martes, 27 de septiembre de 2016

From Inside


Director: John Bergin
Guionista: John Bergin
País: E.U.A.
Año: 2008
Duración: 70 min. aprox.
Trailer
Sitio

Género / Tópico: Animación - Fantástico - Terror / Cine independiente USA

Sinopsis: En un tren que viaje eternamente por un mundo devastado, con sus pasajeros como únicos sobrevivientes, Cee intenta tomar fuerzas de la memoria de su desaparecido esposo, el viaje sin fin continúa y se acerca el inminente nacimiento de su hijo. 


NOTA: 7.5 / 10
(Revisar escala)


Desde el interior es la adaptación de la novela gráfica del mismo Bergin publicada en 1993. Una historia sombría versada en un futuro donde la peste, la guerra, el hambre y la muerte han suprimido casi por completo a la humanidad. Empapada de sangre y enormemente poética. En ella, como si estuviese decidida a dejar un poco de sí en nuestros oídos, su legado, la joven Cee comienza su íntimo soliloquio sobre éste, un viaje a ninguna parte, permitiendo entrever la nostalgia –no ya el recuerdo agónico, sólo… el suspiro casi existente– de su amado, y el sentimiento de esperanza, pero también de terror y aversión que le produce su estado (gestante) y aún más, la aproximación del día en que dará a luz. Así, seremos testigos de un mundo rendido y carroñero, de vastos paisajes desérticos, abandonados y mares de sangre, y una cruenta apatía a punto de desbordarse hacia la locura. Famélicos. La pasividad de los pasajeros, la frialdad de los ingenieros, y sobre todo, la omnipresencia de esta enorme máquina devora hombres, el tren no necesita esgrimir palabra o signo alguno de vida para ser un personaje en toda regla.

Es imposible no recordar a Snowpiercer, Le Transperceneige, aquella novela gráfica francesa escrita 10 años antes y llevada al cine en el 2013 por Bong Joon-ho. Y aunque el dato nos persigue durante casi toda la película, ¡son tan distintas! Allá en Snowpiercer el tren es el mundo, acá el mundo tristemente yace afuera, desmantelado, desangrándose, no negado y velado como en Snowpiercer sino palpable. También, no contamos con los estratos sociales de Le Transperceneige y su espíritu revolucionario, lo que From Inside nos invita a mirar de frente es la miseria. Creo estamos ante uno de los filmes más deprimentes y… curiosamente, aún con ese resquisio de luz.

Estupenda en su austeridad y precariedad. Bergin, fascinado por su obra quiere postergarla más allá de las páginas físicas, ¿digitalizarlo, un DVD-comic/comic book?, quizá, pero en el proceso aprende reglas básicas de animación, así que, ¿por qué no una película? Escritor, director y animador, Bergin monopoliza por años de trabajo la producción de From Inside, con un resultado muy artesanal. Me encantan sus trazos hechos a mano y lo poco animados que están (bien podríamos tener una sucesión de viñetas y un narrador). Lo único que me hace un poco de ruido es su insistencia en incluir imágenes en 3D, completamente innecesarias; y, ya mencionando aspectos negativos, en ocasiones la narración es reiterativa (acciones que estás viendo son descritas) y limitante, ¡pero! hay que dejarse llevar, además, son tan sólo 70 minutos, por supuesto que vale la pena.

Premiada en el festival de Sitges del 2008 a Mejor película animada, es la primera incursión que ha tenido Bergin en el cine, y muy posiblemente la única. Como ilustrador Bergin trabaja para Lakeshore Records donde ha diseñado las portadas para los OST de películas como Drive, Bone Tomahawk, Napoleon Dynamite, Brooklyn, Nightcrawler y un largo etc., también es músico y aunque no hace la banda sonora de su From Inside si la música en otros comics book, y tiene varios discos bajo los proyectos de C17H19NO3, Orifice o Trust Obey (Industrial – Experimental –Rock – Electrónica) 

Como dato extra, en el 2013 su amigo Gary Numan, músico inglés con una carrera de casi 40 años, realizó un nuevo soundtrack exclusivo para From Inside.



Frases

Cuando el fin del mundo ha llegado es demasiado tarde para preguntarse por qué.

Veo la lluvia rebotar en el suelo duro. Me solía gustar ese sonido, ya no más, suena como el fuego.

Me imagino subiendo en la confusión de tubos y vigas, hasta la cima. Ahí pondría mis manos contra el cielo. Mis manos serían el punto más alto del mundo. ¿Cómo sería caer desde esa altura?

La sangre me salpica. Trato de bloquear el sonido de la masacre... pero entiendo, necesitamos comer. 

El motor se para, está demasiado asustado para continuar.


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jueves, 22 de septiembre de 2016

I Am Not a Serial Killer


Director: Billy O'Brien
Guionistas: Christopher Hyde y Billy O'Brien (Una novela de Dan Wells)
País: Irlanda
Año: 2016
Duración: 104 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Fantástico / Asesinos en serie

Sinopsis: John Wayne Cleaver es un adolescente obsesionado con los asesinos en serie que, pese a sus tendencias sociópatas, hace todo lo posible para no convertirse en uno de ellos. Cuando el pueblo donde vive se ve acechado por una ola de sangrientas muertes, John decide perseguir al culpable, bajo la amenaza de romper sus propias reglas.


Reparto / Personajes

Max Records es John Wayne
Christopher Lloyd es Crowley
Laura Fraser es April
Karl Geary es el doctor Neblin
Entre otros

NOTA: 6.2 / 10


No soy un asesino en serie es la última película del irlandés Billy O'Brien, basada en la novela del escritor de terror y ciencia ficción Dan Wells. Protagonizada por Max Records (lo recordarás por Donde Viven los Monstruos del 2009) y Christopher Lloyd (un ya muy viejo Doctor Emmett Brown). Un thriller que ubico más dentro del concepto “fantástico” que “sobrenatural” y que desprende de sí, aunque no he leído el libro y desconozco las influencias de su autor, un dejo del suspenso de Stephen King.

John es un joven diagnosticado sociópata, capaz de reconocerse a sí mismo como un asesino en serie en potencia, motivo por el cual crea un conjunto de reglas que le permiten un estado de “normalidad”. Tener un único amigo con quien platicar sobre asesinos en serie, conversar con su terapeuta y ayudar a su madre en el depósito de cadáveres son actividades que le ayudan a mantener al margen sus instintos homicidas. Un día su equilibrio es amenazado por la llegada de un asesino serial caracterizado por extirpar órganos de sus víctimas. Sin más remedio que solucionar el problema, John realizará una investigación para dar con el asesino y ponerle fin a su ola de terror, aunque para ello, deba romper sus reglas. 

Agradable, pero por supuesto con menor poderío que las series protagonizadas por Michael C. Hall (Dexter / Six Feet Under) encontraremos a un personaje símil a aquel asesino forense. Un joven carente de empatía, obsesionado con el asesinato y no obstante el deseo implícito de detener a otro asesino, situaciones contradictorias que hacen a su personaje más humano y común. Lo malo es que O'Brien pone tanta atención en John que se olvida del resto (incluyendo al Sr. Crowley), consiguiendo un filme a ratos lánguido, salvado por su fantasioso y último tercio.

Dividido en tres partes: la primera un drama adolescente, la vida de John; la segunda, las pesquisas en pro de identificar al asesino, John comienza a dudar ¿es real lo que está viendo o una alucinación?; y finalmente tercera, el enfrentamiento contra una monstruosa entidad. La historia es efectiva, alegremente inquietante y oscura, pero seamos honestos, el personaje de John no es tan carismático (no lo imaginando protagonizando una trilogía) y el suspenso detectivesco pobre.

I Am Not a Serial Killer es el trabajo más serio de O'Brien, acostumbrado a disponer de bajos presupuestos apuesta inteligentemente por rodar su filme en 16mm, disfrazando sus carencias y aportando cierto aire setentero. Otro aspecto a destacar es que no pierde la cabeza a la hora de mostrar aquel bicho raro: prefiere destinar sus recursos a una sola y decente aparición que a un montón de caricaturescas escenas, eso nos habla de su madurez, considerando que su filmografía está repleta de bichos, algunos muy malos y otros no tanto: Insolation (2005), Ferocious Planet (2011) y Scintilla (2016).

Éste, un aceptable relato de un sociópata (posiblemente más cercano a la realidad, aquel que se esfuerza por integrarse a la sociedad antes que convertirse en un Hannibal Lecter). Para Billy O'Brien es un proyecto de casi seis años (conseguir los recursos es complicado en el cine independiente) y fin del personaje. Pero sí a ti te interesa las aventuras contra el mal de este sociópata adolescente pues seguir su pista ya que para Dan Wells, I Am Not a Serial Killer es la primera entrega de la primera trilogía “John Wayne Cleaver”, seguida por Mr. Monster, y I Don't Want To Kill You. Posteriormente fue publicada una segunda trilogía. 


Frases y diálogos

Eres tan importante para mí como una caja de cartón y lo que pasa con las cajas de cartón es que, ¿sabes? Por el exterior son muy aburridas, ¿verdad? pero si las abres puede haber algo interesante en su interior. Del mismo modo, mientras me aburres con tu parloteo estoy pensando en cómo sería tenerte bien abierto.  Pero no quiero ser esa persona, así que cuando pienso en eso sólo sonrío y digo algo amable. Oye ¡Eres realmente un gran tipo!

Tigre, tigre, que te enciendes en luz por los bosques de la noche ¿qué mano inmortal, qué ojo pudo idear tu terrible simetría?


Para descargar la película por Mega click acá, y por torrent aquí. También la puedes ver online en gnula.

Para descargar la primera parte de la trilogía escrita por Dan Wells click acá, y sí sólo quieres leer online el título No soy un asesino en serie, click aquí

lunes, 19 de septiembre de 2016

El Niño y el Mundo


O Menino e o Mundo
The Boy and the World

Director: Alê Abreu
Guionista: Alê Abreu
País: Brasil
Año: 2013
Duración: 80 min. aprox.
Trailer
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Género / Tópico: Animación - Drama - Aventuras - Fantástico - Infantil / Road Movie - Surrealismo

Sinopsis: Un niño que sufre por la falta de un padre deja su aldea y descubre un mundo fantástico, dominado por animales-máquina y seres extraños. Película de animación extraordinaria, con muchas técnicas distintas, que aborda los problemas del mundo moderno a través de los ojos de un niño.


NOTA: 7.3 / 10


El niño y el mundo es el segundo largometraje del brasileño Alê Abreu, una refrescante revelación en el campo de la animación y una parábola universal, que si bien no encomia a una revolución interior al menos si a una reflexión, unos segundos para recordar: de dónde venimos, dónde estamos y a dónde vamos. Sin (pienso yo) jamás satanizar su tendencia “progresista” y destructiva –la destrucción es inherente al ser humano como individuo y sociedad.

Similar en esencia a su cortometraje Espantalho (1998), Abreu se vuelve a las memorias de la infancia para retratar las aventuras de un niño hasta entonces, ajeno al mundo y a la dureza de la vida, cuando su padre parte a la ciudad, presumiblemente en busca de empleo ya que la agricultura no es suficiente para mantener a su familia. Desconcertado y sin consuelo El niño abandona su hogar e inicia un viaje en busca de su padre a través de un mundo inhóspito, real, el cual gradualmente irá tachonando sus fantasías de color a una gama más oscura-urbana. Del campo a la ciudad, la industrialización y zombificación laboral, sobrepoblación y déficit de vivienda, la opresión fascista, el envenenamiento de la tierra y los medios de comunicación como un arma de distracción masiva, son elementos que desfilarán ante la mirada del niño. No obstante, en este mundo mientras existan ilusiones y el ser humano sea capaz de vivir en paz habrá música, color, arte, en las calles, en los campos, en los tiraderos. También, una invaluable amabilidad callejera… Una aventura, un mensaje que finalmente alcanza su pico con –esto me parece excesivo e innecesario– un breve montaje en imagen real sobre la devastación del planeta y –creo que el simbolismo de esto es más que adecuado– un combate en los cielos entre un fénix y un águila. En cuanto al final… mejor de lo que pensé, cargado de nostalgia y cierto pesimismo, ¡pero!, esperanza, nos ofrece otro ángulo de la historia torciendo lo que habíamos visto hasta ahora.

Un filme ricamente imaginativo que nos enumera alguna de las miserias de nuestra sociedad hoy día. Donde en contraste con el candor fantasioso de la mente de un niño (una mente más inocente, capaz de, tiernamente ofrecerle la explicación más extraordinaria a todo aquello que desconoce), observamos la realidad de muchos: la migración a la ciudad y claro, al extranjero, en pos de un mejor futuro para la familia; también, una alusión al consumismo y a la globalización que ha venido mermando la riqueza de las tradiciones autóctonas.  

Abreu siempre ha recurrido a la imaginación y al arte en sus proyectos, mostrando apego por técnicas de animación como los recortes, el stopmotion y el dibujo tradicional. En su menino de tonos pastel podemos ver también acuarelas, oleos, y otros materiales dando textura a algunos elementos (semillas) y fondos de escenario. La música, dulce, ligeramente costumbrista y tenue, acompaña la ausencia de diálogos. 

Nominada a Mejor largometraje de animación en la edición 88 de los Premios Oscar (obviamente no ganó, lo de ahí es Disney-Pixar), y sí ganadora en otros festivales, entre ellos en el más importante de animación, el Festival de Annecy, donde obtuvo el Premio del público y el de Mejor película. 

Como dato, los muy pocos diálogos que tiene la película son en un idioma imaginario (portugués al revés), y, originalmente esta película nació como un documental sobre Latinoamérica. 



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sábado, 17 de septiembre de 2016

The Piper


Sonnim
Guest

Director: Kim Kwang-tae
Guionista: Kim Kwang-tae
País: Corea del Sur
Año: 2015
Duración: 119 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Venganza

Sinopsis: Poco después de la guerra de Corea, el flautista Woo-ryong y su hijo viajan a Seúl. Un día, hacen una parada en una pequeña aldea en medio del bosque. El pueblo está infestado de ratas, y el flautista hace un trato para librarlos de la plaga. Pero una vez cumplida la misión, Woo-ryong será traicionado, y su venganza convertirá el filme en una negrísima variación del cuento del flautista de Hamelín.


Reparto / Personajes

Seung-ryong Ryu es el flautista
Goo Seung-Hyeon es Yeong-nam
Sung-min Lee es el Jefe
Woo-hee Chun es Mi-sook
Entre otros


NOTA: 8.4 / 10
(Revisar escala)


Excelente debut de Kim Kwang-tae. Muy lejos del terror convencional, una película más bien de suspenso que dispone ingeniosamente del drama y lo sobrenatural, bajo la sempiterna sombra del horror, para ofrecer una visión alternativa del cuento popularizado por los Hermanos Grimm.

Situada junto a otras adaptación del cine de terror coreano inspiradas en las fuentes Disney (Hans C. Andersen y los Hermanos Grimm): Hansel & Gretel (2007) de Yim Pil-sung y The Red Shoes (2005) de Kim Yong-gyun. The Piper supera con creces cada aspecto de aquellos títulos connacionales y ofrece una mirada distinta y moderna (a pesar de estar ambientada en los años 50s), del cuento germano El flautista de Hamelín; excepto por The Sweet Hereafter (1997) de Egoyan, muy poco frecuentado por el cine. 

Kim retrocede a 1950-1960 para envolvernos en la paranoia anticomunista post-guerra y dotar a su filme de una atmósfera pérfida, de desconfianza, xenofobia y una mesurada crueldad. Contenida en su primera mitad, desbocada en el resto. El resultado, una sombría fábula de la naturaleza humana inmersa en la iniquidad y su justificación.

Partiendo de esta fábula conoceremos el duro viaje hacia Seúl que ha emprendido a pie un hombre lisiado (el flautista) y su pequeño hijo enfermo de tuberculosis, con la esperanza de encontrar al “noble” americano que ha prometido curar su enfermedad. Agotados tropiezan, cual oasis en medio del desierto (un vil y resplandeciente espejismo), con un pueblo oculto por el bosque. Sus habitantes olvidados e ignorantes del final de la guerra (el jefe guarda celosamente el secreto) se ven obligados a permanecer en él a pesar de sufrir una infestación de ratas que inusualmente han adquirido un gusto por la carne. Una primera parte que deja patente la desconfianza generalizada del pueblo y el recibimiento de nuestros forasteros por mero pragmatismo; y no obstante la “mala vibra” del lugar (¡algo ocultan estás personas!) el filme provee sus momentos más tiernos, plegados de alegría e ingenuidad y no es hasta la segunda parte que una vez el flautista logrado su trabajo (liberar al pueblo de las ratas) afloran la verdad de los aldeanos. Una auténtica cacería de brujas, de las más despiadadas y pusilánimes que he visto, la inevitable traición del flautista, su humillación, mutilación y la destrucción de sus esperanzas. 

Me parece Kim hace un trabajo estupendo conteniendo estas emociones destructivas, generando el suspenso, y revistiendo de cariño filial la relación de nuestros protagonistas. El sacrificio de un padre, el respeto, el amor y la admiración de su hijo; me agrada mucho la focalización en este par, incluso considerando como consecuencia un menor detalle en el resto de los personajes.  A destacar también, la fotografía tan “vivida”, y su producción digital, así como la música, una mezcla de ritmos del folclor coreano y medievales. Por último, si he de señalar algo que me hace un poco de ruido, es parte del final: ya hablaba de la mesura, acá se le fue un poco: más sutileza en el ataque de las ratas habría evitado un par de escenas un poquito vergonzosas. 

손님 / Sonnim significa “huésped”, haciendo referencia a “extraño”, “extranjero”. The piper no sólo es la adaptación de un cuento. También el choque de dos mundos, el impacto que en su bondad y una vez despojado de todo, puede causar un extranjero sobre una comunidad aislada.


Frases

Las personas olvidan fácilmente la amabilidad, pero recuerdan la crueldad

¿Vieron eso? Todas las bestias con orejas se mueven al sonido de mi flauta

¡Sean fuertes! Los crímenes cometidos para sobrevivir, serán perdonados


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martes, 13 de septiembre de 2016

Earth and Ashes

Khakestar-o-khak
Terre et Cendres
Tierra y Cenizas

Director: Atiq Rahimi
Guionista: Kambuzia Partovi (Una novela de Atiq Rahimi)
País: Afganistán
Año: 2004
Duración: 101 min. aprox.
Trailer

Género: Drama

Sinopsis: Un anciano atraviesa el desierto afgano para reencontrarse con su hijo, quien dejó su tierra para trabajar en una mina. En el medio de esa larga ausencia, la ciudad en la que la familia residía fue devastada y solo sobrevivieron el anciano y su nieto que perdió el sentido de la audición, y que piensa que todos han perdido la capacidad de hablar, menos las personas fallecidas que hablan en su propia mente.


Reparto / Personajes

Abdul Ghani es Dastaguir
Jawan Mard Homayoun es Yassin
Entre otros


NOTA: 7 / 10
(Revisar escala)


Tierra y cenizas (un título que refleja a la perfección la situación) es el éxodo de Dastaguir, un cansado anciano al cuidado de su pequeño nieto Yassin. Únicos sobrevivientes de un bombardeo ruso. Un par de dolorosas figuras deambulando por las dunas afganas, abrumadas por el sol y la pena. ¿Qué les depara el futuro? Lo ignoramos, pero a priori, debe ir a las minas a informar a su hijo. Algo para nada sencillo, porque aunque estás personas han sido marcadas por el sufrimiento, “ya están acostumbrados”, podríamos creer absurdamente, a Dastaguir le duele ser quien lleve la noticia, le duele mirar a su hijo y teme por su reacción. Sin nada más que sus propias vidas demorará cuanto pueda el viaje.

Basado en su novela homónima, Tierra y cenizas es el primer largometraje del escritor y director afgano Atiq Rahimi, con un guion adaptado por el reconocido cineasta iraní Kambozia Partovi. Tierra y cenizas fue propuesta por Afganistán para el Oscar a Mejor película extranjera en la entrega número 77 de Los Premio de la Academia, pero no fue aceptada ni dentro de las candidatas a estar nominada. Sin embargo tuvo mejores resultados en otros festivales internacionales.

Khakestar-o-khak es la segunda exportación de Afganistán, menos grandilocuente en todo sentido que Osama (2003) de Barmak pero un buen exponente de un cine tan joven como el afgano (su “primer largometraje” data del 2002). Aunque con cierta pobreza en su factura son filmes que comparten un mismo estado de ánimo en donde es imposible discernir la resignación de la esperanza, dotado del dolor y la desolación de una nación violentada, y no obstante… de cierta belleza. Y es que este cine no conoce la superflua tragedia de las grandes producciones cinematográficas, la falsa emotividad; es algo más sincero, más natural.

Porque hay duelos que duran toda una vida. Atiq Rahimi nacido en Afganistán es un hombre que ha vivido en exilio por 17 años tras la Guerra afgano-soviética (el primer paso hacia el extenso conflicto de la Guerra civil afgana), es en el transcurso de dicha guerra que basa Tierra y cenizas, un relato intimo inspirado en su experiencia y la perspectiva crítica obtenida en el exilio. Comenta Atiq, similar al temor que su personaje Dastaguir tenía de informarle a su hijo sobre la muerte de su esposa, sus propios padres mantuvieron en secreto la muerte de su hermano ocurrida durante la sucesión al poder de los talibanes. 

Un filme austero, en el que tal vez poco suceda, pero no sé, creo que su sinceridad es capaz de atraparnos, lejos de cualquier crítica o trucos sensibleros. Es agradable ver la humanidad con que Atiq dota a sus personajes, aún dispuestos a reír y soñar. Y a pesar de la precariedad de la factura técnica tiene grandes aciertos como la música.

Dato extra, es durante el rodaje de Tierra y ceniza que nace la idea de lo que será su novela Maldito sea Dostoievski. Click acá para una nota (por cierto, ese libro lo puedes comprar en Gandhi).



Frases y diálogos

—Estoy llevando un prisionero a Mazar.
—¿Qué hizo?
—Mató a un hombre. Dame cuatro cigarrillos.
—¿Desde cuando matar es un crimen?

—¡Eres tan terco, niño! ¿No estás escuchando?
Abuelo, este hombre no tiene una voz, y estos dos burros tampoco. ¡Los tanques se han robado sus voces!


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The Tale of the Rat That Wrote

Director: Billy O'Brien
Guionistas: Billy O'Brien y Murilo Pasta
País: Reino Unido
Año: 1999
Duración: 14 min. aprox.

Género / Tópico: Drama / Roedores - Cortometraje

Sinopsis: Una talentosa rata es capturada por un fumigador quien posteriormente la venderá para fines varios. Cuando el hombre descubre que la rata puede escribir decide experimentar con ella extrayendo su cerebro.


A través del ingenioso uso de marionetas y ambientada en la época victoriana el director irlandés Billy O'Brien dirige y coescribe con elegancia kafkiana uno de sus primeros proyectos.

Una historia llena de ángulos, puntos de vista estrechos y sombras que despertará nuestra simpatía e interés en el porvenir de las ratas, donde cada suspiro o gemido evocará el terror o el dolor que sólo el mundo de los hombres puede provocar.

sábado, 10 de septiembre de 2016

Victoria


Director: Sebastian Schipper
Guionistas: Olivia Neergaard-Holm y Sebastian Schipper
País: Alemania
Año: 2015
Duración: 140 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Drama / Robos & Atracos

Sinopsis: Rodada en un único plano secuencia, el film tiene como escenario el famoso barrio berlinés de Kreuzberg. La cámara es testigo de todo lo que le pasa a la joven Victoria, una joven española de Berlín, durante dos horas de su vida: desde las cuatro de la mañana hasta las seis: desde que conoce a cuatro jóvenes para los que la noche acaba de empezar, y cómo en ese breve periodo de tiempo le suceden cosas que darán un giro total a su vida.


Reparto / Personajes

Laia Costa es Victoria
Frederick Lau es Sonne
Franz Rogowski es Boxer
Burak Yigit es Blinker
Max Mauff es Fuß
Entre otros


NOTA: 8.6 / 10


Acción, tiempo y espacio. Me he enamorado de Victoria. Cuarto y último largometraje de Sebastian Schipper. Una loable propuesta narrativa tan placida como fascinante y vertiginosa. Hipnótica es la palabra. Situada en las calles de Berlín en tiempo real y rodada en un único plano secuencia (la coordinación técnica es extraordinaria, recordaré googlear “making off”), Sebastian desde una perspectiva emocionante y moderna nos sumerge con cámara en mano en una historia de amistad naciente y crimen, música, alcohol, drogas y la promesa de un chocolate frío. 

Habrá personas conservadoras y/o menos disolutas que jamás pasarían una noche en las calles (estoy pensando en alguien que me decía: "si a mí me hablarán unos tipos así, saldría corriendo") ni fraternizarían con desconocidos, y por eso halla el planteamiento de Victoria inverosímil, pero, y sin estar a discusión si tales devaneos nocturnos son correctos o no, la verdad es que es algo común que muchos encontrarán familiar. Yo veo en Victoria un thriller generacional sumamente realista, realmente no es extraño el prolongar una noche de diversión con desconocidos en los que “confiarás plenamente”, y entonces, subir a un auto, asistir a una fiesta, pernoctar en la vía pública o pasar una de las aventuras más peligrosas e idiotas de tu vida con las personas que conociste hace 5 minutos, es algo natural. ¿Qué es lo que nos impulsa a tales decisiones? Esa angustia post-adolescente (e insuperable tengas la edad que tengas), simple curiosidad y estupidez, la soledad, vacío, el hastió… no lo sé, sentimientos que te hacen desear que la noche nunca termine porque por esa ocasión, estarías dispuesto a ir hasta el fin del mundo con tus nuevos amigos antes que regresar a la monotonía diaria. Es fácil tomar decisiones, pero no tanto lidiar con sus consecuencias.  Gracias a este hecho encuentro cautivadora la construcción de esta madrugada berlinesa, con todo y que Schipper destina casi medio metraje a presentarnos a los personajes y no es hasta su segunda mitad que arranca la acción. 

Respecto a Victoria, con la soledad del extranjero es que me quedo como pieza clave de este inesperado incidente que tiene como escenario los barrios berlineses de Kreuzberg y Mitte, caracterizados por sus clubes subterráneos de música techno. Es precisamente en uno de estos clubes que entre la bruma y las luces estroboscópicas, la cámara queda prendada del rostro de Victoria, no podemos hacer más que seguirla. Ser testigos por dos horas del giro que dará su vida al entablar amistad con cuatro berlineses, quienes… aunque después se salen las cosas de control, honestamente sólo querían mostrarle que la verdadera diversión berlinesa estaba en sus calles. Un argumento sencillo y aunque parezca extraño "cotidiano", vuelto explosivo gracias al cómo, el cómo es lo que hace especial el qué.

Por supuesto que éste no es el único filme que se sirve del plano secuencia, hay varios pero seguramente lo relacionaras más fácilmente (el estilo es similar) con Birdman (2014), pero Birdman busca rincones y texturas para hacer el corte y simular que no lo fue, es un falso plano secuencia. En Victoria no es así. Schipper consigue maniobrar un reducido reparto, 150 extras, 6 ayudantes de dirección, tres equipos de sonido y una cámara Canon EOS C300, para en tiempo real rodar un metraje de más de 2 horas a través 22 localidades, es una locura. Comenta su director la idea siempre fue ésta pero con el fin de conseguir el financiamiento había un plan B (y el proyecto que presentó) sería una versión de Victoria en jumpcut, filmando 10 minutos al día, algo que sirvió como el perfecto ensayo para finalmente atreverse a rodar su plano secuencia con cierto grado de improvisación. Comenta Schipper que el tiempo y el dinero les rindió para tres planos secuencias (tres películas), las tres salieron bien pero eligió la última.

Conociendo las exigencias que un proyecto de estas características demanda, la actuación en general y más Laia es muy acertada, me ha gustado la evolución anímica de los personajes. Sobre la fotografía, es genial aprovechando al máximo la luz natural. Otro tanto la música en donde destaco el tema Burn with me de Dj Koze.

Sin duda una grata experiencia a visionar, una implosión de emociones en tan breve tiempo. Entre sus mejores recibimientos en festivales están el Bundesfilmpreis (considerado el evento más prestigioso del cine alemán) donde obtuvo 6 premios y el Festival de Berlín. 

Como datos extra, el guion solo constó de 12 páginas (mencioné párrafos atrás hubo bastante improvisación en los diálogos). Y como anécdota, en la escena donde Laia conduce por última vez (no quiero spoilearte), se equivocó de camino y Schipper que iba en la camioneta oculto le gritaba muy feo, en la edición de audio los omitieron pero parte del pánico del personaje fue real. 

Otras películas en plano secuencia son Rope (1948) de Hitchcock, muy recomendable (aunque tiene cortes debido a que el celuloide de esa época no le permitía registrar un metraje tan extenso) y Russian Ark (2002) de Sokurov (pero es más bien “un paseo por el museo”). Y ya que mencionamos películas, hay que señalar cierta reminiscencia de Victoria con Run, Lola, Run (1998) de Tykwer y un poquito del cine de Gaspar Noé.



La puedes descargar por Mega, por este torrent o ver online en gnula.

miércoles, 7 de septiembre de 2016

A Field in England


Director: Ben Wheatley
Guionistas: Amy Jump y Ben Wheatley
País: Inglaterra / UK
Año: 2013
Duración: 90 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama - Fantástico / Drama psicológico - Histórico - Siglo XVII

Sinopsis: Un grupo de desertores de la Guerra Civil inglesa se encuentra con un alquimista quien les propone encontrar un tesoro oculto en un campo inglés. El problema reside en que el tesoro puede no ser tal tesoro y las misteriosas energías que rodean la campiña comienzan a hacer mella en la moral y la cordura del grupo.


Reparto / Personajes

Julian Barratt es Trower
Peter Ferdinando es Jacob
Richard Glover es Amigo
Ryan Pope es Cutler
Reece Shearsmith es Whitehead
Michael Smiley es O'Neil


NOTA: 8 / 10


De la Guerra civil al Leviatán. Hombres iguales por naturaleza. Es evidente que la guerra devuelve al ser humano a su estado más básico, y el campo batalla no es otra cosa que el escenario perfecto para arrojarle a esa excepcional igualdad: si bien, poseer una mayor fortaleza física o agilidad mental son herramientas que indiscutiblemente aumentara el porcentaje de supervivencia, todos yacen en igualdad bajo el mismo y continuo temor de una muerte violenta. Durante la guerra civil inglesa Thomas Hobbes escribió su Leviatán, un compendio de su pensamiento filosófico en el cual afirma que el ser humano es un animal esencialmente egoísta, y la fórmula elemental del egoísmo es la supervivencia. También, predominando dicho egoísmo el hombre sin soberanía tiende al caos, haciendo su vida un icono solitario, pobre, tosco, embrutecido y breve (capítulo XIII, click acá por si quieres checar el Leviatán).

A Field in England es un reflejo bastante visceral del pensamiento de Hobbes, distorsionado, ya que aquí la inclusión de esta “soberanía” (liderazgo) es el desequilibrio de la paz. La historia de un grupo de hombres, cada cual entre sí muy diferentes intelectual y físicamente, ya los conocerás, pero sin duda, una inesperada sociedad bastante unida e igualitaria, que ha decidido erigir sus esperanzas en la idea de, lejos de la guerra (¡al diablo la guerra!) encontrar una taberna y descansar, un deseo modesto. Pero sorpresivamente en el camino tropezarán con el siniestro y sádico O’Neil, autonombrado y reconocido líder del grupo, les someterá para lograr sus ambiciones: el hallazgo de un tesoro. Una tarea avivada por el poder, la desconfianza y la histeria azuzada por el consumo de hongos psicotrópicos. 

Cuarta película de Wheatley, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary (2013). Una interesantísima propuesta monocromática/psicodélica decorada por cuadros vivos e imágenes estroboscópicas, que nos ofrecerá un drama histórico onírico con algunos resquicios de comedia. Onirismo debe ser la palabra y la sensación final del filme… seguramente será odiada también por ello. No es una película para cualquiera, yo invitó a dejarse llevar y colaborar, no es tan complicado gracias a la atmósfera que posee (tan densa, espesa, atrapante), y al arte de su factura: leí algunos planos fueron tomados con un objetivo Holga. La fotografía es crucial y bien ejecutada por Laurie Rose (constante en la filmografía de Wheatley). Por otro lado, los silencios tan oportunos de los que goza y la actuación nos ayudan a sumergirnos en la trama. 

Debo admitir es la primera película que veo de este director. En ella veo (independiente del resultado bueno o malo) una disposición por refrescar y mostrar una personalidad propia. Anteriormente ya había visto su participación en el ABC de la muerte con el cortometraje U is for Unearthed… pero ello es tan minúsculo que no nos dice mucho, así... que sugiero, como yo haré, hacerse de uno o dos títulos más de este director inglés. 


Frases y diálogos

—Muéstrate, maldito cobarde. ¡No se puede escapar de este campo!
—¡Entonces, me convertiré en él! ¡Voy a consumir toda la desgracia que estás dispuesto a liberar! Voy a masticar toda intriga egoísta y la maldad que hombres como tú, imponen a los hombres como yo ... ¡y enterrarlas, en el estómago de este lugar!

Me siento... de repente vacío

¡Ah! ¡Abre y deja que el diablo entre, mi muchacho!


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También la puedes ver online en gnula.

lunes, 5 de septiembre de 2016

Hen, His Wife


Yego Zhena Kuritsa
Ego Yena Kouritsa

Director: Igor Kovalyov
Guionistas: Igor Kovalyov y Evgeniy Nazarenko
País: Unión Soviética
Año: 1989
Duración: 12 min. aprox.

Género / Tópico: Animación / Sátira - Cortometraje

Sinopsis: Una familia formada por un hombre azul, una gallina y una oruga antropomorfas convive plácidamente hasta que alguien llama a la puerta. Una visita que destruirá el mundo rutinario en el que vivían estos personajes.


La gallina, su esposa, es un imperdible cortometraje surrealista del ucraniano Kovalyov. Bajo el lema Tú no tienes que entender, tan solo tienes que sentir, desarrolla la historia del rompimiento de un matrimonio muy particular, un tema doméstico que no obstante su “probable intrascendencia” invita a un análisis breve pero obligado, las lecturas posibles son varias. 


Es de apreciarse los trazos agresivos y sucios, así como la anomalía física de sus bizarros personajes en pos de una absorbente atmósfera narrativa. También su visión sobre la paranoia y la depresión, a través de un ambiente histórico-político y un enfermizo fetichismo. 

Kovalyov es co-fundador junto a Alexander Tatarsky del legendario estudio de animación Pilot de la extinta Unión Sovietica. Tras la caída de la URSS (un episodio oscuro para la animación rusa, «los niños rusos sabían más de Mickey Mouse y los Simpson que de la cultura de su propio país»), Kovalyov, como otros animadores “soviéticos” migró a E.U.A. donde trabajó con Klasky Csupo en Rugrats, aventuras en pañales (1991) y Aaahhh!!! Monstruos (1994)… de ahí sus característicos trazos y formas de sus personajes.

Hen, his wife es su último cortometraje perteneciente a la época soviética y para mí el mejor de su carrera. Entre sus proyectos en E.U.A. ha realizado otros cortos, como Andrei Svislotsky (1992) con financiamiento ruso, y a través de su propia productora Klasky-Csupo, Flying Nansen (1999) y Milch (2005).

A veces, aunque lo más obvio salte a la vista, somos incapaces de verlo hasta que alguien nos lo señala.

sábado, 3 de septiembre de 2016

My Joy


Schastye Moe

Director: Sergei Loznitsa
Guionista: Sergei Loznitsa
País: Ucrania
Año: 2010
Duración: 127 min. aprox.
Trailer

Género: Drama

Sinopsis: Georgy es un camionero que sale de su ciudad natal con un cargamento. Al verse obligado a salir de la autopista sigue un camino equivocado que lo conduce a un extraño paraje. Aunque intenta reanudar su viaje, poco a poco se va adentrando, muy a su pesar, en la vida diaria de un pueblo ruso, un lugar donde la fuerza bruta y el instinto de supervivencia ahogan cualquier vestigio de humanidad o sensatez.


Reparto / Personajes

Viktor Nemets es Georgy
Vladimir Golovin es el anciano
Olga Shuvalova es la prostituta
Entre otros


NOTA: 7.5 / 10


Primer largometraje de Sergei Loznitsa, cineasta nacido en Bielorrusia y formado en Ucrania cuando ambas pertenecían a la URSS. Le anteceden más de 10 años de carrera cinematográfica orientada a los documentales, Loznitsa se interesa mucho por el factor humano y el medio rural, la posguerra y la guerra, filmados la mayoría de las veces en Rusia, pero también en Alemania y Francia y posterior a My Joy en Portugal. 

Cercano a los albores del cine podemos encontrar a ucranianos versados en este arte, sin embargo, me parece un error (más allá del espacio geográfico, social) llamarlo “cine ucraniano”. Ejemplo de ello es Dovzhenko, uno de los exponentes más importantes del cine soviético, nacido en Sósnytsia, Ucrania, en una época en que dicho país formaba parte del Imperio Ruso. De ahí que me parece más adecuado considerar al cine ucraniano después de 1991, fecha de su independencia. Ucrania, un país con un pobre desarrollo cinematográfico a consecuencia de la depresión y crisis post-soviética (el fracaso absoluto de su industrialización comunista), y actualmente la crisis de Crimea en el 2014, las protestas prorrusas (en el 2015 Ucrania prohíbe el cine y la música prorrusa) y la Guerra en el este del país (la independencia de Donetsk y Lugansk)… Por supuesto que existen lugares bellos en Ucrania, pero la constante tensión y los conflictos llega a sumergir a sus habitantes en cierto pesimismo, y es que  para su desgracia, no es un lugar muy popular para los turistas. Es importante tener esto en cuenta antes de ver My Joy, fortalece la atmósfera, tan… apática, opaca y cruda al borde del surrealismo. También le da un toque más sólido a la ironía de su título.

Después de eludir a las autoridades sin mucho esfuerzo (estaban ocupados aprovechándose sexualmente de una mujer), un joven camionero llamado Georgy decide tomar un camino alterno acompañado de un extraño anciano quien le relatará un evento personal acaecido en la Segunda Guerra Mundial, un acto de violencia que le dará tono al resto del filme. El anciano se va y tras conocer esta vez a una prostituta nuestro protagonista tomará una nueva desviación, internándose en un poblado ruso de expresiones frías e indiferentes, en el que desfilarán tanto en el presente como en el pasado una secuencia de personajes… más o menos de la misma naturaleza, vagabundos, soldados hostiles, policías que abusan de su poder, familias sin esperanza y habituadas a la pobreza. Situaciones infestadas por la corrupción, abulia, decadencia, violencia, inhumanidad y xenofobia, un ambiente que anuncia con menguar  el carácter y la personalidad de Georgy.

¿De casualidad estás familiarizado con el cine de Tarkovsky? ¿Stalker (1979)? Es un concepto diferente pero me sentí como entrando a aquella tierra baldía denominada “La zona”, My joy también es un sitio al límite territorial “alejado de la mirada de dios”, sórdido y estéril. Pero desafortunadamente este lugar no promete como aquel (La zona de Stalker) la esperanza de cumplir tus deseos, sino sólo el arrastrarte a su miseria, envolverte y no dejarte salir jamás.

El resultado, un relato abstracto y oscuro, entretenido en sus dos horas y un tanto indefinible, hasta podría pasar por una road movie. Es palpable la decadencia moral que busca transmitir, lo cual  saca adelante el metraje y algunos lapsos narrativos lentos. Es de apreciarse la estructura y el énfasis que le da a un par de flashbacks, aunque me parece no alcanzan a hilvanar bien la historia y generan cierto desconcierto/confusión, consiguen aportar un dejo de intriga (cuando entendemos que se trata de un flashback). 

Insensible y absorbente. Buen debut de Loznitsa, premiado en el Festival de cine Black Nights de Tallinn, el Festival internacional de cine de Ereván y el de Molodist de Kiev, y la Asociación rusa de críticos de cine. Dos años más tarde Loznitsa estrenaría su segundo largometraje, "En la niebla" con el que obtiene el Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes, 2012.


Como dato, mencionar que My Joy provocó polémica en varios medios rusos siendo señalada de rusófoba. 



La puedes descargar por torrent o checar el siguiente enlace para su descarga directa en Mega.
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