domingo, 14 de enero de 2018

A Ghost Story


Director: David Lowery
Guionista: David Lowery
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 87 min aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Sobrenatural - Fantasmas - Casas encantadas - Cine independiente USA

Sinopsis: Un músico muere en un accidente de coche y vuelve como un fantasma a la casa en la que vivía con su mujer.


Reparto / Personajes

Casey Affleck es C
Rooney Mara es M
Entre otros


NOTA: 8.6 / 10


Después de dirigir en el 2016 Pete's Dragon para Walt Disney Pictures, David Lowery vuelve al cine independiente con una historia sumamente poética, en donde el sentido del tiempo y el espacio transcurren de una forma elástica, porosa e infinita. Protagonizada por Rooney Mara y Casey Affleck (quienes ya habían trabajado con Lowery en Ain't Them Bodies Saints (2013), aplaudida y premiada en algunos festivales de cine como Sundance y Cannes). 

Casey y Mara interpretan a C y M, una pareja que discute sobre mudarse o no. En breves tomas y algunos diálogos, observamos que M prefiere un lugar en la ciudad menos aislado, mientras que C siente un inexplicable apego por el lugar en donde viven… tal cual es, anodino y solitario. Tiempo después C sufre un accidente automovilístico en el que pierde la vida, pero esto no lo vemos. Un evento así no cabe en la parsimonia de nuestra pequeña historia, de modo que sólo veremos a C muerto sobre el volante, y más tarde sobre la mesa en la morgue, para entonces, atestiguarle cual muerto viviente, levantarse envuelto en una sábana. Es uno de los primeros momentos de fascinación que guarda el filme… nuestro fantasma deambulando por el hospital y partiendo a través de un verde llano a la casa en donde vivía con M. No es éste sino el inicio de una historia más de fantasmas, a través del tiempo y el espacio. Breve. Diferente.

Una mirada tan sencilla como hermosa no sólo del tiempo y la evolución del espacio geográfico fungiendo como un bucle inexplicable, también de la memoria y espiritualidad. La historia de un fantasma en pena, anclado a un espacio, no así a un tiempo, a la espera de… ¿? Un recuerdo, una persona, un papel, probablemente haya olvidado el motivo de su propia existencia. ¿Qué te ata a un lugar? No siempre hay una respuesta. Así como el hecho de que, el que no veas algo no significa que no éste ahí; como escribió Virginia Woolf en su cuento La casa encantada, y cita con la que da inicia  esta película: “A cualquier hora que una se despertara, una puerta se estaba cerrando", su personaje buscaba duendes, nosotros encontramos fantasmas, como siempre los imaginamos pero nunca los vimos. ¿Qué es el misterioso sonido de una puerta, de unos pasos o el de un objeto al caer? Tal vez sólo un recuerdo buscando perdurar. Ecos. Finalmente qué es un fantasma para nosotros los vivos, puede que sólo un mensaje en la pared o un prisma multicolor.

No es que las películas que te sugiero sean sumamente extrañas o desconocidas, pero trató de alejarme un poco de esas tan taquilleras o “de moda”, por ejemplo, no te voy a platicar sobre The Shape of Water (2017) de Guillermo del Toro. No obstante, hay películas que me han encantado, y nada importa, te cuento mi fascinación. ¿Qué tan recomendable es A Ghost Story? No lo sé, puedes odiarla y juzgarla de pretenciosa… a mí me ha encantado, pese a su último giro argumental tan anunciado… y muy poco sorprendente pero igual de bello, y la inclusión de un monologo en mi opinión, muy sobrado, ¿qué pretendía Lowery con él? ¿Justificarse? ¿Explicarnos algo que no hacía falta? En fin.

Lowery logra un trabajo artístico loable con una factura técnica estupenda. En donde todos y cada uno de sus elementos convergen para lograr transmitirnos un sentimiento… no sólo de intrusión –el número de planos fijos (habrá a quien se le hagan eternos) y el formato cinematográfico 1.33: 1  dota las imágenes de cierta intimidad a la cual no somos invitados, miramos de lejos, contemplamos– también de soledad y confusión, las de un fantasma para el que un segundo puede ser una década. La fotografía de Andrew Droz Palermo es excepcional, aunque puede juzgarse de un capricho en esto del cine indie… así como el formato cuadrado del que te hablo, esa relación dimensional conocida como relación de aspecto, muy empleada en la época del cine mudo, y en este caso imprescindible para conseguir este resultado. Por otro lado, la creación del fantasma ensabanado es genial, nunca creí que una sábana fuese tan expresiva. En cuanto a la música a cargo de Daniel Hart, constante en la filmografía de Lowery, es en A Ghost Story la tesitura perfecta, ejemplificada con el tema I Get Overwhelmed interpretado por su banda de indie rock pop Dark Rooms. Esa escena es maravillosa, tan sutil. Por último y menos importante, su duración: es un metraje de menos de hora y media. 

Un filme sosegado que en momentos podría recordarte el cine del taiwanés Tsai Ming-liang o la belleza silenciosa y onírica del tailandés Apichatpong Weerasethakul (Cemetery of Splendour del 2015). En cuanto a sus planos fijos, a ratos evocan el trabajo onírico del fotógrafo Gregory Crewdson. Sin duda, una experiencia cinematográfica que todo aquel que tolere bien los planos fijos debe considerar. Un bonito concepto, que si al final no logra generar una reflexión en ti, al menos si una sonrisa. 

Premiada en  algunos festivales, incluyendo el Festival de Sitges donde obtuvo el premio a Mejor Fotografía y con del Jurado Carnet Jove. Un filme muy personal... A ver qué pasa con Lowery, este año se espera su siguiente película protagonizada también por Casey Affleck, titulada Old Man and the Gun, la cual narra la historia real del famoso ladrón de bancos Forrest Tucker.



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miércoles, 10 de enero de 2018

A Special Lady


Mi-ok
Sojoonghan Yeoin

Director: Lee An-Gyu
Guionista: Lee An-Gyu
País: Corea del Sur
Año: 2017
Duración: 91 min. aprox.
Trailer

Género: Thriller - Acción / Crimen

Sinopsis: Hyun-jung empezó su vida en el submundo como prostituta y ahora está en lo más alto de una organización criminal. Su gran secreto es que, mientras estaba en la cárcel, dio a luz a un hijo. Cuando esto sale a la luz, el chico entra en el punto de mira de los enemigos de Hyun-jung.


Reparto / Personajes

Hye-su Kim es Na Hyun-jung
Hee-joon Lee es Choi Dae-sik
Lee Sun-Kyun es Lee
Entre otros

NOTA: 6.2 / 10


A Special Lady es el debut cinematográfico de An-kyu Lee, quien hasta entonces sólo había asistido en la dirección a Jee-woon Kim en The Good, the Bad, the Weird (2008). Ganadora al premio Mejor Película Asíatica en el Festival de Sitges 2017, A Special Lady es un agradable thriller criminal… mucho menos contundente de lo que yo esperaba, pero entretenido y bien construido. 

A dos años de su participación en Coin Locker Girl (2015) de Han Jun-hee, Hye-su Kim vuelve a personificar a una mujer protagonista del mundo criminal. No obstante, mientras aquel filme resultaba intenso y plegado de suspenso, A Special Lady camina sin muchos deseos de innovar un género que en ratos luce cansado y bastante predecible. 

Mi-ok alias Hyun-jung, es una mujer que ha triunfado en el mundo criminal dejando atrás sus años de juventud como prostituta para ser la mano derecha (no reconocida) del jefe de una importante organización criminal, fatigada de este ambiente de violencia y corrupción, lo único que desea es retirarse y vivir en paz con su hijo (cuya existencia es velada a sus colegas). Pero sabemos que el mundo criminal no es así de fácil. No puedes simplemente renunciar y continuar con tu vida, no, la única manera de salir de las entrañas del mismo imperio que ayudaste a construir es muerto… hay excepciones, pero en general así es… y Hyun-jung también lo sabe, pero su amor de madre triunfa sobre su yo racional, asesino, extorsionador y proxeneta y sueña con esa paz. An-kyu Lee se apega a las reglas del género y establece muy bien su primera parte, los lazos sentimentales y de trabajo que hay entre sus personajes, la sociedad de altos mandos del gobierno con la organización y las enemistades con otras bandas, para dotar de lógica el nudo del argumento: con también, el próximo retiro del jefe, la estructura de poder comienza a resquebrajarse… y… gran error, estas cabecillas criminales pecan de ingenuidad, y como en el amor, los negocios para funcionar requieren más allá de lealtad ciega: confianza y retribución, vaya, no importa qué posición tengas en la pirámide, la gratitud y el reconocimiento debe apuntar hacia todas partes, de lo contrario, además de la estela de enemigos que has dejado en el camino, comenzarás a gestar enemigos internos, y esos son más peligrosos: ésas traiciones por el poder; en A Special Lady orquestadas por Lee... ¡No es spoiler! O no mucho… la verdad es que es muy, demasiado, bastante obvio. Finalmente An-kyu despliega una tercera parte cargada de acción y confrontación, que por supuesto, buscando proyectar con emotividad su final. 

En un género dominado por hombres, pocas son las veces que vemos a una mujer al mando, o casi al mando, de alguna mafia. Llegué a pensar que estaba ante la posibilidad, pero esa fracción melodramática le resta mucho poder a su personaje femenino y a todo el filme. Ciertamente decepcionante considerando el género y el inicio con que parte el filme: un hotel lleno de jóvenes prostitutas paseando sus hermosos cuerpos desnudos y aceitados, ello en un latente trasfondo de violencia criminal… pensé que el empoderamiento partía de otro lado, hacía Mi-ok... pero no es así. Y no quiero decir que el amor maternal le reste interés a estás mortales mujeres, no… basta con recordar y sin ir muy lejos a The villainess (2017) de Jung Byung-Gil. Por último, dentro de su factura técnica, la puesta en escena es estupenda, el ángulo de los disparos en interiores abarcando toda la habitación y su sempiterna oscuridad, así como las escenas nocturnas, ingredientes imprescindible en el cine neo-noir.

Un filme entretenido, más disfrutable si no esperas nada de él, pero al mismo tiempo bastante prescindible. Recomendable para quienes no estén habituados a estas películas, porque quienes ya alberguen en su memoria otros títulos de thrillers criminales surcoreanos, tal vez no la encuentren tan divertida, y si no has visto Coin Locker Girl aprovecho para recomendarla. ¡En fin! Buen de debut de An-kyu Lee, veamos que le depara el futuro.



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martes, 2 de enero de 2018

Memoir of a Murderer


Director: Shin-yeon Won
Guionista: Jo-yun Hwang (una novela de Young-ha Kim)
País: Corea del Sur
Año: 2017
Duración: 118 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Drama / Asesinos en serie - Alzheimer

Sinopsis: Un antiguo asesino en serie con Alzheimer lucha para proteger a su hija de otro asesino serial que recién ha puesto sus ojos en ella.


Reparto / Personajes

Kyung-gu Sol es Byung-su
Nam-gil Kim es Tae-ju
Seol-Hyun Kim es Eun-hee
Dal-su Oh es An Byeong-man
Entre otros

NOTA: 7.8 / 10


El conocimiento humano, el sentido de la realidad y nuestra consciencia requieren de la memoria para funcionar apropiadamente en este mundo. Su pérdida no sólo significa el quebrantamiento de la realidad, sino también de la personalidad; un hecho observable en los casos de amnesia, y peor aún, de alzhéimer, el tema que nos compete aquí. En alguna ocasión dijo Borges: Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos. Fragmentos. Somos lo que hemos vivido, lo que recordamos haber vivido. 

Memoir of a Murderer es la adaptación de la novela de Young-ha Kim, escrita por Jo-yun Hwang, guionista de la insuperable Oldboy (2003) de Park Chan Wook; dirigida por Shin-yeon Won, quien en el 2005 debutaría con el filme de serie B Gabal. No confundir Memoir of a Murderer con la también surcoreana Memories of Murder (2003) de Bong Joon-ho, la cual por cierto es estupenda, si no la has visto deberías de. Volviendo al filme de Shin-yeon Won, una buena película, desafortunadamente no excelente, pero sí muy entretenida, y ¿por qué no? recomendable.

Shin-yeon Won nos invita a entrar en la mente fragmentada por el alzhéimer de un asesino serial retirado, a través precisamente de sus recuerdos, partiendo de una imagen (probablemente el fin de la película): un más que agotado Byung-su caminando sobre la nieve, ausente, recordando. A partir de ese momento recorreremos con él este fatídico trayecto hacia el olvido de sí y sus seres queridos. La voz en off de Byung-su nos explica: su memoria va y viene, parpadeando como un semáforo. Conoceremos a través de sus memorias, un diario que escribe en el ordenador, su traumático origen como asesino en serie y la calidad de sus víctimas, su vida como médico veterinario y padre soltero. Una primera parte en la que se establece el amor entre padre e hija, y la angustia perenne por la pérdida de la memoria. Transcurrido esto viramos del drama al suspenso cuando un día accidentalmente cruza su camino con el de otro asesino, y con ello, la posibilidad de perder a su hija. Puesto que entre asesinos no hay ética que valga. Pese a su senectud, armado con una grabadora para recordarse a sí mismo quién es, y el instinto asesino jamás olvidado (los recuerdos se olvidan, las costumbres no), dará caza a aquél que también lo hace… el tiempo es crucial cuando la memoria se desmorona entre delirios y alucinaciones.

Un thriller característico del cine coreano: dramático, oscuro y sugerente. Capaz de exponer la construcción y decadencia del asesino, el antihéroe de nuestro relato, y emitir esos dejos de moralidad criminal, como diría Saramago en sus Cuadernos de Lanzarote I: Somos la memoria que tenemos y la responsabilidad que asumimos. Sin memoria no existimos, sin responsabilidad quizá no merezcamos existir. ¿En dónde falla? Probablemente en la duración de su metraje, considero un poco reiterativa la situación de Byung-su, y el diseño de sus personajes secundarios y el propio antagonista son bastante tópicos. No obstante la actuación en general es aceptable y en particular, Kyung-gu Sol es increíble, totalmente veraz. La fotografía es idónea para sumergirnos en un poblado anónimo y agostado, reflejo de la psique de su protagonista. La música por su parte, a ratos ligeramente excesiva en el afán por destacar momentos claves.

Similitudes. Por último te platico: Aunque desde un enfoque totalmente diferente, Remember (2015) de Egoyan es otra película con un anciano con alzhéimer persiguiendo el asesinato. Y bueno… varias veces pensé: “quizá así sería Dexter si llegase a ser un anciano y tuviese una hija”, y es que en la serie de James Manos Jr. no sólo vimos constantemente a Dexter haciendo uso de su código moral matando a otros asesinos, sino que incluso en la cuarta temporada presenciamos su enfrentamiento con Trinity y sus daños colaterales. Y bueno, ya que estamos hablando de duelo de asesinos, por supuesto el enfoque es diferente y muchísimo más violento, te sugiero Killers (2014) de Timo Tjahjanto y Kimo Stamboel.


Frases

Era la mirada de una bestia. Temblaba de miedo.

Yo no solo mataba. Si lo piensas bien, lo que hacía era salvar vidas. Vidas humanas y animales... ¿cuál es la diferencia?

Mi cabeza puede estar perdiendo su memoria... pero mis manos recuerdan, como una vieja costumbre: El asesinato.



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jueves, 28 de diciembre de 2017

Brawl in Cell Block 99


Director: S. Craig Zahler
Guionista: S. Craig Zahler
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 132 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Drama carcelario - Crimen - Neo-noir - Cine independiente USA

Sinopsis: Bradley es un exboxeador con un matrimonio a punto de romperse que pierde su empleo como mecánico de coches. Debido a esta sensación pesimista, acaba decidiendo que su mejor opción es trabajar para un viejo amigo como traficante de drogas. Esta decisión mejorará su vida hasta que se ve envuelto en un tiroteo entre la policía y sus aliados; situación que le acaba llevando a la cárcel...


Reparto / Personajes

Vince Vaughn es Bradley Thomas
Jennifer Carpenter es Lauren Thomas
Don Johnson es Warden Tuggs
Dion Mucciacito es Eleazar
Marc Blucas es Gil
Udo Kier es Placid Man
Entre otros

NOTA: 6.3 / 10



Segunda y última película del director y guionista S. Craig Zahler. Considerado por muchos uno de los más mayores talentos del cine norteamericano indie de los últimos años. ¿Comparado con quién? E ahí, la clave. Lo cierto es que en éste su segundo cortometraje Zahler confirma su personalidad cinematográfica y lo bien que ha adoptado el “género” grindhouse (resucitado por Tarantino (entre otros) hace más de una década); por qué, ¿cuántos cineastas nos han sorprendido con un estupendo debut, para después adoptar el estilo de alguna productora, ausentarse por un tiempo indeterminado o (en el mejor de los casos) mostrarnos todas sus carencias en un intento de nuevamente sorprender y por supuesto, gustar? No es su caso, sin embargo, te mentiría si digo que éste es un filme inmaculado, porque no lo es, pero está hecho con el sello característico de Zahler. Aquel que le hizo merecedor al premio como Mejor Director en el 48vo Festival de Sitges con Bone Tomahawk (2015). Un western de horror filmado con tal meticulosidad que consigue lo que tanto buscaba: impacto. Porque a Zahler no le interesa bañar la pantalla de sangre a diestra y siniestra, en lo absoluto, no es su objetivo, de hecho, recordarás una pausada travesía por el desierto, encontrando su clímax y por fin su dosis de violencia caníbal, en su inminente recta final. Exactamente así es Brawl in Cell Block 99. Contrario al concepto inicial del grindhouse, Zahler es calmo (tal vez más de lo que quisiéramos, su filme dura más de 2hrs), y punzante, como un puño de ira contenido: breve y demoledor. 

Brawl in Cell Block 99 es un drama carcelario que evoca el mejor cine serie Z de los 70’s, centrando su protagonismo en un solo personaje: Bradley Thomas, en compañía de un grupo de personajes tópicos (compinches y villanos) y su factura técnica, planos fijos y el filtro digital de su fotografía en pos de un estilo vintage. Todo confluye para traer al presente aquel cine en otrora de "mala calidad".

En la escena de apertura conoceremos las características que hacen de Bradley el hombre que es: un sujeto duro y moralmente correcto (actitud que lo condenará) dispuesto a hacer cualquier cosa por su familia (lo que da sentido a su vida) y poseedor de una fuerza brutal y la ira más calculadora (veremos qué tan a favor le juega esto). Cuando éste es despedido del taller mecánico donde trabaja, decepcionado va a casa sólo para descubrir que su mujer le ha sido infiel, enfurecido, despedaza su auto con sus propias manos, se tranquiliza, la perdona, es mayor su amor que la furia. 18 meses después y sin profundizar demasiado en sus vidas conoceremos el triunfo de su relación (gracias a sus actividades como narcotraficante), económicamente estable y próximo a ser padre. Un sueño velado por sus convicciones. Sí, lo que temíamos (eso que el poster nos grita: la carcel), en contra de sus instintos Bradley hace sociedad con unos traficantes mexicanos, un negocio que sale mal. Y como dice su abogado, nadie cae con mayor fuerza que un hombre con principios.

Zahler construye con parsimonia la primera parte de su filme, afinando esos momentos de implosión. Hay una grata atmósfera de tensión, bien sabemos lo que vendrá. El crujir de huesos. Pero todo a su debido tiempo. Mientras tanto procura ante la pantalla fortalecer la unión entre Bradley y Lauren (la verdad es que es poco realista, pero se agradece el intento) con el fin de que entendamos el “dispuesto a todo” de Bradley y el móvil de sus actos y decisiones que le llevarán a la cárcel. También, nos muestra las reglas del juego: o llega al bloque 99 y mata “al hombre” o su esposa pagará las consecuencias (y esto no es una amenaza de muerte cualquiera, es la más cruda y sádica amenaza). ¡Pues bien! Manos a la obra, a por el hombre de la 99.

No sé hasta qué punto podría decir que Zahler “reinventa” el grindhouse, lo que sí es claro es que nos comprueba que en efecto, tiene un estilo muy particular. Brawl in Cell Block 99 mantiene el mismo ritmo pausado y meticuloso que su predecesora, recurriendo a la violencia no como un fin, sino como una herramienta, como el cuchillo del asesino, puede blandearlo toda la película pero sólo usarlo realmente hasta degollar a su víctima. Así en Block 99, la violencia es algo que impera desde el momento en que Bradley destroza a puños su auto y no finaliza hasta que el último cráneo es fracturado por una bala, no obstante, nos llega en dosis limitadas, breves y tremendamente física, más rudas (sin bonitas coreografías o largos combates a lo The Raid). Zahler apuesta por un estilo más realista, comenta: “¿realmente cuánto dura una pelea? 1 minuto es mucho.” 

Parecido, aunque el estilo que creo en su primer filme no se mantiene idéntico, lo que difiere a Block 99 de su predecesora, es un desequilibrio protagónico muy evidente. ¡Lástima! Todos los personajes son planos, meros arquetipos y artificios girando alrededor de Vince Vaughn, quien al menos y afortunadamente hace un papel extraordinario (irreconocible al menos para mí que lo conocía sólo en su faceta de comediante), una mole que contrasta la brutalidad de sus puños con la tristeza de su mirada. Lástima porque hay roles que pudieron ser mejor aprovechados: el de la esposa, (Jennifer Carpenter… desde que la vi en Dexter no puedo dejar de mirarla como Debra), el alcalde, o el “hombre a cargo” interpretado por el estimable Udo Kier (que recordarás en filmes de Lars von Trier, John Carpenter, Fassbinder, Rob Zombie y un largo etc., buen tipo). 

Por otra parte y con mayor brevedad, aunque igual son aspectos importantes. La música a cargo de Herriott  y el propio Zahler es imprescindible en la atmósfera que mantiene el filme. Referente a la fotografía… me agrada el uso del gran angular de Benji Bakshi, pero… a diferencia de Bone Tomahawk (me gusta su calidad y es el mismo director de fotografía) la estética que persigue aquí es la del grindhouse, pero a través de filtro digital muy… artificial… no encuentro el adjetivo, le resta muchos puntos al filme. 

Si logras salvar el largo tramo introductorio a la prisión te será muy entretenida y diferente. Recomendable sin duda si disfrutaste de Bone Tomahawk, y si no, a ver qué pasa, también deberías de verla. Como dato curioso, ésta película (la segunda) fue escrita antes que la primera que ya tanto mencioné.

¿Qué nos depara el futuro en cuanto a Zahler? Dragged Across Concrete. Un thriller criminal que anuncia un protagónico más equilibrado y un argumento más complejo (el de Block 99 es MUY básico), interpretado nuevamente por Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Don Johnson y Udo Kier, a quienes se sumarán Mel Gibson, Laurie Holden (Andrea en TWD) y Michael Jai White. Esperemos sea tan buena como parece.  



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martes, 19 de diciembre de 2017

Thelma


Director: Joachim Trier
Guionista: Joachim Trier y Eskil Vogt
País: Noruega
Año: 2017
Duración: 116 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Drama psicológico - Sobrenatural - Homosexualidad

Sinopsis: Thelma no es una chica normal. Desesperada, le pregunta insistentemente a Dios por qué la ha hecho así. Sus padres tampoco son de gran ayuda, sino dos personas misteriosas que se muestran tranquilas ante los poderes que muestra su hija, que, cada vez que siente algo, causa desastres. Cuando Thelma inicie una relación con una compañera, las emociones propias del amor harán estragos.


Reparto / Personajes

Eili Harboe es Thelma
Kaya Wilkins es Anja
Henrik Rafaelsen es Trond
Ellen Dorrit Petersen es Unni
Entre otros

NOTA: 9.1 / 10


¿Qué es la libertad? Canta Corcobado: es la cárcel más grande de todas las cárceles. Y sí, lo es si concebimos la libertad como la capacidad consciente de pensar y actuar según la voluntad propia… ¡pero! a través –y sólo a través de– de un orden más “elevado”… encausado por muchos hacia la moral judeocristiana. En donde no sólo el concepto de la moral (aquel que Nietzsche busca destruir en La genealogía de la moral) fustiga la consciencia, sino también el de “pecado”. Es aquí donde recuerdo al filósofo Kierkegaard y su obra “El concepto de la angustia” fundamentando algunos conceptos del existencialismo cristiano. Kierkegaard defendía la libertad, sin embargo, le placían ciertas restricciones: la conciencia cristiana del pecado, a lo cual él llama “angustia”… recordemos aquella frase “la angustia es el vértigo de la libertad”. La angustia a diferencia del temor o el miedo, no ve su origen en la presencia de una amenaza externa, sino en la finitud corporal y la necesidad espiritual: por ende, se preocupa no por el exterior sino por su propia integridad, frenándose ante el pecado. Pero vamos, ¿quién establece que es pecado? 

Después de rodar en inglés Louder Than Bombs (2015) –galardonada como Mejor Película en el Festival de Estocolmo–, Trier vuelve a su lengua natal en éste, su cuarto y último largometraje, seleccionado por Noruega como representante en la próxima entrega de los Premios Oscar en la categoría Mejor película de habla no inglesa. A diferencia del resto de su filmografía (seguramente una sorpresa para quien la conozca y le haya dado seguimiento hasta acá) opta en esta ocasión por un thriller - drama psicológico de corte sobrenatural. Proyectado en el Festival de Sitges (de cine fantástico y de terror, señalo esto porque no es propio del director) y ganador del Premio especial del jurado y el Premio a mejor guion. Aquí debo aclararte: no es una película de terror, en lo absoluto… es más bien ¿una película de superhéroes? Vista a la luz del cine más lírico y preciosista. Es como si nos quisiera contar qué habría pasado si Jean Grey de los X-Men fuese lesbiana y hubiese nacido en el seno de una familia fundamentalista. Una alegoría a la libertad… aquella libertad más allá del bien y del mal. 

La verdad es que no soy fanático de los X-Men, y podría ser ambas, sin embargo, percibo a Thelma más cercana de Jean que de Carrie (1976) de Brian De Palma; sólo que mientras la primera obra en harás de cierto sentido de la justicia, y la segunda de la venganza más pulsátil y sangrienta, Thelma lo hace desde una perspectiva más íntima y si-misma. De autodescubrimiento. Trier nos ofrece con una sensualidad glacial un relato más contemplativo y menos visceral.

Contemplación e introspección. La secuencia de apertura es magnífica (y siniestra), mostrándonos a un hombre apuntando con su arma a la cabeza de su pequeña hija (ya descubrirás cuánta razón hay en ello). Una secuencia de enorme impacto visual no sólo por lo que muestra, sino por el arte de la fotografía de Jakob Ihre (amo sus ángulos cenitales) y la música de Ola Fløttum (ambos constantes en la filmografía de Joachim Trier). Posteriormente la acción avanza al primer año de Thelma en la universidad de Oslo. Aún bajo la castrante vigilancia de sus padres pero, para fortuna de ella, lejos del hogar estrictamente religioso, nuestra joven protagonista encontrara, no sin ciertas dificultades sociales propias del adolescente introvertido, una vía perfecta hacia el autodescubrimiento, no sólo sexual sino de auto-aceptación. Como si se tratase de una travesura: blasfemar a escondidas, tomar una cerveza o dos, disfrutar… y sólo así, reunir el valor de enfrentar la culpa por la impureza de sus actos e indagar en la raíz de sus poderes y su aterrador alcance. ¿Qué más dan las implicaciones telequinéticas y la espera del castigo divino cuando tienes una vida por delante?

Paisajista, iluminada con cierta sobriedad escandinava y una textura psicológica plegada de elementos oscuros, Thelma además de por su belleza, se caracteriza por el suspenso y el simbolismo, capaz de evocar el mejor cine de Hitchcock o de Lars von Trier. Por su parte, la actuación me parece ideal, forjando un retrato familiar y personal convincente gracias al hieratismo de Eili Harboe, compatible con la represión emocional de su personaje, y a la presencia paterna, en especial de Henrik Rafaelsen, y en segundo plano de Ellen Dorrit, a quien por cierto tal vez recuerdes protagonizando la película sueca de terror Shelley (2016)

Espero en un futuro no muy lejano poder platicar por acá el resto de la filmografía de este director, hoy día, representante del cine noruego contemporáneo. 




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