martes, 29 de enero de 2019

Burning

Buh-ning

Director: Lee Chang-dong
Guionistas: Lee Chang-dong y Jungmi Oh (basado en un cuento de Haruki Murakami)
País: Corea del sur
Año: 2018
Duración: 147 min. aprox.
Trailer 

Género: Drama - Thriller

Sinopsis: Cuando hace una entrega, Jongsu, un joven mensajero, se encuentra por casualidad con Haemi, una chica que vivía en su vecindario. La joven le pide que cuide a su gato durante un viaje a África. A su regreso, Haemi le presenta a un joven misterioso y con dinero que conoció allí. Un día, él revela a Jongsu un pasatiempo muy extraño... 


Reparto / Personajes

Ah-in Yoo es Lee Jong-su
Jong-seo Jun es Shin Hae-mi
Steven Yeun es Ben
Entre otros


NOTA: 9.1 / 10
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En Sobre la brevedad de la vida, el filósofo romano Séneca, reflexiona acerca del tiempo y el deseo –Tememos como mortales y Deseamos como Inmortales–, describe el tiempo como una inescrutable e intrínseca maldad que devora nuestra alma, pues los deseos humanos siempre serán más grandes que nuestra propia vida (sujeta no sólo a la mortalidad, sino a un cúmulo de normas). Pero, finalmente, qué es el desear sino esa articulación imaginativa de la posibilidad de que ocurra algo, y de qué depende de que ocurra, en primera instancia, de nuestra disposición para participar y estar dispuestos a reconocer dichos deseos, darles un significado y llevarlos a la acción… ¿A qué viene esto? Me es inevitable recordar Burning sin pensar en ello, en eso y en la constancia de un crimen. 

Burning es la sexta película –en más de 20 años– del cineasta Lee Chang-dong. Es una adaptación libre del cuento Quemar graneros, de Haruki Murakami. Debo admitir que no soy fan de Murakami (de quien sólo he leído Tokio blues, Crónica del pájaro que da cuerda al mundo y El elefante desaparece) ni de las adaptaciones de su trabajo al cine (he visto Tony Takitani (2004) de Jun Ichikawa y Tokio Blues (2010) de Tran Anh Hung); de hecho “no me gusta mucho”, y sin embargo Burning me ha encantado en muchos aspectos, y creo que da vida de una forma maravillosa al cuento de Murakami, del cual, sin ser una adaptación al pie de la letra (afortunadamente), sí comparte de principio a fin, fielmente, varias escenas y diálogos; y la construcción tan mágica del personaje femenino alrededor del cual gira el universo de Lee Chang-dong y Murakami, excelso en su cotidianidad.

Burning narra la historia de un joven repartidor de nombre Jongsu, que sueña con ser escritor (quizá la granja de su padre, quien está en custodia por agredir a un oficial de policía, sea el lugar para encontrar tal inspiración), y como su vida cambia al conocer a Haemi, una hermosa modelo que afirma crecieron juntos, sólo que él no la recuerda porque se hizo una cirugía plástica, ¿es esto verdad o está mintiendo y él solo es el sujeto que cuidará a su gato cuando ella no esté?, ¿en realidad existe ese gato?, preguntas que son parte de una serie de suposiciones y ambigüedades a la que sus personajes y nosotros nos enfrentaremos, qué es la verdad sino finalmente lo que terminamos creyendo.  A partir de aquí nace una amistad entre ellos, interrumpida sólo por el viaje anunciado a África de Haemi (inquieta, dulce, soñadora y con hambre existencial). Jongsu, enamorado a estas alturas, aguardara su regreso, el cual sucede, pero para su desgracia es de la mano de Ben, un joven adinerado que conoció en Kenia y quien más adelante confiesa que su pasatiempo es incendiar invernaderos. Una confesión que guarda en sus entrañas, si lo ves como metáfora, una enorme perversión y maldad.  La película de Lee construida en más de dos horas transcurre con ternura en su primera parte para abordar la amistad de Jongsu y Haemi, dando paso al encuentro con Ben, lejos de ser la representación de un triángulo amoroso el filme se tuerce en un thriller, que sumergirá a Jongsu en confusión y desesperación, que parece susurrar con angustia “algo aquí no anda bien pero no sé qué es”.

Un filme que expone la situación actual de muchos jóvenes (a quien la vida económicamente les trata peor que a sus padres, compara la posibilidad de adquirir una casa hace 30 años con hacerlo ahora), y la brecha, tan acentuada, entre la clase media-baja y alta. Y la frustración y los deseos que nos consume, como un golpe en el corazón cuando los saboreamos. 

¿Qué el metraje es demasiado largo? Lo es, son más 2 horas, pero están tan bien aprovechadas, y mira que para mí el tiempo ideal es 1 hora y media. Es una apreciación personal, por su puesto, pero como pocas veces, siento que no hay un minuto, una palabra, una escena que sobre. Visualmente es magnífica, la fotografía a cargo de Kyung-pyo Hong (recordarás su trabajo en películas como Mother (2009) y Snowpiercer (2013) de Bong Joon-ho o The Wailing (2016) de Na Hong-jin) a servicio del equipo de diseño de producción y edición arrojan cuadros maravillosamente poéticos. El guion como bien he dicho, juega con esa ambigüedad que al final en efecto resuelve las cosas, nada de cabos sueltos, y sin embargo nos deja para reflexionar varios puntos. La actuación otro aspecto a reconocer y la construcción de cada personaje, tan llenos de propósitos, de vida. Yoo Ah In (es un actor que por vez primera veo), Yeun Steven (quien poco a poco se está desprendiendo de la imagen de Glenn de TWD y hace poco protagonizaba Mayhem), y Jong-seo Jun (adorable en su papel, y prácticamente debutante en el cine).

¿Qué es una película difícil de apreciar? No lo sé… yo no estoy tan acostumbrado al cine de Lee que suele rozar el cine de autor y por lo regular durar más de 2 horas, poseer, tomas largas, silenciosas y sus “cabos sueltos”, tampoco suelo admirarme del “onanismo” de algunos cineastas, y no obstante la disfrute mucho. Quizá lo único que me hizo ruido fue su música socarrona, por fortuna tenue y suspendida por Générique de Miles Davis. 

Galardonada en el Festival de Cannes con el premio FIPRESCI (y en otros festivales). Como datos extras, comenta Lee, demoraron un mes en grabar la escena aquella de Miles Davis, era necesario para capturar el atardecer perfecto; y, Burning es la elegida por Corea del Sur para competir en Los premio Oscar del 2019 a la Mejor Película de Habla no Inglesa. 



En realidad, no se trata de imaginar que existe, sino de olvidarte que no está.

Es semejante a la lluvia. Llueve y el río crece, se desborda y gente es arrasada. ¿Acaso la lluvia la está juzgando? El bien y el mal no existen, es solo la moralidad de la naturaleza. 




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viernes, 25 de enero de 2019

Before We Vanish

Sanpo Suru Shinryakusha

Director: Kiyoshi Kurosawa
Guionista: Kiyoshi Kurosawa y Sachiko Tanaka (basado en la novela de Tomohiro Maekawa)
País: Japón
Año: 2017
Duración: 127 min aprox.
Trailer

Género / Tópico: Ciencia ficción - Drama - Comedia / Extraterrestres

Sinopsis: Narumi y Shinji atraviesan una mala racha en su matrimonio. Un día Shinji desaparece y cuando vuelve está totalmente transformado. Al mismo tiempo, una familia aparece brutalmente asesinada y extraños fenómenos empiezan a producirse en la ciudad. El periodista Sakurai empezará a investigar el misterio.


Reparto / Personajes

Ryûhei Matsuda es Shinji Kase
Masami Nagasawa es Narumi Kase
Hiroki Hasegawa es Sakurai
Mahiro Takasugi es Amano
Yuri Tsunematsu es Akira Tachibana
Entre otros


NOTA: 5.9 / 10
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¡Vaya! Qué decir de Before we vanish… es una de esas películas que sin ser mala me ha decepcionado muchísimo. Vigésima película del cineasta japonés Kurosawa. Director y guionista quien en más de 30 años de su carrera ha dirigido películas de terror como Cure (1997) y Pulse (2001), thrillers como Creepy (2016) y Retribution (2006), y dramas como Journey to the Shore (2015) y Tokyo Sonata (2008) por los cuales fue galardonado en el Festival de Cannes con el Premio al Mejor Director y el Premio Especial del Jurado, respectivamente. 

Por su parte, Before we vanish es un filme de ciencia ficción, comedia y romance, con dejos de espiritualidad, violencia y una ligera sátira política. ¿A que suena interesante? Kurosawa narra el inicio de una invasión alienígena (a lo Invasion of the Body Snatchers (1956) de Don Siegel) en donde estos enviados del espacio exterior tienen como misión recopilar conceptos (¿podemos reducir la naturaleza humana a un puñado… o una tonelada de conceptos? Finalmente no sólo es nuestro medio de comunicación sino de razonamiento…), tales como “familia”, “felicidad”, “yo mismo”, “otros”, “amor”, con la condición de que estos al ser capturados serán borrados de la mente del ser humano donador, llevándolo al delirio y caos, pero también a la libertad… por ejemplo, tenemos el caso de un hombre que pierde el concepto de “propiedad” y se transforma en una especie de predicador o el hombre que pierde el concepto de “trabajo” y vuelve a su infancia. Y bueno, una vez capturada la mayor parte de conceptos y reunidos nuestros alienígenas, el exterminio de la humanidad será inevitable. 

El discurso de Kurosawa se desarrolla según estos extraterrestres se acoplan a su receptor humano (abordamos la historia desde el punto de vista de cada uno). Un joven que mantiene constantes charlas “filosóficas” con su guía humano, un reportero; una colegiala que tiende a la violencia más letal; y un hombre con su matrimonio fracturado pero en el cual, aún hay amor. 

¿Cuál es el problema? La vacuidad con la que es manejado el tema y lo poco trascendental de sus diálogos, y sin embargo, son tantos… hablan demasiado. La duración de la película. La falta de dirección argumentativa y de elección de género, es y no es una película de ciencia ficción, de comedia, de drama, de romance, incluso el ritmo y las escenas, ya sean violentas, románticas o con aspiraciones espirituales, están muy distantes entre sí, por ende su ritmo es lento y carente de tensión. Técnicamente, más allá de la actuación, Before we vanish tampoco sobresale. 

Una interesante propuesta pero que desgraciadamente me parece, no alcanza la calidad ni claridad que suelen tener las películas de Kurosawa. 




La puedes descargar desde este Torrent.

miércoles, 23 de enero de 2019

Hagazussa


Director: Lukas Feigelfeld
Guionista: Lukas Feigelfeld
País: Alemania
Año: 2017
Duración 101 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Terror / Siglo XV - Brujería

Sinopsis: Albrun vive en los Alpes cuidando de un rebaño de cabras desde que murió su madre, veinte años atrás. Un día, se da cuenta de que hay una presencia siniestra acechando en lo profundo del bosque, y el miedo hará que su realidad empiece a adquirir progresivamente los contornos de una pesadilla.


Reparto / Personajes

Aleksandra Cwen es Albrun
Celina Peter es Albrun cuando niña
Claudia Martini es la madre de Albrun
Tanja Petrovsky es Swinda
Entre otros


NOTA: 6.5 / 10


Debut del cineasta austriaco alemán Feigelfeld y proyecto de graduación. Una fábula folclórica de corte vanguardista que busca retratar la vida de una joven madre en Los Alpes, acusada de ser bruja. Muy diferente a The Witch (2015) de Robert Eggers, Feigelfeld busca con su minimalismo, narrar el desprecio con el que las mujeres paganas eran tratadas en el siglo XV. Una obra onírica que se aleja mucho del concepto de “terror”  y a través de su fotografía y atmósfera intenta redefinirlo; por ende, no apta para el cinéfilo de terror convencional, podría parecer demasiado lenta y austera (pese a un par de escenas inquietantes). 

Sombra. Cuerno. Sangre. Fuego. Feigelfeld divide su película de horror rural en varios capítulos para narrar la historia de Albrun, víctima de la superstición de su época, aquella en donde culpan a los judíos de la peste y cuentan relatos sobre espíritus malignos que habitan en los bosques, y secuestran mujeres para procrear. Pero, ¿dónde yace más el terror, en los bosques o en la pérfida alma campesina? Un terror que arrojara a Albrun a padecer pesadillas psicodélicas, visiones fantasmales y horrores caníbales. 

Un filme que ve su mejor atributo en su atmósfera, y personajes femeninos. Su estructura narrativa dividida en capítulos hace más fluido el ritmo, a su vez, estos encierran alguna escena que le dará título, ya sea un erótico ordeño o la inmersión en el pantano. Hablaba de que, para el espectador convencional (más allá de los gustos de cada quien) le podría parecer algo lenta, Feigelfeld se recrea en tomas largas, lentas e hipnóticas, en donde los close-up y la ausencia de diálogos es habitual.



La puedes ver en línea desde Gnula o descargar usando este Torrent.

sábado, 19 de enero de 2019

Nancy


Directora: Christina Choe
Guionista: Christina Choe
País: E.U.A.
Año: 2018
Duración: 87 min. aprox.

Género / Tópico: Drama / Drama psicológico - Cine independiente USA

Sinopsis: Nancy no distingue entre realidad y ficción y está cada vez más convencida de que fue secuestrada cuando era niña. Cuando conoce a una pareja cuya hija desapareció hace 30 años, las dudas cogen peso y el poder de las emociones amenaza con sobreponerse a lo racional.


Reparto / Personajes

Andrea Riseborough es Nancy Freeman
J. Smith-Cameron es Ellen
Steve Buscemi es Leo
Ann Dowd es Betty
John Leguizamo es Jeb


NOTA: 8.5 / 10


Catfishing, depredadores de Internet. ¿Qué tanto hay de ello en “Nancy”? Bastante, aunque de una manera menos perversa y más bien miserable. “Nancy” es el primer largometraje de Christina Choe, ganadora en el 2018 en el Festival de Sitges a Mejor Actriz y en el Festival de cine independiente de Sundance a Mejor guion. Un drama gris y pesimista que gira en torno a la mitomanía y la necesidad de ser algo para alguien. De sentirse especial. 

Durante un frío inverno conoceremos a Nancy, una solitaria mujer de 35 años, de aspecto frágil oculta las canas de su cabello con tinte barato. La ciudad, cual reflejo de su personalidad, se descubre decadente en medio de su monotonía. Despreciada por su madre (con quien vive) e ignorada por el “mundo” crea un blog en internet en base a una personalidad falsa, más atractiva que la propia, y edita sus fotografías para inventarse vacaciones en Corea del Norte. Pero ello es sólo el punto de partida para una vida “real” y mejor, cuando casualmente en los noticieros de Tv, sabe de la noticia de un matrimonio que después de décadas, mantienen la esperanza de encontrar a su hija secuestrada; el retrato de cómo sería aquella niña a sus 35 años se parece tanto a ella, como si fuese su doble, aunque más feliz, más realizado. Tal vez es su oportunidad de tener algo, de encajar y tener una familia.

Interesante, aunque en lo absoluto emotivo es el filme de Choe. Enormemente simplista. Entonces, ¿cuál es la magia qué da “brillo” a la historia de un ser alienado y desgraciado? El guion de Choe, sin demasiadas demoras y a paso lento desarrolla con pericia las necesidades de amor de sus desilusionados personajes, heridos por la soledad. Así mismo la actuación de Riseborough, a quien ese mismo año tuvimos la oportunidad de ver torturada en Mandy de Panos Cosmatos, también premiada en el Festival de Sitges. Aquí exhibe un personaje inmaduro de aspecto agotado que podría envejecer e incluso morir sin percatarse, incapaz de darle un sentido a su vida, que sueña con ser artista, sin tener educación, perezosa, y pese a que el mismo arte le aburre. 

Escribo brillo entre comillas ya que en realidad es una película bastante sombría que sus puntos fuertes: la actuación y el guion, son los mismos que terminan limitándola. Jamás logramos sentir empatía por sus personajes, y su final es gris, apagado, remitiendo el clímax de la película a un suceso felino (me encanta esa parte, como no es mi deseo hacer spoiler no lo detallaré, pero es parte del punto medular del filme). Entre otras cosas tenemos una estupenda fotografía (a lo cine indie) de Zoë White, y la música del compositor Peter Raeburn. 

De modo que, con sus limitaciones, es una película a apreciar, además de que su duración, menos de 1 hora y media, hace más fácil su visionado. A ver qué sucede con Riseborough, quien el próximo año protagonizará el remake de Grudge (Takashi Shimizu), dirigido por Nicolas Pesce (director de The Eyes of My Mother).



Si la quieres descargar checa en este Torrent. También la puedes ver en línea en Gnula.

martes, 8 de enero de 2019

American Animals


Director: Bart Layton
Guionista: Bart Layton
País: Reino Unido
Año: 2018
Duración: 120 min. aprox.

Género / Tópico: Drama - Thriller / Robos y Atracos - Basado en hechos reales

Sinopsis: Nunca seremos tan especiales como soñábamos cuando éramos pequeños. Este es el chasco que se llevan Warren y Spencer, dos jóvenes de clase media sumidos en el desencanto de la vida común y que se rebelarán contra el sistema planeando un robo.


Reparto / Personajes

Spencer Reinhard es Spencer Reinhard
Barry Keoghan es Spencer Reinhard
Warren Lipka es Warren Lipka
Evan Peters es Warren Lipka
Eric Borsuk es Eric Borsuk
Jared Abrahamson es Eric Borsuk
Chas Allen es Chas Allen
Blake Jenner es Chas Allen
Entre otros

NOTA: 7.2 / 10


Entre el documental y el drama Bart Layton vuelve al cine después de haber dirigido hace seis años The Imposter, un documental sobre Frédéric Bourdin, “Le Caméléon”, con el cual fue galardonado en varios festivales de cine, incluyendo el de Sundance, Los Premios de Cine de la Academia Británica y Los Premios del Cine Independiente Británico. Por su parte American Animals es un thriller increíblemente entretenido. ¿Increíblemente? Sí, porque la historia real es insulsa y una alegoría a la estupidez.

Protagonizada por Evan Peters (American Horror Story) y Barry Keoghan (The Killing of a Sacred Deer), Layton lleva a la pantalla el atraco perpetrado por cuatro estudiantes a la biblioteca de la Universidad de Transilvania en Kentucky, en el 2005. Una adaptación bastante acorde con los hechos que sucedieron en realidad, eso es en donde brilla el ingenio de Layton. Su capacidad para dotar de interés tal historia. 

La película muestra en pantalla a los actores reales del atraco, Reinhard, Lipka, Borsuk, Allen, y la mismísima Betty Jean Gooch, mezclados con imágenes de los noticieros y la dramatización a cargo de Peters, Keoghan y compañía. Así, desde el particular punto de vista de ellos, narra la historia que cambio sus vidas, la idea nacida de la mente de Reinhard, un talentoso pero insatisfecho estudiante de arte que ingresa a la Universidad de Transilvania con la esperanza de experimentar, de hallar esa autodestructiva visión del mundo que hacía de los torturados artistas que admiraba (Van Gogh, Monet…), majestuosos; decepcionado Reinhard acude a su violento e inadaptado amigo Lipka (herido por el divorcio de sus padres) para trazar, con la cooperación de Allen y Borsuk, el plan que los hará millonarios: robar de la biblioteca de la universidad ejemplares valuados en millones de dólares, el The Birds of America de Audubon y la primera edición del On the Origin of Species de Darwin, entre otros. 

Un filme muy bien construido que nos sumerge en el género de Atracos, en donde veremos a las mentes menos brillantes elaborar un plan, que nos hará recordar a películas desde Ocean's Eleven (2001) a Rififí (1955) –más aún con su excelente punto de inicio, aquel maquillaje sobre los ojos–, consiguiendo transmitir la angustia y la emoción de sus protagonistas, a través del deseo y la ambición, la duda y el remordimiento. Seguramente, para estos cuatro jóvenes (en la vida real) una experiencia febril e inigualable. ¿Querían experimentar? Lo tienen, y también las consecuencias. 

Entre sus mejores atributos tenemos su ritmo, que pese a las intervenciones de sus homólogos reales, logra conservarse; la excepcional fotografía de Ole Bratt Birkeland (de quien también pudimos apreciar su trabajo en la serie Utopia (2013) de Dennis Kelly ¡tienes que verla!); la actuación (Keoghan me dejó muy intrigado luego de verlo en El sacrificio del ciervo sagrado), el soundtrack en donde escuchamos a bandas como The Doors, Primal Scream, Elvis Presley, Alt-J, The Ramones, Rage Against the Machine, Leonard Cohen, y el cameo de Udo Kier. 

¿En contra? Pues… que American Animals carece de alma. De un mensaje. ¿Qué nos quiere decir Layton? Nada. A otras películas o directores es algo que se les exime, pero no a Layton, American Animals debería de tener un discurso y ser más que entretenimiento, algo más que hacer ver como  una tragedia la idiotez de cuatro estudiantes (que su historia no debería de trascender más allá de la lista de los crímenes más tontos de la historia). 




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Trauma


Director: Lucio A. Rojas
Guionista: Lucio A. Rojas
País: Chile
Año: 2017
Duración: 110 min. aprox.
Trailer


Género / Tópico: Terror / Venganza

Sinopsis: Cuatro amigas deciden pasar unos días en un pueblo. Tras la primera impresión de encontrarse en el paraíso, se encuentran con un hombre y su hijo que tienen una forma muy particular de divertirse. Los atacantes llevan encima todo el legado siniestro del periodo más oscuro de la historia de Chile.


Personajes / Reparto

Catalina Martin es Andrea
Macarena Carrere es Camila
Ximena del Solar es Julia
Dominga Bofill es Magdalena
Daniel Antivilo es Juan
Felipe Ríos es Mario
Entre otros


NOTA: 5 / 10


Cuarto largometraje del cineasta chileno Lucio A. Rojas. Versado en el terror al momento había dirigido tres películas: Muerte ciega (2011), Perfidia (2014) y Sendero (2015), en los subgéneros zombi, sobrenatural y slasher, respectivamente. En esta ocasión Trauma hace referencia a las violaciones a los derechos humanos durante la dictadura militar de Augusto Pinochet, época en donde el encarcelamiento, secuestro, tortura, violación y el exterminio eran parte de una política sistemática. En palabras del propio Lucio A. Rojas: “en aquellos días se vivió una de las peores y más violentas épocas en que ser humano alguno pudo existir”. Un filme proyectado en la Cineteca Nacional Mexicana dentro del marco del Festival Internacional de Cine de Horror Macabro. Controversial, comparado por algunos críticos con A serbian film (2010) de Srdjan Spasojevic. 

¿Qué decir de Trauma? Honestamente me acerque a Trauma por mero morbo, así como lo hice con Atroz (2015) de Lex Ortega (una película malísima). ¿Morbo? Sí, a veces pese a los prejuicios me acerco a dicho cine, sabiendo de por medio que será una “basura”, esperando que no lo sea. Porque la mayoría del cine contemporáneo de terror mexicano y latinoamericano no suele ser bueno (tanto en calidad como en creatividad); y no es malinchismo, aprecio el cine y lo mismo puedo ver una película de Uganda como sueca, marroquí, japonesa, española, argentina o la película norteamericana de superhéroes más comercial y disfrutarla con imparcialidad. Desgraciadamente Trauma no es la película que su director pretende que sea, aquel golpe a la moral y al pasado chileno (como la cicatriz en el rostro de su protagonista, está ahí para decirnos que es real), aquel metraje desafiante y brutal en busca de concienciar al espectador. Para mí, perorata de un depravado… y es que qué no hace falta ser chileno o no para entenderla, tampoco hace falta basarse en un episodio de la historia para mostrar atrocidades: si lo quieres hacer hazlo y punto, que atrocidades en la historia de la humanidad sobran. Vamos, hay que ser honestos. ¿Concientizar? Si como cineasta quieres dar rienda a tu depravación, adelante.

Con algunos flashback Rojas nos explica el porqué de la mente enferma de Juan, torturado y obligado a a su vez a torturar durante la dictadura chilena, hoy día junto a su hijo, se dedica con total impunidad a secuestrar mujeres del pueblo para abusar de ellas de las formas más brutales. El clímax de sus acciones ocurre, cuando juntos atacan sexualmente a un grupo de amigas que han llegado al pueblo a vacacionar, y acto seguido, secuestra a una niña para formar parte de su atormentado harem. Una retahíla de asesinatos, torturas, canibalismo, incesto, homosexualidad, violaciones, necrofilia e incluso abuso infantil.

¿Reniego de las atrocidades que Rojas nos muestra en pantalla? No, están bien y seguramente he visto escenas "más fuertes". En su momento disfrute de películas como A Serbian Film (2010), The Life and Death of a Porno Gang (2009), I Spit on Your Grave (1978), etc.  Pero aquí lo que pasa es que el guion es bastante malo, la historia peor aún, y la construcción de sus personajes es inexistente. Sus personajes son acartonados y más insulsos y faltos de alma que cualquier personaje de una película gore (¿te imaginas?). Las locaciones son “buenas” pero no la fotografía. El dramático final absurdo, aunque “gratamente” violento y predecible. 

En resumen, un filme que se esfuerza en ser controversial, que se pretexta en la dictadura para excederse. Del cual sólo puedo destacar su enferma atmósfera y sus escenas gore (no están mal, he visto peores efectos especiales). ¿Recomendable? Sólo si te da morbo. 



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