joven la protagonista de un thriller), loable el trabajo de Hye-ja Kim; y Bin Won, embajador de buena voluntad de la UNICEF y protagonista en series románticas de TV y el drama bélico Tae Guk Gi (2004), aquí, lejos de la belleza que porta en aquellos títulos su caracterización si bien no tiene tanto peso es bastante convincente, vaya, de hecho es un poco irreconocible. 

Un filme agradable como toda la filmografía de Bong Joon-Ho. Ganadora de varios premios por Mejor Actriz debido al papel de Hye-ja Kim, a Mejor Película Extranjera por el Boston Society of Film Critics, y en los Asian Film Awards, entre otros premios en otros festivales. También, seleccionada por Corea del Sur como su representante en los Premios Oscar del 2010. 



Frases

Todo el mundo dice que yo la maté...

Su apodo era: La Chica del Pastel de Arroz. ¿No lo sabes? Le das arroz y te acuestas con ella.

Hay una zona en el meridiano que puede aliviar tu corazón y borrar esos horribles recuerdos de tu memoria.


Recomendable, si quieres la puedes descargar de este torrent.
Si no sabes como usarlos checa este enlace, si conoces enlaces para su descarga directa puedes compartirlos en un comentario.

miércoles, 9 de septiembre de 2015

R'ha


Director: Kaleb Lechowski
Guionista: Kaleb Lechowski
País: Alemania
Año: 2012
Duración: 7 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Ciencia Ficción / Cortometraje


Kaleb en una faceta aún de estudiante hace suyo un tema recurrente en la ciencia ficción: la rebelión de las máquinas. Tema post-apocalíptico que Asimov llamó “el complejo de Frankenstein”, popularizado por películas como Matrix y Terminator.

R'ha retrata a una raza alienígena en plena lucha contra las máquinas que ellos mismos crearon. Éstas operando con la única motivación de exterminar a las imperfectas criaturas orgánicas que les dieron origen.

Agradable y de una factura estupenda. En el 2013 Kaleb  mantenía charlas con el productor de Star wars, Rick McCallum, con la intención de hacer de R'ha un largometraje. ¿Qué sucedió con ello? No tengo idea. Posiblemente sólo quedó en charlas.

domingo, 6 de septiembre de 2015

Ashbury Heights - Glow [Traducción // Español]



No necesito ser sociable
No necesito ser factible
No hay necesidad de tener sentido
O ser un ladrillo más en el muro

Diminuto, diminuto, diminuto
Brillo disociativo, no, no
No tengo tiempo para perder, no
Tengo los medios para ser cruel
Tengo los medios para ser libre
De las máquinas parlantes

Y no necesito ser
Un modelo de conformidad
¿Sabes?
Y no necesito una excusa para la cordura
Porque soy único

No me importa ser simpático
Si eso significa ser predecible
No responderé a tu disposición
Porque hace mi mundo gris y aburrido

Diminuto, diminuto, diminuto
Brillo disociativo, no, no
No tengo tiempo para perder, no
Tengo los medios para ser cruel
Tengo los medios para ser libre
De las máquinas parlantes

Y no necesito ser
Un modelo de conformidad
¿Sabes?
Y no necesito una excusa para la cordura
Porque soy único

* * *

I don't need to be sociable
I don't need to be probable
There's no need to make sense at all
Or to be a brick in their wall

Low, low, low
Dissasociative glow, no, no
Got no time to kill, no
Got the means to be mean
Got the means to be free
From the talking machines

And I don't need to be
A model of conformity
You know?
And I don't need an alibi for sanity
Cause I'm my own

I don't care to be likeable
If that means to be predictable
I ain't gonna answer your beck and call
As it makes my world grey and dull

Low, low, low
Dissasociative glow, no, no
Got no time to kill, no
Got the means to be mean
Got the means to be free
From the talking machines

And I don't need to be
A model of conformity
You know?
And I don't need an alibi for sanity
Cause I'm my own

Autumn Blood


Director: Markus Blunder
Guionista: Stephen T. Barton y Markus Blunder
País: Austria
Año: 2013
Duración: 100 min. aprox.

Género: Drama - Thriller

Sinopsis: Cuenta la historia de dos hermanos que tienen que soportar las dificultades insondables en su lucha por permanecer juntos. Inicialmente viven una vida idílica con su madre en una remota región montañosa. Pero cuando su madre muere quedan a su suerte. Temiendo la posibilidad de ser separados, ya que ninguno de ellos es mayor de edad, deciden enterrar a su madre sin notificar a las autoridades quedando así a merced de la naturaleza y sus vecinos de la aldea. 


Reparto / Personajes

Sophie Lowe es la chica
Maximilian Harnisch es el niño
Jacqueline Le Saunier es la madre
Peter Stormare es el hombre
Gustaf Skarsgård es el carnicero
Samuel Vauramo es el cazador
Tim Morten es el amigo del cazador y carnicero
Annica McCrudden es la trabajadora social


Interesante debut de Markus Blunder situado en los pastos alpinos de Tirol, Austria, en donde el silencio sólo es roto por el crujir de las ramas al trote de los venados, el cencerro de una vaca o el correr del rio y sus cascadas. Una visión de majestuosas montañas cubiertas en sus vértices por nieve, que guardan en su seno la belleza virginal de nuestra protagonista. Quién diría que pronto sería mancillada por la lujuria de los hombres.

Cuando uno lee la sinopsis es inevitable no remitirse a uno de estos filmes donde el abuso sexual y la venganza van en par, I Spit on Your Grave (1978) de Zarchi o Irreversible (2002) de Noé, por citar ejemplos. Sin embargo estamos tan lejos de la realidad, porque no son las formas ni es el fin. En este Otoño Sangriento quienes exigen venganza, maniatados e impotentes sólo somos nosotros, porque nuestros personajes de inocencia quebrantada sólo quieren vivir, aunque para ello deban sobrevivir. Asustados como venados asechados por el cazador furtivo. 

Partiendo de la muerte de su padre y escenas expositivas de los niños, las tareas diarias propias de las montañas, el juego al aire libre y el cuidado de una madre enferma, transcurre la primera parte del filme; posteriormente todo es convencionalidad hasta finalmente suceder la muerte de la madre y la inevitable violación de la chica. Una escena dolorosa, que trastocará esto de una forma desconcertante, hasta cierto punto predecible pero no sabemos realmente qué sucederá. Lo cierto es que una violación no es suficiente cuando se desconoce la justicia –parece que en este pueblo la única justicia es la del más fuerte y la del silencio–, y la reiteración es lo único seguro. Estos hombres van a repetir. 

Blunder se abstiene del diálogo en lo mayor posible, y de nombres totalmente, para dar paso a la expresividad propia de los personajes, su objetivo más allá de recrearse en la evidente causa es hacerlo en el efecto, el suceso es importante, la violación es decisiva, pero más las decisiones y reacciones emocionales que conlleva. 

Apoyado en la proximidad e intimidad de los personajes (ya no tiene qué conversar) es creíble la ausencia del diálogo, pero después… no sé hasta qué punto juega esto a favor… o en contra. Como metáfora y vía de comunicación de la familia en las montañas funciona, no así en el mundo de los hombres, obligar a estos a comunicarse a través de gruñidos rompe la credibilidad del relato. En mi opinión, Blunder no debió apegarse tanto a sus propias reglas. No cualquiera sabe hacer suyo el mutismo. 

Respeto a la actuación, a excepción de Sophie Lowe (destacable, aunque no entiendo por qué tiende a andar desnuda por el bosque), los demás en ocasiones decaen, ejemplo, el hermanito: ya sea esté a punto de morir, arreando vacas o violen a su hermana tiene la misma expresión. Punto y aparte el desaprovechamiento de algunos personajes: el ¿padre biológico?, y la trabajadora social.

Con aciertos y desaciertos es una película de belleza paisajista, con una hermosa protagonista y una historia de violencia emocional. Ganadora como mejor película el Festival de San Diego, el Internacional de Irvine y en los Hollywood Film Awards. Un notorio debut.



Si la quieres descargar te sugiero este torrent.
Si la prefieres ver online click acá (no olvides picarle en 1080p).

viernes, 4 de septiembre de 2015

Ashbury Heights - Masque [Traducción // Español]



Me crié en distracciones
Fuera de sincronía del resto de la humanidad
Realmente traté de armonizar
Pretendiendo ser parte del paisaje

Me hizo parecer más humano
En un mundo tan espantoso
Me hizo pasar por normal
Entre lo mejor y lo neutro

En el mejor de los días soy un arma cargada
En el peor de los días soy una vela consumida
Y el viento sigue derribando mi casa
Cambiando de dirección de norte a sur

Siempre dije lo que pensaba
Como un rinoceronte embistiendo las parades
Y cuando te enamoré
Nunca dije las palabras

Quizá sonó mal
No sé de dónde vino
La verdad puede doler a veces
Al igual que las grandes mentiras

En el mejor de los días soy un arma cargada
En el peor de los días soy una vela consumida
Y el viento sigue derribando mi casa
Cambiando de dirección de norte a sur

* * *

I was raised on distractions
Out of sync with the rest of humanity
I really tried to blend in
Pretending I was part of the scenery

It made me seem more human
In a world less gruesome
It made me pass for normal
Among the high and neutral

On the best of days I'm a loaded gun
On the worst of days I'm a burned out candle
And the wind keeps blowing down my house
Changing direction north to south

I always spoke my mind
Like a rhinoceros charging into walls
And when I courted you
I never said the words at all

Maybe it came out wrong
I don't know where it came from
The truth can hurt sometimes
Like the greatest lies

On the best of days I'm a loaded gun
On the worst of days I'm a burned out candle
And the wind keeps blowing down my house
Changing direction north to south


jueves, 3 de septiembre de 2015

Arirang


Director: Kim Ki-duk
Guionista: Kim Ki-duk
País: Corea del Sur
Año: 2011
Duración: 100 min. aprox.

Género: Documental / Drama

Sinopsis: A través de Arirang, franqueo una colina de mi vida. A través de Arirang, intento comprender al ser humano, le doy las gracias a la naturaleza y acepto mi situación actual. Estamos ahora en el mundo de los hombres, donde se entremezclan los deseos, en el mundo de los fantasmas, repleto de dolor, y el mundo imaginario, donde se esconden nuestros sueños, sin principio ni final, volviéndonos locos lentamente. ¿Qué es el afecto, que anida aquí y allí en mi corazón y me pudre de esta forma? ¿Por qué se mantiene sobre mi cabeza para cuestionar mis emociones? ¿Por qué se esconde en el fondo de mi corazón para poner a prueba mi compasión? Cuando no le abro mi corazón a alguien, me convierto en una mala persona y le olvido, pero cuando le abro mi corazón, no le dejaré partir nunca, como un ser despreciable. ¡Oh, Arirang! De acuerdo. Matémonos cruelmente en nuestros corazones hasta la muerte. Incluso hoy, aún controlándome, me dejo invadir por la rabia con una sonrisa en los labios, me estremezco de celos al querer, odio al tiempo que perdono, tiemblo mientras ardo en ganas de matar. Esperad. Voy a suicidarme, yo que me acuerdo siempre de vosotros.


Reparto / Personajes
Kim Ki-duk es Kim Ki-duk


Culturalmente siempre acompaña a la figura del artista el vínculo entre la creatividad y la locura. El tipo de locura que suele ser proclamada por el mismo creador. Ahora, ¿qué tan inherente es la hipomanía al artista? Me parece bien podemos concebir la naturaleza del creador y sus producciones dentro de los límites de la normalidad en un sistema más metódico, sin que ello involucre una falta de honestidad creativa (no todo artista tiene que ser un loco o bien, no todo artista sufre un estado de frenesí al crear)… supongo la mayoría no son “locos”; pero por supuesto, y no es que peque de ingenuidad, creo existen los artistas desequilibrados, no simplemente excéntricos, sino artistas natos, pasionales e hipomaníacos, en donde tacharles su egocentrismo resulta superfluo. 

Arirang puede leerse fríamente como el producto de un ególatra al que de pronto se le acabaron las ideas y sensibleramente quiso excusar su falta de creatividad, y en ello, el pretexto perfecto para vanagloriarse de su filmografía, de sus premios y el impacto que ha tenido en la sociedad surcoreana, y hasta encontrar un momento para mostrar su faceta como pintor. Yo… no sé si sea por el afecto que le tengo como director y guionista que no lo veo así, le creo, no encuentro en Arirang el monumento a su egolatría que algunos vieron, sino algo más sincero y honesto, no el resultado de un capricho, sino una necesidad. 

En este documental Kim Ki Duk nos habla del motivo de su ausencia en el ámbito cinematográfico, 3 años de silencio que para otros puede ser nada –hay directores y guionistas que desaparecen hasta por 5 años o más y no hacen este drama– pero para él, considerando su perfil de artista nato, fue una agonía. Sin una educación formal en el cine, entregada su niñez a la agricultura, su adolescencia a la producción fabril, su juventud a la milicia y finalmente como acólito budista a la pintura, de forma incidental descubrió su amor por el cine y sus facultades como guionista. Dedicándose en vida y alma a este arte, escribiendo y dirigiendo en promedio dos películas por año, un cine bastante original y particular repleto de personajes marginados no con una connotación consciente de ser una minoría sino más bien enfocado a su aislamiento, a la soledad y el retraimiento voluntario, imposibilitados a encajar en el mundo. Un cine dramático, cruento, tan brutalmente violento como sutil, repleto de una iconografía budista, simbolista y una demostración sumamente retorcida de las concepciones morales y éticas del ser humano. 3 años que para Kim fueron una tortura.

Puesto en duda su futuro en el cine y tentado con el retiro permanente, decide aislarse del mundo en una montaña hasta que un día toma su cámara y opta por entrevistarse y encontrar el camino que había perdido. Ofreciéndonos un monólogo en el cual narra la impresión traumática que le provocó el poner en riesgo la vida de una actriz en su película Dream (2008); el deterioro de los valores y la lealtad que hay en la industria cinematográfica, el amiguismo, al sufrir la traición de su aprendiz Jang Hoon quién después de dirigir los guiones Beautiful (2008), Rough Cut (2008), y Poongsan (2011) escritos por el propio Kim, decidió excluirlo en favor a la relación con productoras y actores con mayor renombre; nos habla de su anhelo, lo importante y lo doliente que es para él este vacío creativo; nos habla acerca de su vida y sus ideales.

Es el desahogo de un hombre orgulloso de su trabajo ¿por qué ocultarlo?, el cual desnuda su persona para mostrársenos presa del alcohol, del insomnio y del llanto, solitario y marginado como los personajes de sus películas, en búsqueda de alguna catarsis símil a la del monje de Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera (2003). 

Este mismo 2011, Kim seca sus lágrimas, escribe, dirige y produce después de Arirang, Amen, una metáfora del amor rodada casi con los ínfimos recursos que Arirang, deslucida y apática. Para resurgir cual ave fénix en el 2012 con Pietà y llevarse el León de Oro por la Mejor Película en el Festival de Venecia.

Arirang es completamente prescindible si no conoces al director, es tal cual la palabra: el nombre de una canción pero en sí, una palabra sin significado. Es el título de una de sus películas que posiblemente pudo no existir y a nadie le importaría. Pero sí te consideras seguidor de este director (antes de Arirang vi 18 de sus películas) seguramente te gustará, es un excelente complemento que nos ayuda a entender a este genio, y… al rememorar cada una de sus películas verás en ellas no un producto de su invención, sino una parte de su propia vida.


Frases

Mis películas describen el caos de la vida.

Como no puedo hacer una película me filmo a mi mismo. Ahora mi vida no es sólo un documental, si no también una película dramática.



Si la quieres descargar te sugiero este torrent.