domingo, 31 de julio de 2016

Brand Upon the Brain!


Director: Guy Maddin
Guionistas: Guy Maddin y George Toles
País: Canadá
Año: 2006
Duración: 95 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama - Fantástico / Cine negro - Cine mudo

Sinopsis: Guy vuelve al faro de la isla Black Notch, donde se encuentra el orfanato en que se crió hace treinta años. Un lugar tan lleno de recuerdos para él: su hermana adolescente, su represora madre, su padre científico y su propia juventud carente de estímulos; un caleidoscopio de imágenes memorables: un aquelarre en el pantano, una misteriosa marca de nacimiento, códigos y lugares de encuentro secretos.


Reparto / Personajes

Sullivan Brown es el joven Guy Maddin
Erik Steffen Maahs es Guy Maddin adulto
Gretchen Krich es la madre de Guy
Susan Corzatte es la anciana madre de Guy
Cathleen O'Malley es la madre joven de Guy
Maya Lawson es Sis
Katherine E. Scharhon es Chance / Wendy
Andrew Loviska es el salvaje Tom
Todd Moore es el padre de Guy
Entre otros


NOTA: 9.2 / 10


Segunda parte de la trilogía autobiográfica/ficticia de Guy Maddin, “Me trilogy”, en la cual nuevamente la amnesia, una capacidad maravillosa de la mente humana para Maddin, es el motor de un mundo condenado a recordar. En esta ocasión, un recuerdo en doce capítulos; co-escrito por George Toles, guionista y actor, ha acompañado a Maddin desde el inicio de su carrera cinematográfica. 

Brand Upon the Brain! es un melodrama febril y alucinatorio. Singularmente perverso, que nos brinda una mezcla de géneros y tópicos conjugados a través del cine mudo: la intriga del cine policiaco y sus normas detectivescas, el romanticismo y el horror gótico extraído de las obras de Robert Wiene y F.W. Murnau (pilares de los orígenes del cine), y la ciencia ficción, abriendo lugar para el vampirismo y la resurrección/zombificación, en un contexto exagerado de ansiedad psicosexual freudiana/edípica. Pero ante todo, Brand Upon the Brain!, es un volver a la infancia, deseosa, culposa y aberrante, aquella que le fue arrebatada a Guy el día en que fue separado de su castrante y omnipresente madre.

Por medio de una narrativa epistolar sustentada en la teatralidad, musicalidad y delicadeza artística del “cine mudo”, conoceremos de la voz de Isabella Rossellini la historia de Guy Maddin, factor importante y ausente en Cowards Bend The Knee: la voz de un narrador. Me parece aquí, enriquece el visionado, somos chiquillos escuchando una extravagante historia. En el primer capítulo observamos a Guy ensimismado e instigado por los recuerdos, en posición fetal dentro de su embarcación, ha llegado a Black Notch después 30 años de ausencia por orden de su madre, con la misión de cumplir su última voluntad: pintar y ordenar el orfanato del faro, pues al menos, por una vez en su vida desea ver limpio aquel lugar. Pintar, cubrirlo todo es la orden, como si quisiera desaparecer su vida tras esas gruesas capas de pintura. Frenesí. 

Con cada brochazo los recuerdos van surgiendo. Un eterno conflicto entre el olvido y el recuerdo, ambos son exigidos, anhelados. Un orfanato fálico reinado por el ojo y el rugido de su madre, a quien Guy tanto desprecia y sin embargo ama, no puede vivir sin ella. Una madre obsesionada con la juventud revitalizada gracias al trabajo sin descanso del científico, a los crímenes del padre en el sótano. Los niños habitan la isla, fustigados en una vida sin sentido, atormentados por el Salvaje Tom, horrorizados por lo que sucede ahí en Black Notch (lejos del mundo, es como si fuese el triángulo de las Bermudas). Ritual. La llegada de un ángel, ¡Wendy! Venida a esclarecer los crímenes de Black Notch, el objeto de deseo de Guy. Lamentablemente su partida es pronta así como la llegada de Chance, su modelo masculino a seguir. La desorientación de Guy y su necesidad por amar, por ser, por tener una figura a la cual atenazarse. Una constante lucha, una hermana, un amigo. Nostalgia. Humor, también hay lugar para una sonrisa.

El trabajo de Maddin es un caleidoscopio, un triángulo amoroso, un romance, un misterio, una alucinación sobrenatural. Fantástica. En mi opinión mejor que su primera entrega, más brillante e hipnótica. Es plausible el cruce de la modernidad con el clasismo. La música un encanto que favorece el histrionismo de cada cuadro haciendo a algunos memorables. La actuación, dramática, exagerada, no se puede pedir otra cosa. 

Me llena de inquietud su tercera y última entrega que anuncia (su sinopsis) con ser algo más “apacible”, aunque no menos extraño, se adjudica ser un seudo-documental. 

Brand Upon the Brain! fue financiada por The Film Company, una productora sin fines de lucro con sede en Seattle que busca promover el arte a través de la selección de artistas y  su financiación con la única condición de que el rodaje sea en Seattle, el concepto y la distribución quedan a libertad del artista. De este modo nace con un presupuesto de 40 mil dólares y rodada en tan sólo 9 días, posteriormente sometida a un proceso de edición realizado por Maddin durante tres meses. 



La puedes descargar usando este torrent o el enlace de descarga directa por mega (yo mismo lo subí).

Si quieres leer sobre la primera parte, checa: Cowards Bend The Knee

jueves, 28 de julio de 2016

Darling


Director: Mickey Keating
Guionista: Mickey Keating
País: E.U.A.
Año: 2015
Duración: 75 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Terror psicológico - Cine independiente USA

Sinopsis: El descenso hacia la locura de una chica solitaria. Propiciado tal vez, por el extraño poder que ejerce la mansión donde reside.


Reparto / Personajes

Lauren Ashley Carter es Darling
Sean Young es la madame
Brian Morvant es el hombre
Helen Rogers es la nueva chica


NOTA: 7.3 / 10
(Revisar escala)


Darling nos sitúa en el momento en que una joven se muda a una antigua mansión ubicada en Manhattan. Ignorante del cúmulo de leyendas urbanas que giran a su alrededor y las muertes acaecidas en dicha casa acepta un trabajo de 24 horas como celadora. A partir de ese momento sin apenas instalarse una extraña atmósfera envuelve el lugar, voces, susurros, imágenes, capaz de distorsionar su realidad y entregarla lentamente a la psicopatía más oscura. Dividida en 6 capítulos: Ella – Invocación – Escalofrío – Demonio – Infierno – La celadora; Keating homenajea al cine de terror de los años 60’s, The Innocents (1961), The Haunting (1963), That Cold Day in the Park (1969) que tienen como constante la claustrofobia psicológica y el concepto de “casas encantadas”, también, es inevitable no recordar a Kubrick en The Shining (1980) y el cine de Hitchcock. Pero de quien realmente bebe Darling es de Repulsion (1965). 

En su primera línea Keating describe a su película: Esta película contiene destellos de luces e imágenes alucinatorias. En efecto es lo que vamos a obtener, contrastando con su ritmo pausado y primeros planos más o menos largos, aquello que hará tangible la perturbación emocional de nuestra protagonista será el carácter experimental del filme a base de imágenes superpuestas y destellos, aportando celeridad y el desequilibrio necesario.

Posiblemente sea una película más orientada a los amantes del cine de Polanski, al blanco y negro y a la narrativa experimental de Lynch. Porque… entretiene, pero en mi opinión me parece que es poco, muy poco, el aporte original de Darling. Sin embargo estamos ante la mejor película de Keating, a quien los metrajes breves (75 minutos) le van geniales, la película funciona (y bien) gracias a que dura poco, otro aspecto importante (además de filmar en blanco y negro) es el reparto, apenas si unos cuantos personajes, hallando en la sobreactuación de Lauren Ashley su elemento más valioso… por otro lado, en referencia a lo negativo del filme, su punto más débil, es la elipsis narrativa a la que se aferra. 

Recomendable. Su corta duración y poseedora de un par de escenas o cuadros bastante estéticos y enérgicos hacen que valga su visionado.

Como dato extra, la película fue rodada en tan solo 12 días.


Frases

Abyssus abyssum invocat (El abismo llama al abismo)

—¿Es cierto lo que dicen de este lugar?
—¿Qué? ¿Quién?
—Que una vez alguien trató de invocar al diablo aquí


Si la quieres descargar te sugiero este torrent o la puedes ver online en gnula.

martes, 26 de julio de 2016

Thanatomorphose


Director: Éric Falardeau
Guionista: Éric Falardeau
País: Canadá
Año: 2012
Duración: 90 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Terror / Body horror

Sinopsis: Un día, la joven Laura se despierta y se da cuenta de que, sin razón aparente, la carne de su cuerpo está empezando a pudrirse. Una historia extraña, de horror y sexo.


Reparto / Personajes

Kayden Rose es Laura
Davyd Tousignant es el novio de Laura
Émile Beaudry es el amigo de Laura
Entre otros


NOTA: 6.9 / 10


Una «enfermedad mortal», en sentido estricto, quiere decir un mal que termina en la muerte, sin nada más después de ella. Y esto lleva a la desesperación […], ese suplicio contradictorio, ese mal del yo: morir eternamente, morir sin poder morir, sin embargo, morir la muerte. Pues morir quiere decir que todo ha terminado. Pero morir la muerte significa vivir la propia muerte; y vivirla un solo instante, es vivirla eternamente […] Desesperación, gusano inmortal, inextinguible fuego. 
Tratado de la desesperación, de Sören Kierkegaard.

Dividida en tres actos, Thanatomorphose parte desde una perspectiva intimista desnudando (metafórica y literalmente) la vida de Laura, o mejor dicho la muerte en vida de Laura (metafórica y literalmente). Una joven artista que adolece de una vida insulsa, sin inspiración artística, atada por la monotonía a una relación perjudicial y a un anodino círculo de amistad. ¿Cuántos no se encuentran muertos en vida sin si quiera saberlo, anclados a una rutina?, y no es hasta que se están pudriendo que se enteran. Hecho que nuevamente hace sentir algo a Laura: Desesperación. Con un único escenario y en la mayoría de las veces cámara en mano (desde una perspectiva voyeurista) seremos testigos del proceso de descomposición del cuerpo de Laura, quien atrincherada en su departamento devendrá de la angustia a la indiferencia para culminar en el terror.

Desde un enfoque menos analítico podemos ubicar el debut de Éric Falardeau como un digno heredero del legado del body horror de Cronenberg, aunque quizá mucho menos "emocionante" que películas como Contracted (2013) de England y con elementos más existenciales que fantásticos, he ahí la segunda lectura que  Thanatomorphose se merece. Comenta en entrevista Éric sí, su apreció por el horror, pero también la influencia que ejerce sobre él el Tratado de la desesperación de Kierkegaard (ahora entenderás por qué el inicio de esta entrada, Éric no lo cita, pero conozco el libro y me parece apropiada esa parte), y la contribución sobre tanatología de Louis-Vincent Thomas (aprovecho para recomendarte uno de sus libros que leí en la preparatoria: Antropología de la muerte). Un contexto existencial no sólo identificable porque su director lo diga, sino manifiesto en el lenguaje cinematográfico por el que opta, la claustrofobia, su oscura fotografía, la intromisión en la vida de Laura (la observamos dormir, comer, orinar, etc.), el manejo de la cámara, el ritmo lento del filme (a veces le juega en contra), la desesperación de nuestra protagonista por sentir, y el hecho de que prácticamente es la única actriz del filme y que yace el 98% del tiempo desnuda. Desnudez que logra transmitir su vulnerabilidad, desamparada ante la pestilente muerte, y que también carga la pantalla de un erotismo necrófilo. 

Como mencionaba, la actuación es dominada por el personaje de Kayden, quien hace un gran trabajo, hasta casi se nos olvidará el patetismo del resto del elenco. La música y el uso de sonido son un acierto fantástico, el filme es muy puntual en ello, no le incomoda el envestirse de silencio. Finalmente hay que mencionar el aprovechamiento de su bajo presupuesto (Éric se ayudó de donaciones virtuales) consiguiendo retrato más natural; en contra sólo tenemos algunas situaciones donde los efectos especiales dejan mucho que desear (y creo que desde otro ángulo u omitiendo la escena se podía arreglar), cierto martillazo, ciertas cuchilladas… no me convencen.

Un filme en su premisa llana no tan llamativo, mucho menos complejo, pero interesante en sus intenciones y formas. Me agradó, esperaba mucho menos (ya sé, es sólo una chica pudriéndose pero me agradó). 

Otros trabajos de Falardeau es su cortometraje La petite mort (2006), bastante simple y cero interesante (sobre la parafilia de un agresor sexual, el cuchillo es su pene), y Crépuscule (2011), éste no lo he visto pero me gustaría, es una animación stop-motion sobre aparentemente la corrupción de unos ángeles por una pareja de seres humanos copuladores.



Si quieres descargar Thanatomorphose te sugiero este torrent o la puedes ver online en gnula.

Escala de valoración


Desde hace tiempo algo a lo que le he venido dando vueltas es al hacer uso de una escala que me permita asignar una puntuación a las películas de las que escribo. Me incomoda un poco la subjetividad que conlleva y por supuesto, la pedantería que podría… ¿transmitir? Sin embargo, he decidido que puede ser un complemento para quien le interese mi opinión.

¿Por qué hay decimales? No es que sea tan meticuloso, es sólo un promedio. He determinado los aspectos que me parecen importantes. Quizá algunos engloben más de lo que “deberían”. En caso de que no se expliquen por si solos los definiré un poco:


  1. Entretenimiento / Diversión
  2. Historia: es el qué. Difícil de evaluar, en ocasiones pienso que suele ser más importante el cómo que el qué se cuenta, aún así, trato de ver por separado la propuesta del argumento y su complejidad. 
  3. Guion: aquí visualizo el cómo. Diseño de personajes, diálogos, sucesión de las acciones, forma en que se desarrolla la trama, detalles que nos presenta y esconde, etc.
  4. Actuación: trato de generalizar, no siempre pero en ocasiones agrupo y promedio. Por ejemplo en Thanatomorphose. Está la protagonista (8) + un amigo/pretendiente que es terrible (2) + el resto que es pasable (5) = 5
  5. Atmósfera
  6. Fotografía
  7. Música / Sonido
  8. Efectos especiales: mecánicos, de maquillaje o digitales, los que posea. Monstruos, explosiones, asesinatos, relampagueo por aquí y allá, etc. Hay películas en que no considero este aspecto.
  9. Animación: calidad y originalidad. No considero una técnica mejor que otra.
  10. Lenguaje cinematográfico: planos y movimientos de cámara, ángulos, espacio y tiempo, montaje, iluminación, etc., como puedes ver no quiero considerar aquí el sonido
  11. Género: qué tanto cumple con el género o la variedad de géneros que presenta. También influye el tópico que directamente maneja. Ejemplo: Terror/Zombis, Terror/Slasher, lo mismo si es un Drama, Romance, Ciencia Ficción, etc.
  12. Final: es un capricho que quiero tomar en cuenta. Hay películas estupendas con finales terribles y otras que consiguen quedar en el recuerdo sólo por su final. 
  13. Trayectoria: otro capricho. Una comparación con el resto de su filmografía: si es por ejemplo el enésimo filme del director (aún más importante cuando él mismo es el guionista) o si es su debut, qué tan prometedor es.


Para la valoración me auxilio de la escala de filmaffinity, y para ahorrar tiempo usaré Excel:



Esperemos funcione, y no te desanimes si vez un 6 por ejemplo. Recuerda:

Muy mala = 1
Mala = 2
Floja = 3
Regular = 4
Pasable = 5
Aceptable = 6
Buena = 7
Notable = 8
Muy buena = 9
Excelente = 10

viernes, 22 de julio de 2016

Cowards Bend the Knee (or The Blue Hands)


Los Cobardes se Arrodillan (o Las Manos Azules)

Director: Guy Maddin
Guionista: Guy Maddin
País: Canadá
Año: 2003
Duración: 64 min. aprox.
Trailer (lo más parecido que encontré a un trailer)

Género / Tópico: Drama - Romance / Cine mudo - Surrealismo

Sinopsis: Con la pretensión de ser una tragedia griega y, por consiguiente, una historia eterna y atemporal. Es también una película autobiográfica, una película muda, una película sobre manos: “The Blue Hands”, expresión que significa “Las Manos Tristes”. Híbrido de expresionismo alemán, micromontaje soviético y cine noir.


Reparto / Personajes

Darcy Fehr es Guy Maddin
Melissa Dionisio es Meta
Amy Stewart es Veronica
Tara Birtwhistle es Liliom
Louis Negin es el Dr Fusi
Mike Bell es Mo Mott
David Stuart Evans es Shaky
Victor Cowie es el padre de Maddin


NOTA: 8.7 / 10


Mis manos son manos de criminal, cuídate. / Lanzan cuchillos a quien no quieren ver.
Tienen vida propia quieren matar, ya lo sé. / Muere entre mis brazos todo lo que amé.
Amputaré mis manos para acercarme a ti / Y despertar de la anestesia de tu mirada


Disculpa si me pongo repetitivo en el futuro, posiblemente lo haga, ¡es Guy Maddin! Exhorto desde ya a darle un vistazo a su filmografía, es bastante peculiar, y esto no lo volveré a escribir, hoy lo hago porque es la primera vez que escribo sobre uno de sus largometrajes, próximamente nos esperan: Brand Upon the Brain! (2006), My Winnipeg (2007) y Dracula: Pages From a Virgin's Diary (2002), como mínmo. Aunque desde hace unos 5 años ya sugería algunos de sus cortometrajes: The little white cloud that cried (2009), Send me to the 'lectric chair (2008) y Sombra dolorosa (2014), el último no es tan bueno… 

Condecorado con la Orden de Canadá, Maddin es guionista, director y artista de instalaciones, reconocido como cineasta por su recreación estética del cine mudo. Parte de su sello distintivo es la ironía, sátira, humor negro, tragedia y erotismo. Inspirado en su juventud por L'âge d'or (1930) de Luís Buñuel y Eraserhead (1977) de Lynch, Maddin ha erigido su carrera cinematográfica desde un entramado de surrealismo y un enfoque experimental. 

Sus películas son una amalgama de obsesiones personales y recuerdos, miedos, deseos, y una constante contienda familiar. Cowards Bend the Knee es la primera parte de una trilogía autobiográfica-ficticia, a lo que gracias a Serge Doubrovsky podemos llamar “autoficción”. Maddin rompe el pacto autobiográfico en su aspiración por autocrearse, tachonando su vida de fantasías, o… ¿creando una fantasía a partir de su vida? Lo cierto es que Maddin se autodefine como un psicótico, compulsivo, con repentinos arrebatos de celeridad (en la vida real). Por ello no es raro que mezcle con tal convicción elementos reales (en lo que respecta a esta película, la infancia de Guy transcurrió entre la peluquería de su madre y la arena de hockey, en efecto su padre era vocero de los Maroons de Winnipeg) con metáforas, pesadillas y fábulas. Declara en entrevistas el sexo y la amnesia como los perfectos anestésicos que le han permitido manejar el dolor (tenía 7 años cuando su hermano mayor se suicidó sobre la tumba de su novia). La amnesia es otro de los elementos fundamentales de  esta trilogía.

Paralela a la pre-producción de The Saddest Music in the World (2003) Guy dirige esta película, filmada por completo en Super-8 con un presupuesto de 30 mil dólares. Nacida como una instalación peepshow para la galería de arte The Power Plant de Toronto, Cowards Bend the Knee es una representación escoptofilica, obra del ensamblaje de 10 cortometrajes, 10 capítulos. Una tragedia romántica golpeada por los celos, la traición y una imperecedera sed de venganza, fruto de la eyaculación masculina; narración episódica que parte del juego de espermatozoides, convulsiva cual miembro erecto se yergue hasta culminar en el estallido de recuerdos. Los recuerdos de un amnésico. 

Así Guy nos invita a mirar al microscopio el semen de su razón, no sin cierta claustrofobia. La tragedia de Guy. Un hombre que pierde la memoria y con ella el recuerdo de su amada, quien yace desamparada en una clínica para abortos, peluquería de día prostíbulo de noche. Entregado a sus instintos lascivos, Guy es seducido por una mujer y orillado a cometer una oleada de crímenes que harán trastabillar su mente. ¡Las cosas que una mujer puede impulsar a hacer a un hombre! La carne es tan débil. Un filme que se recrea no sólo en el cine mudo y la estética única de la super-8, también revierte con causticidad al slapstick y al expresionismo alemán.

Un cuento que posee tanto de Guy como de Eurípides y el mito griego de Electra; con fuertes reminiscencias a Las manos del Orlac de Maurice Renard (y sus versiones cinematográficas). Un relato macabro que nos habla de sus deseos, frustraciones e irracionalidad, abriéndonos las puertas a lo que será Brand Upon the Brain! 

Relata el propio Maddin que para conseguir el efecto deseado durante el rodaje siempre estaban presentes un violinista y un pianista, musicalizando el set. También en entrevista relata: 
—"The script was really written over probably about a one year period, the most I’ve ever spent on anything—and then after I wrote the script, I probably ignored it and just picked up a camera and shot it, kind of from memory—just gathered all the actors together and had them act out my life as I remembered it through a haze of chlorine and amnesia."
—"El guion fue escrito por cerca de un año, más de lo que he dedicado a cualquier otra cosa –y entonces, después de escribirlo probablemente sólo lo ignoré, tomé la cámara y filmé, como de memoria– reuní a todos los actores y dispuse a que interpretasen mi vida como yo la recordaba a través de una nube de cloro y amnesia." (“cloro”, a Guy le gusta nadar para concentrarse, dice que pasa horas en la piscina).



Capítulos: Jugadores del esperma - Un apretón de manos - Sobre una pila de guantes de hockey - La habitación de Meta - Puño - Encuentro de cera - Las manos azules de la venganza - Otro encuentro de cera - ¡Manos fuera! - Las furias

Si la quieres descargar te sugiero este torrent o puedes checar la descarga directa en Mega.

miércoles, 20 de julio de 2016

Cosmos


Director: Andrzej Zulawski
Guionista: Andrzej Zulawski (Novela de Witold Gombrowicz)
País: Francia
Año: 2015
Duración: 103 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Surrealismo

Sinopsis: Witold acaba de suspender sus exámenes de derecho, y Fuchs ha dejado su trabajo. Ambos llegan como huéspedes a una casa que debería ofrecerles descanso y que, sin embargo, les provoca una cierta inquietud a medida que una serie de hechos extraños comienzan a suceder.


Reparto / Personajes

Jonathan Genet es Witold
Johan Libéreau es Fuchs
Victória Guerra es Lena
Jean-François Balmer es León
Clémentine Pons es Catherette y Ginette
Sabine Azéma es Madame Woytis
Andy Gillet es Lucien
Entre otros


NOTA: 8 / 10


Aurora y crepúsculo.

Cosmos es la adaptación de la novela publicada en 1965 por el polaco Gombrowicz (refugiado en Argentina tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial) y el regreso al cine tras 15 años de sequía del polaco/ucraniano Zulawski. A partir de la imagen de un gorrión colgado, de un entramado de escenas que parecen rimar cual estribillo de una enrarecida canción, se desprende esta historia, su última película, su última novela, colmada de absurdos detalles y frases parpadeantes en un intento por descubrir el origen de la realidad. Cosmos es la última novela que escribió en vida Witold Gombrowicz quien murió en 1969, año en el que el joven Andrzej preparaba su debut cinematográfico (aclamado por la crítica y perseguido por las autoridades). Cosmos es la última película de Andrzej Zulawski quien muere este año, 2016, a causa del cáncer. Coincidencias en el imperfecto orden del caos de estos dos polacos. Witold Gombrowicz es también el protagonista de Cosmos de Andrzej Zulawski.

Quizá no sea una deslumbrante despedida, pero… —posiblemente mi perspectiva esté muy manipulada por el aprecio que le tengo a Zulawski— percibo cierta magnificencia en Cosmos, cierta delicia en el arte de narrar la nada, y hacer de la escena más cotidiana una alucinante representación teatral. Así, desde el tamiz de la tragicomedia, después de haberse hospedado en la casa de una exótica familia regentada por Madame Woytis, comienza la historia de un par de amigos (cierto halo de erotismo homosexual hay en su relación): Witold, de enardecida sensibilidad y desorbitada pasión, amante de la literatura postromántica, y el aventurero y libertino Fusch, admirador del neorrealismo cinematográfico de Pasolini. Juntos presenciarán el misterio de los ahorcados, a la par del nacimiento del amor imposible entre Witold y Lena, la hermosa y ya casada hija de Madame Woytis, bajo el mismo techo yace siempre presente su marido. Inalcanzable Lena, azuzará constantemente el corazón de Witold.

No hay duda de que es imposible capturar por completo la complejidad de Gombrowicz, sin embargo me parece un buen trabajo. Aunque, consecuencias del paso del tiempo, más moderno y sutil, se deja percibir a luces el genio de Zulawski, rico en detalles y simbolismos, reconocido décadas antes por la inquietud, poderío y erotismo de sus filmes. La desasosegada teatralidad de títulos como Diabel (1972), Possession (1981) o La femme publique (1984), en esta ocasión, con anunciadas referencias al realismo avant la lettre de Stendhal (Rojo y negro, o la que es mi favorita: La cartuja de Parma), Tolstoi o la psicología existencial de Sartre. 

Sin tener el impacto de alguna de sus otras películas me parece envolvente, entretenido y simpático. Un filme surrealista que (ya no sé si en contra o favor) evita caer en excesos, conservando el histrionismo de sus personajes, su histeria, inocencia y sensualidad. La luminosidad de su fotografía es un aspecto que me ha encantado, así como la música, menos sobresaliente que en otras de sus producciones pero justa. Sin duda se le extrañará a Zulawski, de quien he tenido oportunidad de ver 9 de sus 13 largometrajes. 

Para finalizar mi comentario debo agregar el resumen de la novela extraído de sus solapas, el cual se prestaría también para definir a la película: Cosmos es, según su autor, una investigación sobre «los orígenes de la realidad», una búsqueda de vínculos entre acontecimientos aparentemente desconectados entre sí: un gorrión colgado, un gato colgado, un hombre colgado; manchas, huellas, flechas, señales, pistas en varias direcciones, bocas que se yuxtaponen, que se complementan, que se comunican misteriosamente, ritos, ceremonias eróticas, y, por encima de todo, la imperfección, la fragmentación del conocimiento humano, la incapacidad para conocer el Todo. «¿Qué es una novela policíaca? Un intento de organizar el caos. Por eso mi Cosmos será una especie de novela policial» 

Por si te interesa otras adaptaciones que se han hecho de otras novelas Gombrowicz, son: Pornografía, por Jan Jakub Kolski en el 2003 y Ferdydurke por Skolimowski en 1991.



Frases

Cuando desaparecerá esta noche. El universo - Y yo - mi alma. ¿Cuándo llegará mi día? ¿Cuándo despertaré de estar despierto? No lo sé. El sol brilla en lo alto y es imposible quedarse mirándolo. El corazón late lejos de sí y es imposible escucharlo. ¿Cuándo este drama sin teatro o este teatro sin drama desaparecerá?

Diferentes canciones, la misma melodía. Una obsesión. En su delicado rostro esos labios torcidos aún existen, te sorben, te escupen

La luna llena y mi encantador reloj erótico. Nosferatu el vampiro

¿Si hubiera sido una niña con ojos verdes? También habría sido un monstruo. Un monstruo infantil de ojos verdes

Inconmensurable. Oscuridad. Ella teme o ella ama, ninguna de las dos o algo más. Vil, sensual, astuta, tímida, profunda, cobarde, santa, sensible, pura, fiel, inocente, insolente, coqueta o tan solo descarada. Decepcionada, aburrida, indiferente, angelical, infeliz, una virginidad lasciva. Timidez brutal, vergüenza cínica, calor, frío, embriagamiento sobrio o nada. ¡La suciedad, la perversidad, el horror!

Sólo es buena para el amor, nada más



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lunes, 18 de julio de 2016

Circle


Directores: Aaron Hann y Mario Miscione
Guionistas: Aaron Hann y Mario Miscione
País: E.U.A.
Año: 2015
Duración: 87 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Intriga - Thriller - Ciencia ficción / Cine independiente USA

Sinopsis: Cincuenta desconocidos se despiertan dentro de una cámara misteriosa formando un circulo. En tiempo real, deben identificar a sus captores y la manera de salir libres, de lo contrario, uno a uno irán muriendo cada dos minutos. ¿Quién merece sobrevivir?


Reparto / Personajes

Jordi Vilasuso es el militar
Rene Heger es el ateo
Michael Nardelli es Eric
Molly Jackson es la niña
Julie Benz es la esposa
Allegra Masters es la mujer embarazada
Carter Jenkins es el primer organizador
Lawrence Kao es el asiático
Mercy Malick es la lesbiana
Cesar Garcia es el pandillero
Entre otros


NOTA: 6.6 / 10


Circle es un thriller psicológico inspirado en el drama de intriga 12 Hombres sin piedad (1957) de Lumet. Escrito y dirigido por Aaron Hann y Mario Miscione, creadores de la web serie The Vault (2011). De bajo presupuesto y rodada en tan sólo 10 días, es un intento por exponer las miserias más triviales de la sociedad, a través de un embalaje que fácilmente nos recordará a la película de culto dirigida por Vincenzo Natali, Cube (1997). Sin embargo las intenciones de Circle están bien claras, apuesta 100% por el diálogo y a la estructura psicológica de su guion, el cual carente de toda acción (salvo el rayo eléctrico que cada dos minutos eliminará a alguien), fijara al suelo a 50 desconocidos quienes deben averiguar por qué están ahí, SIN moverse, levantar un solo pie les hace acreedores a la muerte… Pero vaya tontería ¿no? para que analizar infinidad de teorías, por qué estamos aquí y cómo podemos salir vivos, si podemos discutir quién va a morir primero o mejor aún, quién debe vivir. Finalmente, reacciones humanas, no piensas claro (además nunca fuiste tan brillante) y lo que quieres es vivir.

Menos compleja que 12 Angry Men y sus respectivos remakes (español en 1973, norteamericano en 1997 y ruso en el 2007)…; en aquella trataban de deliberar sobre la vida de una persona, no así en Circle, donde el interés propio se interpone al bien común (si es que lo hay en este caso). Hann y Miscione nos invitan a sentarnos en el mejor lugar de esta broma macabra: el del espectador, desde el cual podemos inquirir y seleccionar a nuestro posible ganador, también suponer ¿qué haríamos en su lugar?, por lo que vemos quizá pasar desapercibidos sea la mejor opción. Esto mientras se hacen pedazos unos a otros con el cerrar del puño, entre un griterío que gira penosamente sobre los aspectos más banales del racismo, sexismo, clasismo, y otras cuestiones ético-morales (¿me hace una mala persona anteponer mi vida a la de una niña o una mujer embarazada? No estamos en el bus o el metro.)

Vaya si el ser humano es despreciable, de un egoísmo tremendo… no, no, simplemente es de humanos querer vivir. Las situaciones extremas siempre sacan a flote nuestras mayores debilidades, y quien juegue mejor sus cartas saldrá avante, por supuesto, no siempre la estrategia supera a la “justicia” y a los buenos valores, pero tiene mucho peso.

Una idea para nada novedosa, podemos recordar desde filmes plegados de violencia como Battle Royale (2000) de Kinji Fukasaku, la claustrofobia de El Método (2005) de Piñeyro o Exam (2009) de Hazeldine, a cualquier reality show que promete una suma de dinero al ganador. Pero aquí no tenemos pruebas físicas o mentales, simple y llanamente a 50 personas de pie discutiendo durante casi todo el metraje. Si es lo tuyo, ¡vamos!, sin ser ingeniosa a mí no me desagradó, y eso que el final está para… pff… ¡oh! También me acordé de As the Gods Will (2014) de Miike.

No memorable pero sí agradable, con un reparto que sale sobrando quiénes sean (algunos si son conocidos pero de verdad que es lo de menos), una música que pasa desapercibida, y una puesta en escena muy simplista, Circle está generando desde su estreno en el Festival Internacional de Cine de Seattle 2015, y su consecuente salida al mercado en el 2016 (y estreno en Netflix, plataforma que le ha resultado muy favorecedora) opiniones radicalmente opuestas, o la más o la odias.



Si la quieres desargar te sugiero este torrent, también la puedes ver online acá.


domingo, 17 de julio de 2016

Detective Story

Tantei Monogatari

Director: Takashi Miike
Guionista: Tsutomu Shirado
País: Japón
Año: 2007
Duración: 99 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Drama - Comedia / Crimen - Asesinos en serie

Sinopsis: La historia gira en torno al detective Raita Kazama quien tiene como nuevo vecino a un tipo con el mismo nombre de pila, Raita Takashima. Una noche, una mujer que le había visitado aparece muerta y con su hígado extirpado. A este asesinato le sigue una serie de asesinatos de mujeres en circunstancias similares y a las que le han sido extirpado diferentes órganos. Los dos hombres deciden investigar los casos.


Reparto / Personajes

Kazuya Nakayama es Raita Kazama
Claude Maki es Raita Takashima
Asae Ohnishi es Asae Ônishi
Masakuni Nagamine
Entre otros


NOTA: 3.9 / 10


Detective Story es una de las cuatro producciones del 2007 realizadas por el controversial y últimamente cuestionado Takashi Miike. Crow Zero, Sukiyaki Western Django, Like a Dragon, y Detective Story son los títulos, siendo ésta una de sus obras menores del año y de su filmografía (comparando con las aprox. 30 de sus películas que he visto). Últimamente cuando una película no me agrada o me deja muy indiferente prefiero no comentarla, sin embargo crecí con el cine de Takashi Miike, y es por ese cariño que estamos aquí.

La historia que nos relata Tantei monogatari versa sobre una serie de asesinatos aparentemente cometidos por un artista anónimo. Durante las investigaciones es que nuestro protagonista, Raita Kazama un ex agente del departamento de homicidios, ahora un detective privado, se verá además de involucrado visto como el posible perpetrador. Motivo por el cual deberá de una u otra manera dar con el verdadero asesino, una empresa complicada pero no imposible teniendo a su favor su poder deductivo, la ayuda (obligada) de su nuevo vecino especialista en informática Raita Takashima y su equipo de trabajo, así como los oportunos consejos de un asesino serial que atrapó hace 15 años y ahora yace parapléjico y desfigurado tras el ataqué del padre de una de sus víctimas.

Miike ofrece un thriller detectivesco en forma (el objetivo es la resolución del caso por conducto de la indagación, el razonamiento y la observación empírica). Por supuesto, desde la surrealista perspectiva de su muy particular universo, invadido por situaciones absurdas (de principio a fin), desmesuradas y extravagantes. Para Miike la mente amoral de un asesino oculta tras la máscara de la cordura, al menos en esta película, no yace en la oscuridad de la naturaleza humana o en alguna deformación de la amígdala cerebral, más bien, es simple y llanamente una broma destornillada (algo que cínicamente nos grita a la cara al compás de la bufonesca música que acompaña a los momentos más “dramáticos”: a este asesino se le zafó un tornillo). 

No estamos ante una película tan mala, pero… creo es una de las ocasiones que Miike me parece menos gracioso. Así mismo menos sádico. Fallando en esas dos constantes (que es aquello a lo que en su cine le doy prioridad) nos queda el cine de suspenso e intriga, algo en lo que obviamente es inferior a tantos filmes, series de Tv (desde las más conocidas como Criminal minds, donde ya no el factor intriga sino propiamente el asesino artista ha aparecido de mejor forma), hasta animes (me acuerdo de los primeros episodios de Psycho-Pass donde el asesino representaba e inspiraba sus crímenes en pinturas). Me parece le faltó más seriedad... me siento extraño escribiendo esta palabra mientras hablo de Miike...

Mi sugerencia: sólo para fans innegables de Takashi Miike. 



Si la quieres ver, puedes usar los enlaces de descarga directa de asiateam, o el siguiente torrent.

viernes, 15 de julio de 2016

Little Quentin


Directores: Albert 't Hooft y Paco Vink
Guionistas: Albert 't Hooft y Paco Vink
País: Holanda
Año: 2009
Duración: 9 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Cine negro / Comedia negra - Cortometraje


Primer cortometraje del dúo Paco Vink y Albert ‘t Hooft (conocidos como Anikey Studios). Little Quentin narra el crimen pasional del Conejo Oswald, cuando en una noche de copas terminó asesinando a una bailarina exótica. Jack, un duro detective, el payaso Charlie y el Astronauta, le ayudarán a encubrirlo, y así evitar las terribles y perturbadoras consecuencias.

Simpática animación de estética neo noir que nos recordará al comic de Frank Miller, Sin City, mezclado con el espíritu de Toy Story. Hace un par de años Anikey Studios estrenó su primer largometraje animado, titulado Trippel Trappel Dierensinterklaas y protagonizado por un hurón. 

Cursos Crash - Lo esencial en metabolismo y nutrición


Autor: Appleton A. y Vanbergen O
Editorial: Elsevier
Año: 2013
Edición: 4ta
ISBN: 9788490224168
Páginas: 190 (239 con índice alfabético)
PDF


Descripción general


La serie CRASH COURSE ha sido diseñada específicamente para que el estudiante aproveche su tiempo de estudio. Toda la serie cuenta con una página web en studentconsult.es que incluye todos los cuestionarios de autoevaluación, glosario y galería de imágenes. La presente obra proporciona la información esencial que los estudiantes necesitan saber sobre los procesos metabólicos y la nutrición. Resume aquellos aspectos de la bioquímica más relevantes para los cursos de medicina y los vincula a la práctica clínica diaria mediante los capítulos de obtención de la anamnesis, signos y síntomas, y pruebas de laboratorio relevantes en las enfermedades metabólicas.


ÍNDICE

miércoles, 13 de julio de 2016

Avril et le monde truqué


April and the Twisted World

Directores: Christian Desmares y Franck Ekinci
Guionistas: Franck Ekinci, Benjamin Legrand y Jacques Tardi
País: Francia
Año: 2015
Duración: 90 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Intriga - Ciencia ficción - Aventuras / Años 40 - Steampunk

Sinopsis: La acción nos lleva a un París alternativo gobernado por Napoleón VI, en el que la joven April y su gato Darwin intentan encontrar a su familia, secuestrada hace diez años en el marco de una extraordinaria conspiración.


NOTA: 7.8 / 10


Históricamente sabemos que Napoleón III apoyó con gran interés el desarrollo científico de su país, no sólo colmando de honores a los científicos más relevantes, sino desde las mismas instituciones: la educación no era más un privilegio para la alta sociedad. En Avril et le monde truqué durante el segundo imperio francés Napoleón III ha ordenado la creación de un suero de la indestructibilidad que le otorgue la victoria en la guerra franco-prusiana, sin embargo un accidente conduce a su muerte y la fuga de dos criaturas en experimentación. Toma el cargo su hijo Napoleón IV negociando la paz con el Reino de Prusia antes de comenzar dicha guerra, con ello, transformando la historia del mundo. Décadas posteriores el imperio francés vive su apogeo, no obstante los científicos más importantes del panorama internacional (Einstein, Alexander Fleming, Graham Bell, etc.) han desaparecido misteriosamente estancando al mundo en la época de la máquina de vapor siendo el carbón la principal fuente de abastecimiento, como consecuencia, terribles daños ambientales: todos los árboles de Europa han sido talados, es la crisis energética, la guerra entre el Imperio Francés y la Liga de las Américas por los bosques de canadienses. Un escenario distópico en donde los científicos restantes trabajan en clandestinidad amenazados con desaparecer misteriosamente o bien ser capturados por el Imperio Francés obligándoles a perfeccionar armamento militar. Es en esta época en la que se desarrolla nuestra historia, una historia en la que Avril tras un escape fallido perderá a sus padres y a su abuelo, buscada por la ley crecerá en el anonimato con la única compañía de su gato parlante Darwin (producto de un experimento), intentando desarrollar el suero que sus padres soñaron. La entrada de Julius a su vida y aún más importante, el éxito en la formulación del suero le revelará una conspiración mundial que trasciende cualquier ambición humana.

Interesante película animada de ciencia ficción y cine negro, poseedora de un carácter bastante artístico en su dibujo. Debut cinematográfico de Franck Ekinci (animador en Las Aventuras de Tintín) y Christian Desmares (animador en Persépolis), con un guion coescrito por Jacques Tardi, autor del comic (y en el que se inspira el personaje de Avril) Les Aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec, llevado al cine en el 2010 por Luc Besson. 

Aunque Avril et le monde truqué en algún momento decide sustituir la madurez que venía generando, por tópicos cómicos y románticos, de traiciones y bandos (los malos y los buenos), triviales en la animación infantil, en un aspecto general resulta entretenida y simpática. Por supuesto que pudo haber sido más que una divertida aventura de haberle atribuido mayor solidez al problema de los energéticos, o mejor aún, a lo corruptible que es ya no la naturaleza humana sino cualquier ser con un mínimo de “razonamiento” capaz de en su reconocida debilidad, ambicionar un poder para sí.

Un filme steampunk bonito, aventurero a lo Indiana Jones y Julio Verne, con dejos orwellianos y ghiblianos. Con un presupuesto final de € 9.180.000 y ganadora a Mejor Película en el Festival Annecy 2015. Una agradable opción dentro del panorama de la animación controlado por los estudios japoneses y estadounidenses, es bueno y refrescante conocer otras fuentes.



Si la quieres descargar te sugiero este torrent o la puedes ver online desde acá.