Tekkonkinkreet

Tekon Kinkurîto

Director: Michael Arias

Guionista: Anthony Weintraub (basado en el manga de Taiyou Matsumoto)

País: Japón:

Año: 2006

Duración: 111 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Animación - Fantástico. Ciencia ficción / Yakuza & Triada - Distopía

Sinopsis: En Ciudad Tesoro, donde la luna sonríe y los chicos pueden volar, la vida puede ser tan maravillosa como terrible. Kuro y Shiro, dos huérfanos que se buscan la vida como pueden, otean la ciudad como halcones. Su reinado en las alturas tocará a su fin cuando aparezca un grupo de mafiosos. La ciudad está en peligro, y Kuro y Shiro están dispuestos a acudir al rescate aunque tengan que enfrentarse a la yakuza y sus "aliens asesinos".

NOTA: 8.4 / 10
(Ver escala de valoración)

Metafísica, espiritualidad y urbanidad. Adaptación del manga homónimo de Taiyō Matsumoto publicado originalmente en 1993-1994. Dirigida por Michael Arias (norteamericano residente de Tokio, quien ha estado a cargo de los efectos visuales de películas como The Abyss (1989) de James Cameron o La princesa Mononoke (1997) de Miyazaki) y animada por Studio 4°C. En ocasiones, con ciertas reminiscencias a Paprika (2006) de Satoshi Kon, estrenada ese mismo año, y a Akira (1988) de Katsuhiro Ôtomo.

Una propuesta bastante grata (para mí, a excepción del final) que, no sé cómo no había visto. Arias logra crear una rica imaginería alrededor de la metrópolis japonesa, Ciudad Tesoro, custodiada por dos niños huérfanos autodenominados, Los Gatos. Negro y Blanco, vigilantes, rondan desde las alturas su ciudad, robando ocasionalmente unas monedas y protegiéndola, equilibrando el caos y la violencia de las acciones de su contraparte, un grupo de yakuzas liderados por Suzuki. Un ecosistema “perfecto” hasta la aparición de Snake, representante de una asociación inmobiliaria busca convertir Ciudad Tesoro en un gigantesco parque de diversiones, ello en contra de La Rata Suzuki y Los Gatos Negro y Blanco. Acompañado de tres asesinos a sueldo alienígenas, ¿quién podrá detener a Snake, quién podrá defender Ciudad Tesoro? 

Decadente, melancólica y visionaria, de encanto y sensibilidad; se conduce a través de la filosofía taoísta, y es que pese a su violencia y retrato de una humanidad distante, no es una obra nihilista, sino una historia que vira entre la muerte y la resurrección, entre la oscuridad y la luz. La animación un plus, de características más extravagantes y dinámicas, lejos de la “pulcritud” del anime japonés; en pos de la metamorfosis y el onirismo inocente de Blanco, que brota lleno de vida y color, así como el de Negro, monstruoso y de corte más oscuro y psicodélico; un aspecto visual que juega a la par con la trascendencia de sus diálogos. 

Sin duda, un buen debut de Michael Arias. A tener en cuenta su segundo largometraje animado Harmony (2015) que codirige con Takashi Nakamura. 

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Rick and Morty Go to the Movies (Cortometraje)

Director: Lee Hardcastle
Guionista: Lee Hardcastle
País: Reino Unido
Año: 2017
Duración: 4 min. aprox.

Producido por Adult Swim, "Rick and Morty Go to the Movies" es una compilación de los mini-cortos de aprox 20 segundos realizados bajo el nombre "The Non-Canonical Adventures". Homenaje-Parodia, de las películas más populares de ciencia ficción, fantasía y terror de la historia del cine. 

La mente tras ello no es sólo la de Lee Hardcastle y Adult Swim, sino también la del creador de la serie, Justin Roiland. Debo decir que a mi me encanto, tanto por el aprecio que tengo al humor de Rick y Morty, como por la selección de películas, y de las escenas, sacándome una sonrisa en más de una ocasión. Buen trabajo de Hardcastle, reconocido animador de stopmotion. 

Las películas que incluye son:

The Thing (1982)
2001: A Space Odyssey (1968)
Aliens (1987)
Blade Runner (1982)
Invasion of the Body Snatchers (1978)
Clockwork Orange (1971)
E.T. the Extra-Terrestrial (1982)
Ex Machina (2014)
Ghostbusters (1984)
Gremlins (1984)
Halloween (1987)
Poltergeist (1982)
Re-Animator (1985)
Honey, I Shrunk the Kids (1989)
The Fly (1986)
The Matrix (1999)

Mutant Aliens

Director: Bill Plympton
Guionista: Bill Plympton
País: E.U.A.
Año: 2001
Duración: 81 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación - Ciencia ficción / Extraterrestres - Cine independiente 

Sinopsis: Un astronauta es enviado al espacio, pero una vez fuera de la órbita terrestre el pobre es traicionado por sus colegas que se han quedado en la Tierra, y lo abandonan en el espacio, liberando todo el combustible de la nave, con el objetivo de utilizar su tragedia interestelar para recaudar fondos destinados al Centro de Investigación Espacial. Vagando allí durante años, es rescatado por unos alienígenas.

NOTA: 8.4 / 10

(Ver escala de valoración)

Debo admitir que  recientemente me estoy acercando a los largometrajes de Bill Plympton, de quien sí, ya había visto muchos de sus cortometrajes, pero no largometrajes; resultando Idiots and Angels (2008) mi primera película y una experiencia maravillosa, que pese a no contener las características-gamberradas típicas de su animación, es uno de mis títulos favoritos (tan mágico) de la animación. La segunda es Mutant Aliens… la cual no recomendaré con el mismo fervor que Idiots and Angels, pero hay que ver. Me parece el entretenimiento que nos ofrece el trabajo de Plympton es bastante estimable, no sólo por su factura técnica (que vale mucho) tan artesanal y lejana a los márgenes de los grandes estudios, sino también por su identidad creativa y pese a que en ocasiones “abusa” de las referencias (el ejemplo es esta película) conserva cierto toque de originalidad, y un humor socarrón tan inocente e ingenuo como obsceno y sátiro. 

Cargada del estilo Plympton –sátira, sexo y violencia–, Mutant Aliens recurre a algunos elementos de la cultura pop y a los clichés de los thrillers de ciencia ficción de los años 50’s para relatarnos la historia del heroico astronauta Earl Jensen, quien fuese abandonado en el espacio tras el sabotaje de su nave por el Dr. Frubar, la idea de Frubar es obtener fondos adicionales lucrando con dicha tragedia. Veinte años después Jensen regresa milagrosamente, para el deleite de su hija ahora una astrónoma, y el fastidio de los planes (siempre moldeables y oscuros) del Dr. Frubar. Sin embargo Jensen no está sólo, y junto a su hija, su futuro yerno y una sociedad de alienígenas, más cercana a nuestros personajes de lo que supondríamos, iniciaran un plan de venganza contra el Dr. Frubar. Pues Jensen no es fácil de vencer, por algo es que sobrevivió a un planeta hostil poblado por narices, bocas y ojos guerreros. 

Menos sardónico de lo que pienso pretendía ser, es un filme que ve en su "aspecto negativo", precisamente esos temes que introduce para fortalecer sus intenciones (esa onda gamberra y punzante): el encuentro sexual de Josie y su novio Derby, y su mofa a la religión, me parece le da minutos de más que en vez de aportarle sustancia al metraje le suma irregularidad. ¡Pero! Da lo mismo. El cinismo de su humor es tan efectivo que uno lo acepta sin problemas, disfrutando de la exagerada dosis de violencia cómica, y apreciando la inocencia de sus mutantes asesinos. 

La siguiente película que espero platicarte es I Married a Strange Person!, y yo quisiese fuese después Cheatin' o Hair High (Tupé), pero se me está complicando mucho encontrarlas. Por último, comentar que Mutant Aliens en el 2001 gano el premio al Mejor Largometraje en el Festival de Annecy.

La puedes descargar por MEGA dando click acá o recurrir a este Torrent.

Neo-Tokyo (Laberinto de Historias)

Manie Manie: Meikyû Monogatari
Neo-Tokyo - Labyrinth Tales

Directores: Katsuhiro Ôtomo, Rintaro y Yoshiaki Kawajiri
País: Japón
Año: 1987
Duración: 50 min. aprox.
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Género: Animación - Fantástico - Ciencia ficción / Cortometrajes

Sinopsis: Neo-Tokyo reúne tres historias cortas dirigidas y escritas cada una por tres de los directores de animación japonesa más reconocidos del sector: Katsuhiro Ôtomo (Akira, Steamboy), Rintaro (Osamu Tezuka's Metropolis) y Yoshiaki Kawajiri (Wicked City, Ninja Scroll, Demon City)

NOTA: 6.8 / 10

Neo-Tokyo, en un principio Manie Manie o Tales of the Labyrinth, es una antología de cortometrajes basados en la obra homónima de Taku Mayumura; de quien ya se han adaptado otros de sus títulos en animes y dramas de tv (Psychic School Wars o 1778 Stories of Me and My Wife, por ejemplo). Compuesta por 3 segmentos es una muestra de los inicios de dos de sus colaboradores que en un futuro serían autores de películas de culto, como lo es Akira (1988) de Ôtomo o Ninja Scroll (1993) de Kawajiri. 

Tres segmentos de ciencia ficción, el primero más surrealista y a pesar de su duración, prolongada para una introducción, funge como tal y también como cierre de la antología. Conjuntando el trabajo de Ôtomo y Kawajiri, dos cortos que guardan en común su ambientación en un futuro distópico. Todos ellos con una animación tradicional e imaginativa, a ratos (Kawajiri) más oscura y visceral.

Labyrinth-Labyrintos de Rintaro

Una especie de Alicia a través del espejo de Lewis Carroll (y por qué no, Fantasía de Disney) protagonizada por una niña y su gato Cicerón. Parte del momento en que Sachi y su gato cruzan a través de un antiguo reloj a un mundo repleto de extrañas criaturas.

Mera introducción visual. Me encanta su estilo de animación y el diseño de sus personajes, así como su oscura ambientación. Sin embargo, me parece una obra menor de Rintaro que en ese entonces ya era conocido por Las aventuras del Capitán Harlock (1978) y Galaxy Express 999 (1979) (tendría unos 7 años cuando la vi, de mis películas favoritas de la infancia). Humm… hace poco vi Metrópolis (2001) y no me gustó mucho… no la reseñé. Espero no dentro de mucho ver y estar platicando por acá Doomed Megalopolis (1991).

The Running Man de Yoshiaki Kawajiri

Zack Hugh es el gran campeón del circuito de carreras  suicidas “Death Circus”. Su única ambición es ser más y más rápido…

Breve alusión a la muerte. Dejando de lado la elaboración de un arco argumental Kawajiri enfoca su atención en el acto de correr, unicamente en la ambición del corredor, y aun así debido a su final, consigue ofrecer una historia, quizá una metáfora oscura y violenta. También es un ejercicio que definiría más tarde su estilo de animación cyberpunk y gore. También espero no dentro de mucho ver (o volver a ver) algunos de sus films y platicarlos por acá. Wicked City es un ejemplo. Otra opción sería Goku: Midnight Eye (1989). Por cierto, un tanto más alejado de su estilo (por el tipo de manga) también dirigió la serie de Clamp, X (2001), me gustaba esa serie, la historia y sus duelos (además fue el primer anime que vi donde sus personajes tenían ondas homosexuales). Seishiro Sakurazuka me caía muy bien y recién descubro que era veterinario :O

The Order to Cease Construction de Katsuhiro Ôtomo

En una era no muy lejana en donde las selvas son destruidas para dar lugar a las grandes ciudades, y la mano de obra es completamente automatizada, Tsutomu Sugioka es enviado a la selva de la República de Aloana para suspender el proyecto #444. Pues tras la revolución de dicho país el nuevo gobierno ha cancelado el contrato. Una tarea aparentemente sencilla complicada debido a que estos robots parecen desconocer las leyes de la robótica de Asimov. 

Buen cortometraje, el único que cuenta realmente una historia… a pesar de las obvias reflexiones a las que nos invita con humor, es… muy olvidable, pero está bien, es un buen inicio para su carrera la cual lamentablemente es breve. No se le ve mucho a Otomo como director. 

Intentaré ver alguna de sus películas en imagen real, Warudo apaatoment hora (1991) o Mushishi (2006) y comentarlas por acá.

Algo pasó que perdí el archivo que iba a subir en Mega :/ así que sólo puedo dejarte este enlace en dailymotion para verla en línea (doblada al español).

Wicked City

Yôjû Toshi

Director: Yoshiaki Kawajiri
Guionista: Kisei Choo (Historia de Hideyuki Kikuchi)
País: Japón
Año: 1987
Duración: 82 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación - Ciencia ficción - Terror / Monstruos

Sinopsis: Criaturas demoníacas se han introducido en nuestro mundo provenientes de una dimensión paralela. Recientemente, contactos entre los gobiernos de nuestro mundo y mandatarios de la dimensión paralela han propiciado un acuerdo de paz que necesita ser ratificado. Renzaburo Taki es el principal encargado de que las negociaciones transcurran sin ningún altercado. Por desgracia, no todos están dispuestos a que se produzca una paz duradera entre los dos mundos.

NOTA: 7.3 / 10

Wicked City es uno de los títulos más populares de Kawajiri, y el primer largometraje en el que logró explorar su estilo de animación caracterizado por un alto contenido sexual y violencia. Surge poco tiempo después del lanzamiento de su cortometraje The Running Man en la antología Manie Manie: Meikyû Monogatari (1987). y está basado en la novela homónima de Hideyuki Kikuchi (autor de las novelas que dieron origen a Vampire Hunter D y Darkside Blues). 

Durante siglos la paz entre el mundo de los hombres y el mundo de los demonios ha sido posible gracias a un tratado firmado cada 200 años por los líderes de ambos mundos. Hablar de “paz” es complicado, más bien el termino sería “han logrado coexistir” bajo dicho tratado y la vigilancia de su cumplimiento a cargo de la Guardia Negra (integrada por humanos y demonios). Renzaburo Taki es asignado junto a Makie (una mujer demonio) a proteger al viejo libertino/libidinoso Giuseppi Mayart –sin el cual no puede celebrarse la conferencia por la paz– de los elementos radicales extremistas del mundo sobrenatural. Conforme avanza la noche y los encuentros contra tales criaturas monstruosas sedientas de sexo, sangre y destrucción, Taki y Makie descubrirán el verdadero objetivo de las fuerzas oscuras y el papel crucial que juegan ellos mismos para el inicio de una nueva era. 

Hoy día "un clásico" y en aquel entonces un prometedor paso en la naciente carrera de Kawajiri. En absoluto encontraremos un argumento brillante, no es la intención, el autor cuenta con 80 minutos (originalmente eran 30) y lo que le interesa es desarrollar una acción, no los motivos ni la profundidad de sus personajes, los cuales vale de paso mencionar, son planos y estereotipados. Incluso el giro argumental romántico es de esperarse apenas conocemos a Taki y Makie, y por la época y el país tampoco nos sorprende que su personaje femenino, a pesar de sus extraordinarias habilidades demoníacas llegue el momento en que se reduzca a una damisela en peligro que el varonil Taki cargado de testosterona salvará. Pero en fin. Finalmente logra su objetivo: divertir y entretener, en este referente es crucial su animación de trazos gruesos, tradicional, dinámica y libre de censura.

Una animación que destaca sus mejores atributos: su magnífica atmósfera neo-noir inspirada en el cine norteamericano y el obsceno despliegue de violencia y rarezas sexuales muy a lo japonés: plegada de tentáculos, criaturas bizarras y violaciones... vaya, que la vagina dentada me sorprendió bastante cuando la vi, tendría como unos 11 años… y recordemos que la niñez de los 90s no es como la de hoy. Si se me hizo muy curioso cuando la vi. La música es otro acierto, muy de los 80’s-90’s, a ratos el típico jazz y en otros esos tonos electrónicos que nos recuerdan la banda sonora del cine Serie B.

Me parece es un buen filme que toda persona que aprecie la animación oscura (gore y de ciencia ficción también) debería de ver, si es que no lo ha hecho aún. Como dato extra, en 1992 Tai Kit Mak dirigió el live action de Wicked City titulado Yao shou du shi. Ni idea como éste pero se me figura que muy loco. En un futuro cercano intentaré charlar por acá alguna otra de las películas de Kawajiri que no sean Ninja Scroll o Vampire hunter D: Bloodlust.

La puedes descargar por Mega dando click acá, por Torrent aquí.

En youtube la puedes ver en castellano. No me gusta eso. Si conoces un enlace para verla online con subtítulos en español puedes dejarlo en un comentario.

Kimi no na wa

Your Name

Director: Makoto Shinkai
Guionista: Makoto Shinkai
País: Japón
Año: 2016
Duración: 106 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Animación - Drama - Ciencia ficción - Romance / Catástrofes - Historias cruzadas

Sinopsis: Taki y Mitsuha descubren un día que durante el sueño sus cuerpos se intercambian. A medida que consiguen superar torpemente un reto tras otro, se va creando entre los dos un vínculo que superará el tiempo y el espacio. 

NOTA: 9.0 / 10

Cuenta una leyenda japonesa que las personas predestinadas a conocerse llevan desde su nacimiento un hilo rojo atado a su dedo meñique. Este hilo nunca desaparece y siempre permanecerá atado a pesar del tiempo y la distancia. No importa cuánto tardes en conocer a esa persona, el tiempo que pases lejos de ella, ni si quiera si vive al otro del mundo; tensado en mayor o menor medida, más o menos enredado, el hilo puede estirarse hasta el infinito y jamás se romperá. Así es como el anciano de la luna cada noche sale a conocer a los recién nacidos y a atarles un hilo en su dedo, un hilo que guiará sus almas para que nunca se pierdan. 

Kimi no na wa o Tú nombre –el anime que enamoró a Japón– es la última película de Makoto Shinkai. De quien sólo he visto 5 centímetros por segundo (2007), Viaje a Agartha (2011) y El jardín de las palabras (2013). Y no es porque es oficialmente el anime estrenado en cines más exitoso de todos los tiempos (superando a El viaje de Chihiro) o por el cúmulo de premios que lleva encima. No, no es por eso. En realidad me ha encantado. Es una película… “redonda”. Endiabladamente cursi, capaz de arrancar un par de suspiros y dejarte al finalizar una estúpida sonrisa en la cara… mientras miras pasar los créditos. Escuchando el tema de cierre. 

Siempre aquel sueño extraño, imposible de recordar. Es como si algo te faltase, algo importante que no deberías de haber olvidado, siempre esa sensación de estar buscando algo o a alguien. Mitsuha es una chica que ha vivido toda su vida en un tranquilo pueblo a orillas del lago, aburrida de ello su mayor deseo es conocer Tokio. Por su parte, Taki es un chico que reside en Shinjuku, Tokio, uno de los distritos más concurridos del mundo. Sin saber exactamente como, uno empieza a soñar con la vida del otro, intercambiando sus cuerpos. Mitsuha se despierta en el cuerpo de Taki, y Taki en el de Mitsuha. ¡Qué divertido! Conoceremos así la vida en la gran metrópolis en contraste con la vida de campo en el seno de una familia tradicional y costumbrista. La manera en cómo se adaptan Taki y Mitsuha hallando maneras para comunicarse y poniendo reglas a esta transitoria e inevitable situación: ¡No gastes tanto dinero! ¡No llegues tarde! ¡No toques mi cuerpo! ¡No alteres mis relaciones personales!, son ejemplos, pero no es tan sencillo, porque así como los sueños, son cosas que se tienden a olvidar al despertar. Les acompañaremos compartiendo sus vidas e influyendo ambos en sus personalidades, de tal modo que es imposible no desear, no intentar encontrarse. 

¿Qué divertido?  Por supuesto que NO, bueno, no tanto. Es un tema trillado que hemos visto infinidad de veces, y además me recuerda a dos películas que me dan náuseas, The Hot Chick (2002) con Rob Schneider y Freaky Friday (2003) con Lindsay Lohan. Motivo por el cual subestime esta encantadora película… no esperaba mucho pero me dije: vamos, es Makoto Shinkai, el trailer luce divertido y la animación extraordinaria. Kimi no na wa no es sólo es, es una auténtico vaivén de emociones. Ojo, en efecto es el filme más comercial (al menos más que las películas que he visto) de Makoto, pero no menos extraordinario.

Su loca premisa adolescente es sólo el inicio de un entramado de sucesos que nos remitirá a una romántica tragedia griega (no cito el nombre, no quiero hacer spoiler). Sólo Makoto es capaz de ofrecernos semejante realismo revestido de ciencia ficción y fantasía, y de la forma más natural, a veces sí, lo admito, apostando por la lágrima fácil, pero sin esos puntos de vista muchas veces sobrados que hacen ver las cosas más complejas de lo que son. Todo fluye con sencillez y parsimonia: la relación espacio tiempo, una inminente catástrofe natural y el misticismo japonés. 

Me atrevo a suponer que es una película que disfrutarás. El guion y sus giros argumentales nos tienen sujetos durante todo el metraje (que duplica el de la mayoría de sus producciones). Es muy bonita. Llena de magia y sensibilidad. En cuanto a su apartado técnico, un deleite. La calidad de animación en las obras de este director es genial, paisajes sumamente detallados, time-lapse’s, hermosos cielos estrellados y tomas aéreas; pocos animadores ponen tanta atención a sus escenarios. La música compuesta por la banda de rock pop japonesa Radwimps es otro aspecto a destacar, y eso que no soy muy de escuchar música en japonés (no me gusta sentirme como si estuviera en un anime), hace el énfasis perfecto en las escenas justas para despertar esa emoción que busca, casi podría escucharla infinidad de veces. Y el final, ¿qué puedo decir? con semejante historia aderezada con tal calidad de animación y música… da igual el que fuese, sería el ideal. 

Humm… a diferencia de las películas que suelo ver (en la madrugada), ésta la vi a las 6am. Me dejó muy de buenas. Cuando vi El jardín de las palabras no escribí nada, no tuve tiempo y luego lo olvidé pero creo que es recomendable. Cuando vi Viaje a Agartha si escribí una reseña que no la publiqué (por ahí la tengo)… finalmente no me gustó, poco original, bastante ghibliana y lejos del tema romántico común en Makoto. Cuando vi 5cm por segundo hace 7 años me gustó aunque no la recuerdo, seguramente es recomendable. Lo que me queda pendiente es Voces de una estrella del 2002 y El lugar que nos prometimos del 2004. Espero verlas pronto, y charlar de ellas por acá. 

Si la quieres ver online checa este enlace, y en futuro cuando vea una versión con calidad decente disponible en la red la subiré a mega.

Seoul Station

Director: Yeon Sang-ho
Guionista: Yeon Sang-ho
País: Corea del Sur
Año: 2016
Duración: 92 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación / Zombis

Sinopsis: Es de noche en Seúl, y la estación central se convierte en un hogar para los mendigos. Uno de ellos muestra síntomas de lo más extraños. Mientras, una chica rompe con su novio y busca refugio en la estación, pero ahí solo encuentra una horda de vagabundos convertidos en zombis.

NOTA: 4.8 / 10

“Un suicidio público. Creo que fueron las palabras más hermosas que he escuchado en toda mi vida.” Hace unos 5 años descubrí al surcoreano Yeon Sang-ho con su película “El rey de los cerdos”, de ahí la frase con que inicio este párrafo. Un filme animado sorprendente, de mis favoritos, con una animación muy singular y cargado del realismo más oscuro y la violencia más cruda, donde se exponía al acoso escolar, aunado al ambiente “adecuado”, como la factoría ideal del asesino/psicópata. Años más tarde vendría su segundo largometraje animado “The Fake”, una de las críticas hacia la religión más mordaces que he visto en el cine. Sin duda, una revolución para el cine animado. Tristemente y contrario a lo que algunos pensarán, para mí sorpresa, Seoul Station es un paso hacia atrás en su carrera.  

Paralela a Train to Busan, Seoul Station concentra su atención en la estación de Seúl probablemente unas horas más tarde de que Seok Woo y su hija partieran hacia Busan. No es una precuela, tampoco una secuela, más bien otra historia en el mismo tiempo y espacio que si bien no nos remonta hacia el origen del brote, si al comienzo. Partiendo de la propagación inicial del virus entre los indigentes –ante la indiferencia de los trabajadores sociales, policías y población en general–. Mientras tanto Hye-Sun tiene una discusión con su novio proxeneta Ki-woong, decidida a no llegar a casa por esa noche se dirige a buscar refugio a la estación de Seúl, por su parte Ki-woong se encuentra con el padre de su novia, Suk-gyu, quien le obliga a llevarle a ver a su hija. Es ahí cuando la chica descubre que tiene problemas más importantes que el rompimiento con su novio cuando es atacada por una horda de zombis, también es el momento en el que Suk-gyu y Ki-woong descubren al sufrir un ataque zombi en su apartamento, que es de crucial importancia encontrar a Hye-Sun, si al menos, quieren morir juntos.

Decidido a mantener su estilo dramático y a volcar su atención –común en su filmografía–a los estratos sociales más bajos Yeon Sang-ho busca en el ambiente de la prostitución a sus protagonistas, y como partida inicial, los vagabundos. Sin embargo, a mi gusto, es menos entretenida de lo que esperaba y peor aún, menos trascendental. No es el hecho de haber optado por un tema de ciencia ficción/terror (de hecho, me interesaba mucho ver cómo trabajaba el género), haciendo del lado los entramados sociales para los cuales tiene tan buen ojo. No. sino más bien, que nos arroja al típico ritmo de las películas de zombis y la aún más típica situación donde dos grupos de personajes luchan por reunirse en medio del caos. ¿Qué falla? Eso, el telón de fondo es Muy Superficial y nada empático, y en pos de conseguir más dramatismo llega en cierta escena a caer en un absurdo enorme (el intento de cuarenta). Bastante trivial en su totalidad resultando el final en un ardid, un intento por sorprender, un intento fallido de recordarnos lo que toda su filmografía ha pretendido: la violencia, la verdadera violencia radica en el ser humano, no en monstruos (The King of Pigs), ni el diablo (The Fake) y por irónico que parezca tampoco en los zombis (Seoul Station). 

Un filme totalmente prescindible a menos que disfrutes mucho de la animación de Yeon Sang-ho. Nada que ver con Train to Busan. La cual peca de melodramática, sensiblera a más no poder, pero es muy entretenida. Ojalá pronto Yeon se tome su tiempo y nos entregue una sola película (más vale calidad que cantidad), de la contundencia de sus dos primeros largos, con personajes más profundos, y el nihilismo y escepticismo al que nos tiene acostumbrados. 

La puedes descargar desde los torrent de AsiaTeam o ver online en Gnula.

Hotarubi no Mori e

Director: Takahiro Omori
Guionista: Yuki Midorikawa (manga)
País: Japón
Año: 2011
Duración: 45 min. aprox.
Trailer
Sitio

Género / Tópico: Animación - Drama - Romance - Fantástico / Manga

Sinopsis: La historia se centra en Hotaru, una chica que durante el verano se pierde en un bosque en el que se dice habitan fantasmas. Ante ella aparece Gin, un joven muchacho del cual se enamorara con el tiempo, pero al que si se atreve a tocar, desaparecerá para siempre.

NOTA: 7.8 / 10

Adaptación del manga homónimo de Yuki Midorikawa dirigido por Takahiro Omori. Director de animación conocido por animes de temática sobrenatural/misticismo japonés y romance, protagonizado por adolescentes y yōkai. Aunque por el anime que yo le conocí, The Girl from Hell, inclinado hacia el género del terror y misterio.

Hotarubi no mori traducido como “En el bosque de las luciérnagas” se mantiene en línea de la mayoría de sus animes, ofreciendo un cuento –más que una historia en forma– de características cotidianas. El cual narra con extrema sensibilidad y madurez (esta palabra es importante) el nacimiento y evolución del amor entre una chica y un espíritu eternamente joven confinado al bosque.

Hotaru Takegawa es la protagonista de este cuento de amor. No de un amor romántico, sino de un amor perdurable en su forma más inocente y trágicamente imposible. Hotaru es una niña de seis años alegre y curiosa que, como cada verano, visita el pequeño pueblo donde viven sus abuelos. Una tarde sin percatarse se interna en un bosque poblado por los yōkai y regido por el Espíritu de la montaña, perdida, cae en llanto. Momento en el que un joven enmascarado de nombre Gin hace su aparición, devolviéndole la tranquilidad y guiándola a la salida. El joven le explica que no es un yōkai pero sí una suerte de espíritu condenado a vivir en el bosque, puede ser visto por los humanos pero no tocado, pues si esto sucediese dejaría de existir. Una tarde inusual e inolvidable. A partir de ese día Hotaru año con año espera con ansia el verano y poder visitar a su chico misterioso, naciendo una fuerte amistad entre ellos, que con el paso del tiempo, dará paso al amor.

Narrado a través de la voz Hotaru, Takahiro Omori dota de fantasía y sin embargo, credibilidad la situación de nuestros personajes. Apoyándose en la duración (apenas 40 minutos si omitimos los créditos) para focalizar el argumento en estos dos personajes y prácticamente nada más. Haciendo de sus encuentros anuales lo único habido y por haber, conducidos por la memoria de Hotaru a través de sus diferentes etapas: niñez, adolescencia y juventud. Un cuento que a pesar de –¿para qué ocultarlo?– tener un final predecible, y con cierta carencia de emotividad, no deja de ser bonito en su simplicidad, cargado de melancolía y nostalgia. Quererse y no poder tocarse. Desarmando a nuestros personajes, sabedores de que así es la vida, llena de accidentes, de encuentros y desilusiones, donde sólo hay dos opciones: abandonar o seguir adelante.

Si la quieres ver online puedes seguir este enlace a animeflv.

La Tortuga Roja

La Tortue Rouge
The Red Turtle

Director: Michael Dudok de Wit
Guionistas: Michael Dudok de Wit y Pascale Ferran
País: Francia
Año: 2016
Duración: 80 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación - Aventuras - Drama / Naturaleza - Familia - Surrealismo

Sinopsis: Historia muda sobre un náufrago en una isla tropical desierta, poblada de tortugas, cangrejos y aves. La película cuenta las grandes etapas de la vida de un ser humano.

NOTA: 9 / 10

¡Cómo pasa el tiempo! A mediados del 2014 las redes sociales se llenaron de comentarios lamentando el cierre del estudio japonés Ghibli. Adiós a una era mágica, presagiaba para muchos el retiro de Hayao Miyazaki. Por su parte su cofundador Toshio Suzuki comentaba: Sobre qué hacer con el futuro de Studio Ghibli, es imposible seguir produciendo para siempre. Sin embargo, haremos una breve pausa para considerar hacia dónde queremos ir. El tiempo ha pasado y la incertidumbre cedido a la internacionalización. La tortue rouge es el primer largometraje del francés de Wit –galardonado en los Premios Oscars del 2001 por su cortometraje Father and Daughter–, y la primera coproducción internacional y película posterior al “cierre temporal” de Studios Ghibli. Una fábula tan simple, tan pura, como emocionante. Premiada en diversos festivales del mundo y  ganadora del Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Cannes (es la primera película animada que consigue ese premio). 

Algún día creemos saber algo de la vida y no tenemos otras palabras para expresarlo que comparar esa sensación, mirando al cielo o contemplando el vuelo o el andar de algún hermoso animal, con los detalles más sutiles de la naturaleza. Aún no estamos tan ciegos. No sé, de pronto me acuerdo de la poesía de Hermann Hesse –tan conocido por sus novelas e ignorando por su poesía– en El caminante. Lo cito: Los árboles me han dado siempre los sermones más profundos. […] Son como individuos solitarios. No como ermitaños que se hubieran recluidos a causa de una debilidad, sino como seres grandes y aislados, como Beethoven o Nietzsche. En sus ramas más altas susurra el mundo y en sus raíces descansa lo infinito. Se nos olvida a veces, no somos contra la naturaleza, somos con la naturaleza. Pequeños, frágiles, viviendo a sus expensas.

Vivir no es sólo existir, es crear, saber gozar y sufrir. La tortuga roja es una alegoría a la vida (en su formato más cándido) de múltiples lecturas. No es una historia de aventuras o supervivencia, es una metáfora a través de la vida de un hombre que es arrojado violentamente a las costas de una isla virginal. El hombre, confuso añora la civilización, y armado de su ingenio construye una balsa para escapar, pero apenas abordo, ésta es destruida por alguna entidad indescifrable. ¿En qué piensa, cuál es su lógica? Por supuesto, construir otra balsa aún más grande y más sofisticada, pero el resultado es el mismo. Algo lo detiene en la isla. Finalmente descubre a una gran tortuga roja mirándolo fijamente antes de desbaratar su intento de huida. El hombre lleno de frustración rompe en ira y decide vengarse de la tortuga asesinándola. Vida, muerte y renacimiento. Sueños, esperanzas, humanidad, arrepentimiento. Crecimiento.

Ausente de diálogos la narrativa de Dudok transmite el espíritu de Studio Ghibli, su simbología, misticismo y respeto hacia la naturaleza. Una melodía magnifica en su simpleza, con estética propia, opuesta al resto de la filmografía ghibli se inclina por un estilo visual más apegado al comic franco-belga, iluminado por el carbón vegetal de sus escenarios y paisajes minimalistas. En cuanto a la música a cargo de Laurent Perez del Mar, se percibe perfecta. 

Sin duda, un segundo aire prometedor para Studio Ghibli.

Puedes descargar la película desde Mega o Torrent.

Blood Tea and Red String

Directora: Christiane Cegavske
Guionista: Christiane Cegavske
País: E.U.A.
Año: 2006
Duración: 70 min. aprox.
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Género / Tópico: Animación - Fantástico / Surrealismo - Cine independiente USA - Stop Motion

Sinopsis: Un grupo de alimañas ganchudas y peludas que habitan en el interior de una encina crean una muñeca que emula la figura de una bella mujer. En la matriz de su andrógena creación introducen un huevo y la custodian fascinados al cobijo del interior del árbol. Mientras duermen, un grupo de ratones de campo con los ojos encendidos toman la muñeca y se la llevan con ellos. Las alimañas se embarcan entonces en una aventura rayana a la alucinación para rescatar el precioso tesoro. Aclamada película en animación stop-motion que se tardó 13 años en realizar.

NOTA: 7.5 / 10
(Revisar escala)

Aunque existe una diversidad de técnicas de animación, las dominantes son: el dibujo animado tradicional, el bidimensional, el modelado 3D por computadora y… ¡claro!, el stop-motion… Me parece que en estos días en donde las imágenes generadas por computadora en alta definición controlan las pantallas, es que muchos encontramos un aire fresco y con aroma artesanal en el dibujo tradicional y el stop-motion. Con deficiencias pero gracias a su técnica, a su arte, Blood Tea and Red String es una historia hipnótica, increíblemente psicodélica, y con un algo de macabro (¿los chillidos de las ratas y su despotismo aristócrata?).  

Christiane Cegavske es una animadora estadounidense muy apegada a las manualidades desde su infancia, un gusto que fortaleció en la Escuela de Arte de San Francisco. Probablemente (haciendo las cuentas) es al finalizar su carrera que comienza la producción de Blood Tea and Red String, su primer y único largometraje, el cual le demoró 13 años. El stop motion es un trabajo difícil, más cuando estás solo (el caso de Christiane), comenta, la sola animación le llevo 4 años. A excepción de la música y el sonido (crédito de Mark Groden) todo viene de ella. Anteriormente había trabajado en la serie X-Chromosome y en la película de Asia Argento The Heart Is Deceitful Above All Things (2004).

Éste, su “cuento de hadas para adultos” (como a Christiane le gusta llamarle) es una oscura y bizarra mixtura entre Blancanieves y los siete enanos, y la hora del té de Alicia en el país de las maravillas, que nos narra sin diálogos la odisea de unas curiosas bestezuelas (más humildes e infantiles que su contraparte las ratas) por recuperar el bello objeto de deseo, rescatar aquel fetiche, su princesa, de las manos de unas sádicas ratas bebedoras de sangre y jugadoras de cartas. Una aventura que llevará a nuestros valientes protagonistas a atravesar ríos, extraños y psicotrópicos jardines, y estepas “reinadas” por una araña. 

Blood Tea and Red String es una version extendida de su cortometraje Blood and Sunflowers (2000), intrigante pero breve e insulso. Aquí aunque “falla” a la hora de medir los tiempos, ¿quizá sea su intención?, no acortando algunas acciones (acciones comunes: comer, caminar), y con esto haciendo que su filme parezca más largo de lo que es (¡eso es malo!, una película debe de pasarse volando, hacernos olvidar el tiempo), posee una atmósfera exquisita, que nos ayuda a distraernos en sus detalles. No es tan sólida como me gustaría pero es una bonita rareza a ver, que a ratos me recordó a Alice de Svankmajer, pero con un gesto más “gótico” y femenino. 

Ésta es la primera parte de una trilogía, su segundo filme se titulará Seed in the Sand (inspirado en el mismo universo que Blood Tea...) y se espera para el 2022, ¡una pena!, muchos años… así pasa cuando no hay $$$. En su sitio vende unos dijes para ir financiando el proyecto. Por cierto, a diferencia de Blood tea… que es filmado en formato de 16mm (se percibe en el grano y las variaciones de luz) en esta ocasión usará una cámara digital. 

Si quieres checar una entrevista donde nos cuenta acerca de las figuras que le han inspirado en su carrera, el proceso de producción de cada personaje, y sus proyectos, click acá.

Para el sitio de Seed in the Sand aquí.

Para su descarga checa este torrent o la puedes ver online en youtube.

From Inside

Director: John Bergin
Guionista: John Bergin
País: E.U.A.
Año: 2008
Duración: 70 min. aprox.
Trailer
Sitio

Género / Tópico: Animación - Fantástico - Terror / Cine independiente USA

Sinopsis: En un tren que viaje eternamente por un mundo devastado, con sus pasajeros como únicos sobrevivientes, Cee intenta tomar fuerzas de la memoria de su desaparecido esposo, el viaje sin fin continúa y se acerca el inminente nacimiento de su hijo. 

NOTA: 7.5 / 10
(Revisar escala)

Desde el interior es la adaptación de la novela gráfica del mismo Bergin publicada en 1993. Una historia sombría versada en un futuro donde la peste, la guerra, el hambre y la muerte han suprimido casi por completo a la humanidad. Empapada de sangre y enormemente poética. En ella, como si estuviese decidida a dejar un poco de sí en nuestros oídos, su legado, la joven Cee comienza su íntimo soliloquio sobre éste, un viaje a ninguna parte, permitiendo entrever la nostalgia –no ya el recuerdo agónico, sólo… el suspiro casi existente– de su amado, y el sentimiento de esperanza, pero también de terror y aversión que le produce su estado (gestante) y aún más, la aproximación del día en que dará a luz. Así, seremos testigos de un mundo rendido y carroñero, de vastos paisajes desérticos, abandonados y mares de sangre, y una cruenta apatía a punto de desbordarse hacia la locura. Famélicos. La pasividad de los pasajeros, la frialdad de los ingenieros, y sobre todo, la omnipresencia de esta enorme máquina devora hombres, el tren no necesita esgrimir palabra o signo alguno de vida para ser un personaje en toda regla.

Es imposible no recordar a Snowpiercer, Le Transperceneige, aquella novela gráfica francesa escrita 10 años antes y llevada al cine en el 2013 por Bong Joon-ho. Y aunque el dato nos persigue durante casi toda la película, ¡son tan distintas! Allá en Snowpiercer el tren es el mundo, acá el mundo tristemente yace afuera, desmantelado, desangrándose, no negado y velado como en Snowpiercer sino palpable. También, no contamos con los estratos sociales de Le Transperceneige y su espíritu revolucionario, lo que From Inside nos invita a mirar de frente es la miseria. Creo estamos ante uno de los filmes más deprimentes y… curiosamente, aún con ese resquisio de luz.

Estupenda en su austeridad y precariedad. Bergin, fascinado por su obra quiere postergarla más allá de las páginas físicas, ¿digitalizarlo, un DVD-comic/comic book?, quizá, pero en el proceso aprende reglas básicas de animación, así que, ¿por qué no una película? Escritor, director y animador, Bergin monopoliza por años de trabajo la producción de From Inside, con un resultado muy artesanal. Me encantan sus trazos hechos a mano y lo poco animados que están (bien podríamos tener una sucesión de viñetas y un narrador). Lo único que me hace un poco de ruido es su insistencia en incluir imágenes en 3D, completamente innecesarias; y, ya mencionando aspectos negativos, en ocasiones la narración es reiterativa (acciones que estás viendo son descritas) y limitante, ¡pero! hay que dejarse llevar, además, son tan sólo 70 minutos, por supuesto que vale la pena.

Premiada en el festival de Sitges del 2008 a Mejor película animada, es la primera incursión que ha tenido Bergin en el cine, y muy posiblemente la única. Como ilustrador Bergin trabaja para Lakeshore Records donde ha diseñado las portadas para los OST de películas como Drive, Bone Tomahawk, Napoleon Dynamite, Brooklyn, Nightcrawler y un largo etc., también es músico y aunque no hace la banda sonora de su From Inside si la música en otros comics book, y tiene varios discos bajo los proyectos de C17H19NO3, Orifice o Trust Obey (Industrial – Experimental –Rock – Electrónica) 

Como dato extra, en el 2013 su amigo Gary Numan, músico inglés con una carrera de casi 40 años, realizó un nuevo soundtrack exclusivo para From Inside.

Frases

Cuando el fin del mundo ha llegado es demasiado tarde para preguntarse por qué.

Veo la lluvia rebotar en el suelo duro. Me solía gustar ese sonido, ya no más, suena como el fuego.

Me imagino subiendo en la confusión de tubos y vigas, hasta la cima. Ahí pondría mis manos contra el cielo. Mis manos serían el punto más alto del mundo. ¿Cómo sería caer desde esa altura?

La sangre me salpica. Trato de bloquear el sonido de la masacre... pero entiendo, necesitamos comer. 

El motor se para, está demasiado asustado para continuar.

Si la quieres descargar por Mega click acá, para hacerlo por torrent aquì.