jueves, 10 de mayo de 2018

You Were Never Really Here


En realidad, nunca estuviste aquí

Directora: Lynne Ramsay
Guionista: Lynne Ramsay (basada en la novela de Jonathan Ames)
País: Reino Unido
Año: 2017
Duración: 95 min. aprox.

Género / Tópico: Thriller - Drama / Secuestros

Sinopsis: Joe, ex marine y veterano de guerra, es un tipo solitario que se gana la vida rescatando jóvenes de las garras de los tratantes de blancas. Un día recibe la llamada de un político porque su hija ha sido secuestrada.


Reparto / Personajes

Joaquin Phoenix es Joe
Ekaterina Samsonov es Nina
Alex Manette es el senador Votto
Dante Pereira-Olson es Joe de niño
Judith Roberts es la madre de Joe
Entre otros

NOTA: 8.8 / 10
(Ver escala de valoración)


Entre otros festivales, premiada al Mejor guion y Mejor actor (Phoenix) en el Festival de Cannes (2017), You Were Never Really Here es la última película de Lynne Ramsay, directora y guionista de Ratcatcher (1999), Morvern Callar (2002), y Tenemos que hablar de Kevin (2011). Una cineasta con un estilo personalísimo y mucho arte.

En este ocasión, una película de suspenso y acción, desde la perspectiva del cine de autor, que procura sus intenciones más en construir y deconstruir a su justiciero urbano, que en ofrecer una visión del tema que le envuelve (esta cuestión de la trata, la corrupción humana e institucional, y la explotación sexual de menores), si bien es el mundo contra el que nuestro antihéroe combate, no es el objetivo de Ramsay, sino ofrecer un retrato íntimo de Joe, a base de flashbacks que nos contarán la violencia intrafamiliar que sufrió durante su niñez y algunos de sus recuerdos como parte de las fuerzas en Afganistán. ¿Trillado, no? Sin embargo, no vemos en Joe el clásico antihéroe torturado en busca de venganza. Más bien a un personaje que ha hallado en su profesión la mejor forma de ocupar sus habilidades. Silencioso, solitario y torturado, pero jamás vengativo, un hombre bastante moderado y rutinario que cumple con su “deber” y cuida de su anciana madre. De manera que pese a haber un par de sucesos de suma relevancia en You Were Never Really Here, nos da la impresión de que es esto que presenciamos (o presenciaremos) es y será sólo “un mal día” en su vida.

Impresionista y gratamente sensorial Ramsey nos presenta a Joe y a su protegida Nina. El primero estoico y voluminoso, bastante endurecido y lacónico, nunca es presa de la ira. La segunda, un personaje que poco conoceremos, pero clave en todo momento… (es donde entra el guion y las formas de Ramsey, Nina es una víctima, pero el transcurso de los hechos le hacen omnipresente y enigmática). Una propuesta muy agradable, que desgraciadamente como la mayoría de títulos de cine de autor si nos cautiva pero es incapaz de tocarnos, de que generemos empatía por sus personajes (excéntricos); sin embargo, resulta bastante entretenida, poseedora de algunas escenas brillantes, logra maravillarnos con su factura técnica y lenguaje cinematográfico. Una fotografía estupenda a cargo de Thomas Townend, mismo que participó en Tenemos que hablar de Kevin, plegada por una variedad de ángulos y travelling, el recurso de las cámaras de seguridad, y una paleta de colores que nos sumerge a un mundo diferente cada que estamos o en un callejón nocturno y goteando, los interiores de una mansión, una humilde vivienda, o las calles de Queens. Por supuesto la actuación es otro aspecto a destacar, el trabajo de Joaquin Phoenix a quien recordarás en la autobiografía de Johnny Cash, Walk the Line (2005), Her (2013) o Irrational Man (2015) de Woody Allen, tanto por su actuación como por su caracterización, y la casi debutante Ekaterina Samsonov… que ahora que lo pienso, su mayor aporte está en su belleza adolescente. Y bueno, mención especial se merece la banda sonora a cargo del multi-insturmentista Jonny Greenwood de Radiohead, que es lo que finalmente viene coronando el filme.

Como lo mencionaba antes, me dejó bastante frío, pero no por ello me dejo de gustar. Es de apreciar su tesitura artística, y esa oda que hace a la violencia. Esa danza en la cual no todo es frenetismo sino también parsimonia y un bello vaivén. A ratos la violencia estalla con el sonido sordo de una bala atravesando un cráneo, otras, nos impide verlo, sólo atestiguando la mirada de su ejecutor. Explicita y a la vez sugerente. En cuanto al final, me encantó. 

Si te gustó Tenemos que hablar de Kevin, debes de verla. También si te agrada el cine de autor... y hasta tal vez, aunque es una perspectiva muy diferente, si buscas (pero con más arte) una versión de Punisher. Como dato extra, en México el libro lo encuentras en librerías Gandhi. 



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martes, 1 de mayo de 2018

Mutant Aliens


Director: Bill Plympton
Guionista: Bill Plympton
País: E.U.A.
Año: 2001
Duración: 81 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación - Ciencia ficción / Extraterrestres - Cine independiente 

Sinopsis: Un astronauta es enviado al espacio, pero una vez fuera de la órbita terrestre el pobre es traicionado por sus colegas que se han quedado en la Tierra, y lo abandonan en el espacio, liberando todo el combustible de la nave, con el objetivo de utilizar su tragedia interestelar para recaudar fondos destinados al Centro de Investigación Espacial. Vagando allí durante años, es rescatado por unos alienígenas.


NOTA: 8.4 / 10


Debo admitir que  recientemente me estoy acercando a los largometrajes de Bill Plympton, de quien sí, ya había visto muchos de sus cortometrajes, pero no largometrajes; resultando Idiots and Angels (2008) mi primera película y una experiencia maravillosa, que pese a no contener las características-gamberradas típicas de su animación, es uno de mis títulos favoritos (tan mágico) de la animación. La segunda es Mutant Aliens… la cual no recomendaré con el mismo fervor que Idiots and Angels, pero hay que ver. Me parece el entretenimiento que nos ofrece el trabajo de Plympton es bastante estimable, no sólo por su factura técnica (que vale mucho) tan artesanal y lejana a los márgenes de los grandes estudios, sino también por su identidad creativa y pese a que en ocasiones “abusa” de las referencias (el ejemplo es esta película) conserva cierto toque de originalidad, y un humor socarrón tan inocente e ingenuo como obsceno y sátiro. 

Cargada del estilo Plympton –sátira, sexo y violencia–, Mutant Aliens recurre a algunos elementos de la cultura pop y a los clichés de los thrillers de ciencia ficción de los años 50’s para relatarnos la historia del heroico astronauta Earl Jensen, quien fuese abandonado en el espacio tras el sabotaje de su nave por el Dr. Frubar, la idea de Frubar es obtener fondos adicionales lucrando con dicha tragedia. Veinte años después Jensen regresa milagrosamente, para el deleite de su hija ahora una astrónoma, y el fastidio de los planes (siempre moldeables y oscuros) del Dr. Frubar. Sin embargo Jensen no está sólo, y junto a su hija, su futuro yerno y una sociedad de alienígenas, más cercana a nuestros personajes de lo que supondríamos, iniciaran un plan de venganza contra el Dr. Frubar. Pues Jensen no es fácil de vencer, por algo es que sobrevivió a un planeta hostil poblado por narices, bocas y ojos guerreros. 

Menos sardónico de lo que pienso pretendía ser, es un filme que ve en su "aspecto negativo", precisamente esos temes que introduce para fortalecer sus intenciones (esa onda gamberra y punzante): el encuentro sexual de Josie y su novio Derby, y su mofa a la religión, me parece le da minutos de más que en vez de aportarle sustancia al metraje le suma irregularidad. ¡Pero! Da lo mismo. El cinismo de su humor es tan efectivo que uno lo acepta sin problemas, disfrutando de la exagerada dosis de violencia cómica, y apreciando la inocencia de sus mutantes asesinos. 

La siguiente película que espero platicarte es I Married a Strange Person!, y yo quisiese fuese después Cheatin' o Hair High (Tupé), pero se me está complicando mucho encontrarlas. Por último, comentar que Mutant Aliens en el 2001 gano el premio al Mejor Largometraje en el Festival de Annecy.



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martes, 24 de abril de 2018

House of the Disappeared


Si-gan-wi-ui Jib
La Casa de los Desaparecidos

Director: Lim Dae-woong
Guionista: Jang Jae-hyun
País: Corea del Sur
Año: 2017
Duración: 100 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Sobrenatural

Sinopsis: Todo comenzó hace 25 años, Mi-Hee una ama de casa normal y corriente ve como su marido muere en extrañas condiciones y como su único hijo desaparece ante sus propios ojos. Esto provoca que como única testigo y posible culpable acabe en prisión durante estos 25 años. Ahora tras su liberación volverá a la casa donde todo empezó, esta vez para descubrir la oscura verdad que llevo a ese fatídico desenlace.


Reparto / Personajes

Jae-yoon Jo es Chul-joong
Yunjin Kim es Kang Mi-hee
Taecyeon es el sacerdote
Entre otros

NOTA: 7.5 / 10
(Ver escala de valoración)


Último largometraje de Lim Dae-woong; un director que ha demostrado a través de su carrera un interés por el terror y el suspenso. En esta ocasión nos trae una película, más… difícil de clasificar, un ejercicio de suspenso a la luz del terror sobrenatural que afortunadamente en su trayecto final gira hacia el tema de la ciencia ficción. Sin duda su mejor película hasta el momento, y pese a un hecho (ya lo mencionaré más abajo) que me incomodó toda la película, creo que es un filme recomendable, no tan genial pero sí con la capacidad de dejarnos satisfechos. También debo mencionar que es el remake de la película venezolana La Casa del Fin de los Tiempos (2013) de Alejandro Hidalgo, de la cual hasta donde sé, sólo es la premisa, Lim Dae-woong y su guionista Jang Jae-hyun han cambiado algunas cosas. 

Pasan los años y el cine surcoreano que en algún momento nos impresionó con las características de su cine de terror sobrenatural, al menos en ese aspecto, se ha desgastado y repetido bastante, hay que aceptarlo; por ello es de reconocer doblemente cuando una película de este tipo rompe el esquema (ahí tenemos The Wailing (2016) de Na Hong-jin, una película bastante original que conjunta lo sobrenatural con el thriller policíaco). Me parece House of the Disappeared también podría ser un buen ejemplo (aunque menor en comparación a la citada The Wailing)… ¿qué decir de la historia que nos cuenta La Casa de los Desaparecidos? Nada. Suficiente con que sepas que ahí desaparece gente y la sinopsis, cualquier otra cosa te estropearía las cosas. Así que sólo puntualizaré aquello que me gustó: su habilidad para sorprendernos en primera instancia, y en segunda, para complacernos. 

Empleando como su recurso principal el flashback (el pasado y el presente se mezclan sin interferir con el ritmo de la historia), Lim Dae-woong dota a su filme en sus dos primeros tercios de una atmósfera sobrenatural (es claro que hay una fuerza oscura en la casa): apariciones constantes, sonidos y ruidos inexplicables, e incluso la presencia de una mujer chamán; de manera paralela, un sacerdote inicia una investigación (¿en verdad aquella mujer asesinó a su familia?). Hasta aquí, todo es bastante común, sin embargo en su último tercio es el punto donde Lim nos dice: No es una película de terror. No lo es. Un giro argumental que nos da una perspectiva completamente diferente de los hechos, y a partir de la cual el misterio se irá esclareciendo. Sin pausas, las acciones se suceden una tras otra hasta llevarnos a su desenlace (tristemente predecible… pero… ya nos ganó, al menos a mí, la simpatía, no es tan fantástico pero si agradable de ver como todas las piezas van encajando con precisión). No voy a hacer spoiler pero si gustas hasta aquí deja la lectura para no predisponerte.

Puntos malos. La música no es destacable… pero está bien. Lo que sí es incómodo es la caracterización y el maquillaje. La actuación de Yunjin Kim, a quien recordarás en la serie de TV Lost es buena, lo malo es que debieron de: o mejorar el maquillaje o agregar a otra actriz. Yunjin Kim hace de Mi-hee tanto en su juventud como vejez, y como consecuencia la cámara apenas se aleja un poco de la mujer y la “ilusión” se viene abajo por la fea peluca de cabello sintético cano y la "frescura" de su piel. Lamentable este aspecto. En fin. Y ya que estoy hablando del “hubiera”, quizá hubiese sido buena idea también apostar por una mayor profundidad para cualquiera de los personajes secundarios. 

Es difícil encontrar filmes redondos. Considerando eso, creo que House of the Disappeared es un agradable entretenimiento. Mejor de lo que yo esperaba. 



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martes, 17 de abril de 2018

The Ugly Swans


Gadkie Lebedi

Director: Konstantin Lopushansky
Guionistas: Konstantin Lopushansky y Vyacheslav Rybakov (una novela de Arkadi y Boris Strugatsky)
País: Rusia
Año: 2006
Duración: 105 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Ciencia ficción - Drama / Distopía

Sinopsis: La historia, adaptación de la novela que los hermanos Arkadi y Boris Strugatsky escribieron en 1966, cuenta el viaje de Viktor Banev, un escritor enviado por las Naciones Unidas a una sombría ciudad llamada Tashlinsk que ha sido tomada por unos seres mutantes (con presuntas malformaciones). Su misión es investigar el caso junto con la comisión que le acompaña, pero Viktor tiene otras motivaciones ya que, su hija, se encuentra en la ciudad en una extraña escuela controlada por estos seres. Allí enseñan a los niños a despreciar el género humanos en beneficio de una supuesta inteligencia superior. 


Reparto / Personajes

Gregory Hlady es Viktor Banev
Leonid Mozgovoy es Ayzek Golemba
Aleksey Kortnev es Pavel Sumak
Rimma Sarkisyan es Ira Baneva
Laura Pitskhelauri es Diana
Sergey Barkovskiy es Gennadiy Komov
Entre otros


NOTA: 8.5 / 10
(Ver escala de valoración)


Penúltima película del cineasta ruso Lopushanskii. Fiel a su estilo, y no sólo al suyo, también al de Tarkovski (de quien fuese alumno y colaborador) lleva a la pantalla la novela homónima de Arkady y Boris Strugatsky (autores de la novela en que se basó Stalker de 1979), escrita en 1966 y publicada por cuestiones políticas hasta 1987. Un filme de ciencia ficción soviética con todas sus características pero mucho más convencional que Stalker (si te agradó la idea de Stalker pero desgraciadamente la sufriste: el metraje es excesivo, lento y confuso, he aquí una obra con la misma orientación pero más digerible, mucho más) a la luz de la melancolía del soñador, que inevitablemente presa del mal, busca el bien en la higienización espiritual. 

Lopushanskii recrea una ciudad en donde eternamente llueve, sumergida en la oscuridad (la única luz proviene de una fuente desconocida en tonos rojos) y la incomunicación. Aislada de la banalidad de un mundo corrupto que no merece otra cosa que su destrucción para sólo así alcanzar la perfección. Es en esta ciudad controlada por los Mokretsy, extraños habitantes, ¿aberraciones genéticas o alienígenas?, en donde yace lo que parece ser la representación más elevada de la humanidad (un grupo de niños instruidos en la filosofía, ciencia y artes de los Mokretsy). Por otro lado, es esta ciudad el foco de aversión y odio de la humanidad, que no conforme con su aislamiento contempla la opción del genocidio. 

Una visión del mundo menos apocalíptica que el resto de su filmografía, aunque igual de fatalista. Exhibe con hostilidad, el mundo como le conocemos, agreste y cruel. Incomprensible, incompatible. Un mundo en crisis en el que para esos niños re-creados por los Mokretsy simplemente les es imposible concebir la existencia, quienes no ven en nuestra civilización otra cosa que un lastre, una era moderna que, en los últimos 300 años (un 0.05% del tiempo que lleva el ser humano en el planeta) ha avanzado de manera desmedida, derrumbado todo a su paso. Inmisericorde; y que el ser humano común, en su limitada capacidad, no puede hacer otra cosa que mirar con frialdad e indiferencia.

Un argumento interesante, y como mencioné antes, lejos de la “complejidad” del cine de Tarkovski, mucho más simple. Poseedor de una fotografía y ambientación estupendamente inhóspita, lo cual sumado al guion y en específico a sus diálogos, le hace un filme muy llevadero y aceptable. 

Por último, cabe mencionar que más cercana que a las producciones de ciencia ficción de la última década, lo está de aquellas de los 80s y 90s. Como Stalker, Solaris o 1984. También, si te da curiosidad el trabajo de los hermanos Strugatsky te sugiero que cheques algunos de sus libros (los encuentras en las librerías Gandhi o El Sótano) y si lo que te llama más es el cine, otras películas que se han basado en sus novelas son: Hard to be a God (2013) de Aleksey German, un película de ciencia ficción muy densa, de casi 3 horas, con un blanco y negro exquisito, y algunas escenas… muy explicitas, es extraña; The Inhabited Island I y II (2008 y 2009) de Bondarchuk, más comunes y dadas al cine de acción, no me gustaron; The Days of Eclipse (1988) de Sokurov, un drama bastante personal y onírico, interesante, pero tal vez sólo para adeptos a Sokurov; la ya mencionada Stalker (1979); y Iskushenie B. (1990) de Arkadi Sirenko, ésta no la he podido ver pero si quisiera. 



Frases

La humanidad es como un viejo borracho que cruzó el infierno, porque desgraciadamente no merecía otra cosa, y eso lo sabe perfectamente

La agonía de la inexistencia

Simplemente no tenemos suficiente tiempo para comprendernos



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domingo, 8 de abril de 2018

Sameblod


Sami Blood

Dirección: Amanda Kernell
Guionista: Amanda Kernell
País: Suecia
Año: 2016
Duración: 110 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Años 30 - Adolescencia - Racismo

Sinopsis: Elle Marja es una chica lapona de 14 años que cría renos. Expuesta al racismo de la época y a exámenes biológicos en su internado, la joven empieza a soñar con otra vida. Pero para alcanzar esa nueva vida deberá romper todos los lazos con su familia y su cultura.


Reparto / Personajes

Lene Cecilia Sparrok es Elle Marja
Maj-Doris Rimpi es Elle Marja de anciana
Julius Fleischanderl es Niklas
Mia Erika Sparrok es Njenna
Hanna Alström es Lärarinnan
Malin Crépin es Elise
Olle Sarri es Olle
Entre otros

NOTA: 8.9 / 10
(Ver escala de valoración)


"El racismo ha sido históricamente una bandera para justificar las empresas de expansión, conquista, colonización y dominación y ha marchado de la mano de la intolerancia, la injusticia y la violencia." Rigoberta Menchú

Etnocentrismo. ¿De dónde vienen está conducta universal, de discriminación y marginación hacia las minorías étnicas? Por desgracia es un sentimiento tan propio como el de pertenencia y nacionalismo, de raíces tan históricamente profundas como el nacimiento de dicho sentimiento. Después de todo, prácticamente toda sociedad en expansión y consolidación conlleva en su historia un choque “de dos mundos” en donde la sociedad vencedora (la más avanzada) es quien impone sus definiciones, subyugando al pueblo autóctono: los bárbaros, los salvajes, los ignorantes. Primero la discriminación viene tras la dominación, después, la dominación es mantenida por medio de la discriminación.

El maltrato hacía los pueblos nativos no sólo es algo del “nuevo mundo”. El pueblo lapón o sami, el primer pueblo autóctono de Escandinavia es un buen ejemplo. A principios del siglo XX los lapones fueron víctimas de una política de “higiene racial”, dando lugar en Suecia al primer instituto de biología racial del mundo, “científicos” que pese a no existir un marcado fenotipo, les consideraban una raza inferior limitada intelectualmente: “sus pequeños cerebros no podían asimilar la vida en la ciudad, comprender la ciencia, escribir poesía, ser más que salvajes”. ¿Y qué diferenciaba había entre un lapón y un sueco? Simplemente su vestimenta y sus costumbres. Éste, un tema en el que se basa Amanda Kernell (de padre lapón) para su primer largometraje, que previamente ya había manejado en su cortometraje Stoerre Vaerie (2015).

Una historia en donde los miedos e inquietudes propias del adolescente son el estímulo para preguntarse ¿por qué no puedo cambiar mi vida?, ¿qué me detiene?, y llevan a nuestra protagonista, de tremenda fortaleza, a buscar su propio futuro, no el que su madre, orgullosa de sus raíces le impone, mucho menos el que el colonialismo sueco ha dictaminado.  Una historia como muchas (bastara con que miremos hacia nuestros indígenas), tan genérica y a su vez, híper-específica, que precisamente, en su especificidad ve su mejor acierto. El segundo mejor acierto es la mesura de su fatalismo: hay escenas de crueldad y denigración que se nos trasmiten sin caer en el sensacionalismo/sentimentalismo… en donde también hay espacio para la dulzura del primer baile o el desconcierto del toque de lápiz labial.

Bastante agradable… y en cuanto a su factura técnica, es muy buena. La actuación de su actriz protagonista Lene Cecilia Sparrok me ha gustado mucho, consigue dotar a su personaje de valentia y madurez. Así también destacar la fotografía de Sjövik y Olsson, que, más allá de hablar de sus estupendos paisajes, es de admirar el manejo de la iluminación y su gama de colores, a la par de las emociones que busca transmitir.

Premiada en el Festival de Cine de Venecia, en los Premios Guldbagge, el Festival Internacional de Tokio, entre otros. 



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