viernes, 31 de julio de 2015

Gun Woman


Director: Kurando Mitsutake
Guionista: Kurando Mitsutake
País: Japón
Año: 2014
Duración: 85 min. aprox.
Trailer

Género - Tópico: Acción / Venganza

Sinopsis: Un brillante médico que busca venganza, compra una mujer y la entrena para que sea la asesina perfecta. Su plan es implantarle las piezas de un arma en su cuerpo para matar a su objetivo, antes de que muera desangrada…


Reparto / Personajes
Asami es Mayumi: Gun Woman
Kairi Narita es Mastermind
Noriaki Kamata es el hijo Hamazaki
Matthew Floyd Miller es el asesino
Dean Simone es el chofer
Entre otros


Ganadora del Premio Especial del Jurado en el Yubari International Fantastic Film Festival realizado en el 2012 en Japón, Gun Woman, ofrece un homenaje al Pinku eiga, subgénero sin equivalente occidental que tanto impacto tuvo a finales de los 60s y 70s con directores como Kôji Wakamatsu y su polémica Violated Angels (1967) o Norifumi Suzuki con Sex and Fury (1973) y Convent of the Sacred Beast (1974), un cine que se enfocó en manejar temáticas como la venganza, los secuestros, la vida carcelaria, y temas de drogadicción y prostitución con el fin de sublimar todo su instinto creativo en cuanto a la violencia y el sexo, vamos, lo que sería el exploitation japonés pero protagonizado por mujeres.

Sí… el filme con su factura de telefilm nos trae a la mente aquel género, sin embargo éste tiene prioridad por la acción, sin ser tan aberrante o morboso en temas como aquellas películas, sí, se tocan actividades como la necrofilia y se habla de un degenerado sexual multimillonario, pero las obras de este sujeto son sólo el punto de partida no el desarrollo del filme de Mitsutake, quien por cierto ya había debutado como director en Estados Unidos con una película de Serie B de zombis y samuráis titulada Samurai Avenger: The Blind Wolf.

Tras finalizar un trabajo pendiente un par de asesinos a sueldo americanos emprenden un viaje por el desierto, con el fin de matar el tiempo charlan acerca del desplome del clan Hamazaki. Toda una leyenda gestada por el terror que causaba la perversión sexual e impulsos homicidas de su heredero y recién líder del clan, un loco sádico que no veía límites. ¿Cómo un personaje de esta trascendencia pudo morir? Se cuenta que tras la violación y muerte de la esposa de un médico a manos de Hamazaki, éste juro no descansar hasta tener su cabeza. El médico se preparó durante años donde urdió un plan infalible que involucraba su arma mortal: una mujer recién rehabilitada de las drogas.

Un argumento bastante simple que la misma sinopsis relata y Mitsutake desarrolla desde el punto de vista de la Mente Maestra (el médico) y Mayumi, interpretada por Asami, la recurrente actriz de Noboru Iguchi (Robo-geisha, Fashion hell, Mutant girls squad, Zombie Ass: toilet of the dead, Dead sushi, y otras películas de Terror-Erótico-Comedia). Un filme de actuaciones exageradas en busca de un risible dramatismo, con más de un par de incongruencias, acción, sangre, y una Asami que transcurre desnuda por casi media hora.

Una película que si ubicamos dentro del Pinku Eiga se queda corta en expectativas, pero si observamos de forma más indulgente y lejos de ese género resultará entretenida y hasta cierto punto divertida, desde la primera escena: breve, y contundentemente violenta, pasando por la formación de Mayumi a los delirios del loco Hamazaki en una lejana instalación a lo Hostel (2005) —¿recuerdas el cameo de Takashi Miike?—, aunque con más pulcritud, para explotar en un enfrentamiento colmado de sangre y con epilogo incluido.

Frases

Deberás vivir, vivir y contar al mundo lo que soy, una leyenda.

Amaba violarlas vivas pero aún más cogerlas muertas.




Si no la ves no te pierdes de nada, si la ves supongo te entretendrá, y si te gusta Asami imagino la disfrutarás. Puedes descargarla desde este torrent.

sábado, 25 de julio de 2015

Wyrmwood: La carretera de los muertos


Director: Kiah Roache-Turner
Guionistas: Kiah Roache-Turner y Tristan Roache-Turner
País: Australia
Año: 2014
Duración: 92 min. aprox.
Trailer (no sugiero verlo, mucho spoiler)

Género / Tópico: Terror / Comedia de terror - Zombis

Sinopsis: La vida de Barry da un giro radical cuando su hermana es secuestrada por un científico loco, justo en el momento en que se desencadena un Apocalipsis zombi. Buscando aliados entre los supervivientes, el protagonista atravesará Australia para rescatar a su hermana.


Reparto - Personajes
Jay Gallagher es Barry
Bianca Bradey es Brooke
Leon Burchill es Benny
Berynn Schwerdt es el Científico Loco
Keith Agiusl es Frank
Luke McKenzie es el Capitán


Wyrmwood es el debut zombi de los hermanos australianos Roache-Turner, estrenado en el Fantastic Fest 2014 en Austin Texas ha logrado impactar al publicado positivamente. Una empresa significativa considerando el basto mundo zombi en el cine y la casi nula seriedad que se le ha encasquetado durando los últimos años: de ofrecer una alternativa de terror pasó  a convertirse en meramente una opción palomitera y risible cada vez menos original.  Y… por supuesto que Wyrmwood lo es, sin embargo, es favorecida por la inventiva y creatividad de estos hermanos que han sabido aportar al género un elemento sí, poco original, pero al momento no recurrido: la telehipnosis. Pensarás, ¿es en serio? Sí, y ni si quiera se gasta en explicaciones, lo cual sería absurdo si se tratase de otro género. ¡Ah! Sí, y Carburante :D

Nacida con la intención de amalgamar elementos de Mad Max (1979) y Dawn of the Dead (1978), producida con un mínimo presupuesto y rodada sólo los fines de semana durante 4 años, consigue explotar la inexperiencia profesional de sus actores (aquí muy sobreactuados pero extrañamente idóneos) y apoyados de la fotografía del también debutante Tim Nagle, hacer una road movie de bastante calidad, en un entorno post-apocalíptico, repleta de acción, violencia y sesgos de comicidad (admito, no todos los chistes funcionan). La caracterización de los zombis es aceptable, y de los protagonistas aún mejor, su carencia de importancia es la clave, son bastante comunes e insignificantes… aunque debo admitir Barry a ratos parece una parodia de Evil Dead 2 (1987) de Raimi.

Superando algunos tropiezos en el guion, de hecho al comienzo la integración de los flashbacks es un poco confusa y no bien definida (la presentación Brooke/Barry), maneja con buen ritmo la evolución de una historia bastante simple, desde el encuentro casual del recién formado equipo mata zombis encabezado por Barry y su traslación a Bulla Bulla con el fin de encontrarse con su hermana, fotógrafa de una especie de softporno lésbico oscuro, a la lucha por su supervivencia de ella misma al ser secuestrada por un científico loco entregado a sus mórbidos intereses neuronales.

En el pasado Australia ya había producido, a cargo también, de otros hermanos debutantes, un filme zombi de ciencia ficción (en esa ocasión con extraterrestres), fue Undead (2003) de los hermanos Spierig, “fresco” y divertido. Wyrmwood con menos recursos y desde otra perspectiva, a mi juicio –ante el hecho de que hace mucho vi Undead y ya no la recuerdo bien :P – no sólo repite sino resulta más redonda, con más “coherencia”.



Tan buena recepción ha tenido que se habla de una secuela para el 2017, no sé qué tan buena idea sea, a mi gusto el final parece abierto pero creo sería mucho mejor dejarlo cerrado.

Si la quieres descargar te sugiero este torrent

Si la quieres ver online puedes ir a Miradeto.

martes, 21 de julio de 2015

Found


Director: Scott Schirmer
Guionista: Scott Schirmer (Novela de Todd Rigney)
País: E.U.A.
Año: 2012
Duración: 103 min. aprox.

Género / Tópico: Terror / Asesinos en Serie

Sinopsis: A Marty le va muy bien en la escuela. Tiene buenas calificaciones, escucha a sus maestros y no se mete en problemas en clase. Pero la oscuridad está comenzando a caer sobre la vida de Marty. Los niños en la escuela no se acercan a él, sus padres no parecen entenderlo, y ahora Marty debe lidiar con un terrible secreto que amenaza con destruir la vida como él la conoce: su hermano es un asesino serial.


Reparto - Personajes
Gavin Brown es Marty
Ethan Philbeck es Steve
Alex Kogin es David
Phyllis Munro es la mamá
Louie Lawless es el papá
Andy Alphonse es el pastor


Adaptación de la novela homónima de Todd Rigney, escrita en el 2004 y a la cual le seguiría una antología de cuentos titulada Twelve (Stories Concerning Love and Death). No los he leído, de hecho no sabía de su existencia, sin embargo pienso Schirmer logra transmitir el terror preadolescente que pliega los relatos de Stephen King (no sé qué tan parecido sea a Rigney), el horadar en la psicología de sus jóvenes protagonistas develando sus anhelos, temores y conflictos íntimos propios de la edad (y por supuesto, de la situación extraordinaria a la que están sujetos) encaminados a un desenlace de lo más visceral. También, es claramente una película de horror/terror para los fanáticos del horror/terror, saudades de la vida, memorias de nuestra infancia deslizándonos por los pasillos del videocentro en busca de títulos y portadas demoniacas y sangrientas, recogiendo restos del boom del cine de terror de la década de los 80s y 90s protagonizado por los slasher, y no sólo eso, sino por esas míticas snuff movies que nos hicieron frotar las manos con una sonrisa retorcida. Chiquillos menores de 12 años cuestionando su mórbida perversidad jamás saciada, sino acrecentada con el auge del internet en 1999-2000 y por cuanta depravación se encontraba con relativa facilidad ahí. Pero eso ya es otra historia, regresando al cine, años donde nos enamoramos de títulos como Guinea Pig 2: Flowers of Flesh and Blood, el trabajo de Jörg Buttgereit (más que Nekromantik amé Scrahmm) y Andreas Schnaas, entre otros. Si fuiste un chico de estos, seguro sonreirás al ver a Marty seleccionando los VHS en el videocentro, y a la bella colección de Steve.

Found gira en torno a Marty, un chico callado, inteligente y con dotes para el dibujo, que sufre de bullyng en la escuela, incomprendido por sus padres ve refugio en comics violentos y películas de terror. Su vida gira cual moneda en el aire cuando descubre por accidente en el armario de su hermano una cabeza humana, y ésta no siempre será la misma, el horror, el morbo y la insensibilidad nacen en él... y así, mientras los otros chicos se infiltran a la habitación de sus hermanos mayores para ver sus revistas pornográficas, Marty lo hará para ver la cabeza humana en turno. 

Con ciertos desperfectos en la actuación que nada nos importan, y en algunas escenas (la de la pala) es un filme hecho con cariño, que cumple lo anunciado con bastante calidad. Capaz de arrastrarnos en el tiempo y situarnos en un universo infantil lleno de inocencia y fantasías violentas. Dejándose ver las trasgresiones sociales convencionales y morales que hacen de un chico-asesino en potencia, un ser socialmente aceptable, que nos lleva a la magia de los antihéroes en un comic y al constante monologo muy de un niño que piensa de más, un buen chico, inquieto, analítico y de una serenidad y temple que cualquier adulto envidiaría. Como escenario, un suburbio cualquiera en E.U.A., uno de esos bonitos vecindarios donde en The Woman (2011) o en An American Crime (2007) –la primera ficción, la segunda un hecho real– el deleite era torturar y violar a una salvaje y a una niña, respectivamente. El horror que puede haber tras las cálidas fachadas de un hogar.

Admito el desenlace es introducido abruptamente pero una vez iniciado corre a saltos para ofrecernos un final que hará nada nos importe. Una dosis de sangre justa, de violencia sugerente más que visual, y tal vez para algunos la perturbadora imagen que por segundos aparecerá en pantalla invitando a reflexionar acerca de qué tanto la violencia puede ser un fetiche sexual.

… Posiblemente busques más gore y el hecho de remitirlo a Headless no te satisfaga, pero creo va más allá de eso. Headless es el título de una película robada del videocentro al que asiste Marty, tiene una fuerte reminiscencia al snuff, es una película dentro de una película. Impresionante para los chicos, David, el amigo de Marty, horrorizado pero pedante (el clásico: a mí no me da miedo, que falso se ve) y Marty, alucinado, pues Headless perfectamente podría calzar la piel de su hermano.

Un gran comienzo para un conjunto de debutantes en el cine de terror, tanto el director, como los actores, y el mismo Rigney que aparece brevemente como Hank en el videoclub. Un final delicioso, un metraje justo, y una dirección más que correcta para junto con el maquillaje, sacar provecho del insignificante presupuesto de 8 mil dólares.

Por último cabe menciona a Headless. Inicialmente la idea era producir un cortometraje a modo de spin-off, finalmente se ha optado por realizar un largometraje bajo la dirección del debutante Arthur Cullipher y nuevamente en el guion Todd Rigney, con fecha de estreno en el 2015. Espero ver en breve que tanto cumple con el festín gore ambientado en los 70s que asegura ser.



Frases

Papá le dice a mamá que todos los chicos ven películas y novelas gráficas de terror. Dice que es natural. Que me hartaré de verlos algún día, pero si es cierto, no quiero crecer nunca. Nunca.

Todos tienen sus cosas privadas.

Mi vida comienza a parecerse a una película de terror. ¿Pero quién es el monstruo? ¿Papá, Steve, yo?


Si la quieres descargar Found te sugiero este torrent.

domingo, 19 de julio de 2015

The Event


Director: Julia Pott
Guionista: Julia Pott (Poema de Tom Chivers)
País: Reino Unido
Año: 2012
Duración: 3 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Drama / Fin del mundo - Cortometraje 

Adaptación del poema homónimo del británico Tom Chivers a cargo de Julia Pott: recuerdos, una historia en retrospectiva de amor y angustia a partir de la soledad de un amante en el fin de los días.


Julia es una ilustradora y maestra en animación, decidida a no abandonar sus raíces, las herramientas principales para la realización de sus animaciones son papel y lápiz, un escáner, photoshop y after effects. 

Mundos surrealistas, animales antropomórficos e historias plegadas de nostalgia son su sello característicos. Tanto Belly, su primer e inquietante corto, y éste, el segundo y último, de gran aceptación en el Festival de Cine de Sundance, el Festival de Annecy y el SXSW.



viernes, 17 de julio de 2015

Los amores imaginarios


Les amours imaginaires
Heartbeats

Director: Xavier Dolan
Guionista: Xavier Dolan
País: Canadá
Año: 2010
Duración: 102 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Romance - Drama / Homosexualidad - Amistad

Sinopsis: El nacimiento de un triángulo amoroso cuando Marie y Francis conocen a Nicolas. 

Personajes
Xavier Dolan
Monia Chokri es Marie
Niels Schneider es Nicolas
Anne Dorval es Désirée
Anthony Huneault es Antonin
Entre otros


Bueno, recordemos, el Romanticismo surge con el fin inicial de explorar todas las posibilidades artísticas, para ello, anteponer los sentimientos a la razón, y quizá así obtener un escape a través de los sueños y la fantasía. También sabemos fue germen del Mal du siècle, principio de múltiples historias de tragedia y decadencia, de personalidades enfermizas y almas ardientes en busca de su autodestrucción, teniendo así filas de artistas encaminándose entre la voluptuosidad y el vacío espiritual hacia el suicidio o bien, la cumbre de los excesos. Uno de ellos Alfred de Musset, paradigma del poeta romántico francés y precisamente  autor del epígrafe de Los amores imaginarios, segundo largometraje de Dolan.

La única verdad del mundo es el amor sobre la razón.

En el 2010 ganadora del Premio de la Juventud en el Festival de Cannes, el premio a Mejor Película en el Festival de Sídney y el Premio Especial del Jurado en el Festival de Namur, Les amours imaginaires estriba en el enamoramiento meramente como una experiencia fisicoquímica y el amor idolátrico que Erich Fromm describiría en El arte de amar. O sea: la versión más barata y frívola del amor, no por ello superflua. Dolan coquetea con la posibilidad de un ménage à trois a través de la imaginería del amor y las vicisitudes de la suposición, cuando dos amigos íntimos, Francis y Marie, preocupados más por ser amados que en saber cómo amar, rivalizan por la atención de Nicolas, efebo símil al perfil masculino de las obras de Botticelli. 

En esta película no hay llanto ante el rechazo y la desilusión, no hay el flagrante dolor del despecho porque no va a tanto, es una idea más banal, más divertida, más chic y vintage, menos dramática y a diferencia de su primer película J'ai tué ma mère, mucho más redonda. 

Les amours imaginaires es una drama romántico en donde el estilo es más importante que la sustancia, y lo sabe llevar, visualmente estimulante. Un cine decorado por bolsos chanel, prendas de kashmir y malvaviscos, con un enfoque muy a lo Wong Kar-Wai / Godard – Truffaut / Bertolucci… —de hecho, resulta un guiño la escena final en donde aparece Louis Garrel, protagonista de The dreamers (2003)—, una fijación por el slow motion y el maximizar las expresiones faciales, esteticidad postmoderna, analógica. Edulcorada con un repertorio musical que fácilmente vuelve icónicas sus escenas, donde Dalida e Isabelle Pierre se mezclan con Vive la Fête y The Knife sin olvidar a Wagner y Bach. 

Un filme permanentemente seductor, divertido y socarrón que no sólo nos ilustra la angustia emocional a través de los pasajes sexuales de Marie y Francis, sino que nos contextualiza dentro de un marco de inquietudes y banalidades en cuestiones de amor a través de las entrevistas, cuasi documental (efectivo, ingenioso) dirigidas a jóvenes de entre 20-30 años, acerca de sus dudas, decepciones e ilusiones.


Frases

Sí, tengo una cama grande, pueden quedarse a dormir sólo nos apretaremos un poco.

Un malvavisco es como un streeptease, paso a paso.

Es tan excitante, ya sabes, esa sensación de cuando tu bandeja de entrada tiene nuevos mensajes. El nanosegundo antes de hacer clic y aparece: escribiendo...

Si alguien muriera cada vez que hago clic en actualizar... no quedaría nadie vivo.

No puedes ser mitad algo, mitad lo otro. Heterosexual es heterosexual, homosexual es homosexual. Y no me vengas con la basura del "estado de ánimo". La humedad no afecta tu libido. O la luna en Acuario...

Porque soy débil y alguien a quien pones en un pedestal siempre tendrá la razón.

No quiero malgastar mi vida queriéndote mal.

Me encanta fumar. Fumar un cigarrillo es como olvidar. Cuando caigo en lo más bajo es lo único que tengo. Encenderlo, fumarlo y callarme la boca.

Lo importante es despertarse con alguien, dormir pegado a esa persona.


En mi opinión, el filme más fácil de digerir de Dolan. Ameno, con cuerpo. Si la quieres descargar puedes usar este torrent.
Para ver online en youtube (peor calidad) click acá.
Si tienes algún enlace de descarga directa que ya hayas probado, te agradezco lo compartas en un comentario.

lunes, 13 de julio de 2015

Carn


Director: Jeff Le Bars
País: Francia
Año: 2012
Duración: 5 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Drama / Lobos - Cortometraje



Engañoso es el corazón más que todas las cosas, y perverso; ¿quién lo conocerá? Jeremías 17:9

Fábula protagonizada por un niño desahuciado en medio de un bosque invernal y una loba herida de muerte. Un pacto de sangre, una oportunidad de sobrevivir, una muerte por una vida.


Carn es el proyecto de graduación de Le Bars para la obtención del título de Diseño y Animación en el Ecole Emile Cohl de Lyon, Francia. Con trazos firmes y simplistas alcanza una belleza fresca, idónea para crear una atmósfera gélida, oscura y emocional. 

miércoles, 8 de julio de 2015

El cuento de la princesa Kaguya


Kaguya-hime no Monogatari
The Tale of Princess Kaguya

Director: Isao Takahata
Guionistas: Isao Takahata y Riko Sakaguchi
País: Japón
Año: 2013
Duración: 137 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación - Fantástico - Drama / Cuentos

SinopsisBasada en un cuento popular japonés anónimo del siglo IX, "El cortador de bambú" (Taketori Monogatari) narra la historia de la princesa Kaguya. La pequeña bambú, de tamaño tan diminuto que cabe en la palma de la mano, es milagrosamente descubierta en el interior de un tronco de bambú por el anciano leñador Okina, quien la criará junto a su esposa como si de su propia hija se tratase. La princesa crecerá y se convertirá en una hermosa joven cuya excepcional belleza atraerá a multitud de pretendientes, a los que someterá a pruebas imposibles. No obstante, ninguno de ellos será aceptado por la princesa. Hasta el mismísimo emperador del Japón, prendado de tan sublime beldad, será rechazado. El motivo no es otro que el misterio que envuelve el verdadero origen de Kayuga y que determinará el desenlace final de la historia.


El cuento de la princesa Kaguya, a la fecha penúltima película de Studio Ghibli y quinta, en dichos estudios, de su cofundador de 80 años Isao Takahata (La tumba de las luciérnagas, La guerra de los mapaches, etc.), es una adaptación del cuento popular japonés “El cortador de bambú”, obra clásica de la literatura japonesa, escrita en el siglo IX en el silabario kana y precursora del género literario monogatari (símil a la literatura épica europea) que vio su auge en el periodo Heian, cumbre de la corte imperial japonesa, de hecho es el contexto del cuento, observable en el Ohaguro que practican (el ennegrecer los dientes).

La película de Takahata a diferencia de todas las películas del Estudio Ghibli cuenta con una animación más tradicional, más artesanal, que ilustra un mundo de líneas de carbón y tonos de acuarela, un plus a mi parecer para el público occidental, al promover con su estilo el vínculo de la fantasía histórica que dibuja. 8 años fue el tiempo que se destinó para la producción de esta película animada; su resultado: no sólo una muestra del folclor japonés a través de sus trazos, sino la transmisión de un mensaje universal acerca de la vida y la felicidad –esta última muchas veces relegada a un segundo puesto en nuestra lista de prioridades–, y de otros temas como la libertad y el convencionalismo protocolario y social, los patriarcados y el empoderamiento de la mujer. Una parábola de la vacuidad de las posesiones terrenales y la trascendencia del poder del amor.

Con un pulso de dolorosa ternura, entre risas, asombro y moralejas varias, observamos el crecimiento de La Pequeña Bambú, su anhelo y angustia. El ritmo es bastante fluido, entretenido, a excepción quizá del tramo final que luce abrupto, rompiendo la armonía que construyó el relato. Un final mágico que no sólo contrasta con el realismo fantástico inicial del cuento sino que, comparado con el relato original, resta la participación del emperador y nubla parte del propósito del cuento: ofrecer una leyenda de la naturaleza del monte Fuji; dejándonos meramente su enfoque emocional... lo cual no está mal pero me hubiese agradado una adaptación más completa.

En fin. Es una experiencia por demás interesante que posiblemente no termine gustando a todos, tan acostumbrados a los finales Disney, pero sin duda, no habrá cabida para la indiferencia. A destacar dos escenas: el tramo final a punto de la colisión de dos mundos y la melancólica canción que le acompaña, y la fuerza de la ira y el caos emocional sufrido por la princesa Kaguya en una carrera hacia la montaña. 

Y bueno, de este modo los Estudio Ghibli suman una adaptación más del cuento, que ya ha tenido otras, inclusive una de imagen real: Taketori monogatari de Ichikawa en 1987, así como menciones y referencias en mangas, animes y piezas musicales.

Con casi 20 nominaciones, entre ellas su participación en la entrega de los Premios Oscar 2015, y 7 premios en diversos festivales como el Fantastic Fest, el TFCA y el LAFCA, entre otros. Una linda película animada, una agradable obra de arte.



Si la quieres descargar te sugiero este enlace.

martes, 7 de julio de 2015

A Girl at My Door


Dohee-ya

Director: July Jung
Guionista: July Jung
País: Corea del Sur
Año: 2014
Duración: 120 min. aprox.
Trailer

Género: Drama

Sinopsis: Una joven agente de policía de Seúl es trasladada a un pueblo costero, desde que llega, conoce a una adolescente poco expresiva que la intriga, así como a su padrastro. Para proteger a la niña del maltrato de su padrastro, decide darle alojo. Y así, poco a poco ir conociendo la complicada personalidad de la niña.


Personajes
Doona Bae es Young-Nam
Sae-ron Kim es Do-Hee
Sae-Byeok Song es Park Yong-Ha
Hie-jin Jang es Eun-Jung
Entre otros


Participante en el Festival de Cannes del 2014 en la sección Un Certain Regard, producida por Chang-dong Lee, director de algunos dramas coreanos de gran aceptación como Secret Sunshine (2007) y Poesía (2010), y protagonizada por Doona Bae (Sense8, Doomsday Book, The Host, ympathy for Mr. Vengeance, etc.). Es el debut de July Jung, quien hasta entonces ha dirigido sólo un par de cortometrajes. 

A Girl at My Door es un drama que gira alrededor de dos historias, la vida de una niña víctima de la violencia de un padrastro alcohólico y la de una oficial que ha sido relegada de su puesto tras ser pública su homosexualidad. Young-Nam, perseguida por los fantasmas de una sociedad homofóbica es enviada de Séul a un pequeño pueblo pesquero como Jefa de policía. Un sitio donde el apoyo de sus nuevos compañeros no será el problema, sino la dinámica de un pueblo abandonado por sus jóvenes que aspiran a un futuro en la ciudad, lejos de la pesca, sostén económico del pueblo. Es donde entra en escena Park Yong-ha, reclutador de inmigrantes, respetado y tolerado, y su hijastra Do-Hee, una preadolescente que sufre de acoso escolar y violencia, aterrorizada por lo agresividad de un alcoholizado Park Yong-ha huye a la puerta de Young-Nam en busca de alivió. 

Un filme que bien podría versar sobre un par de mujeres fuertes que salen avante en una sociedad misógina, de abusos e injusticia, pero que prefiere un trazo ligeramente más complejo optando por la abordar la psique de estas mujeres, perturbadas a su forma. Young-Nam asediada por su pasado se ha refugiado en el alcohol (me parece muy contundente la escena en donde cambia el ¿vodka? por agua), su situación es complicada y solitaria, no puede ser una madre, sin embargo, es algo que el dolor de Do-Hee le hará replantear. Una niña que ha sufrido mucho, un pequeño monstruo que sólo busca fríamente amor a costa de todo. Aquí aplica el hecho de que los monstruos no nacen, se hacen.

Una película que muestra la cara de una Corea un poco olvidada, menos cosmopolita y más prejuiciosa. Más inquietante que sugerente, uno de los pocos, muy pocos filmes coreanos que ha tratado el abuso infantil, capaz de recordarnos a ratos a The Hunt (2012) de Vinterberg.



De una factura técnica muy bella, un melodrama que en ocasiones se torna excesivo, pero a mi gusto bien tolerable. De emociones privadas e individuales. Si la quieres descargar te sugiero este enlace en AsiaTeam o este otro en The house of horror.

viernes, 3 de julio de 2015

Vagabond


Director: Pedro Ivo Carvalho
País: Dinamarca
Año: 2015
Duración: 7 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Drama / Perros - Cortometraje


Primer cortometraje del brasileño Pedro Ivo Carvalho producido a través del colegio danés Animation Workshop.

Vagabond nos habla acerca de una sociedad que ha perdido todo vínculo con la naturaleza y los animales a cambio de ser parte del incansable ritmo de la modernidad. Ello a través de un indigente que busca salvar a su perro accidentalmente arrastrado por la maquinaría, empresa que le llevará a las entrañas de la metrópolis. 


miércoles, 1 de julio de 2015

La mesa de cena de Noriko


Noriko no shokutaku
Noriko's dinner table


Director: Sion Sono
Guionista: Sion Sono
País: Japón
Año: 2005
Duración: 159 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / J-Horror

Sinopsis: Secuela del film de culto "Suicide Club". Esta nueva película de Sion Sono cuenta la compleja historia del fracaso y reconstrucción de una familia japonesa. La trama gira alrededor de Noriko, una adolescente insegura e insatisfecha que vive con su madre, su padre y su hermana en un pequeño pueblo. Para escapar de una realidad sin futuro, Noriko empieza a visitar la web Haikyo.com


Personajes
Kazue Fukiishi es Noriko Shimabara - Mitsuko
Tsugumi es Kumiko - Ueno Station 54
Yuriko Yoshitaka es Yuka Shimabara - Yôko
Shirô Namiki es Ikeda - Tetsuzô's Friend
Sanae Miyata es Taeko Shimabara
Entre otros


Sin duda la cinematografía japonesa goza de una condición categórica bastante definible, si bien no ajena a las temáticas, estilos y géneros occidentales, sí creadora de una personalidad bastante propia inspirada en su iconografía, cultura y costumbres, resultando en una variante muy pintoresca: el Drama de época: jidaigeki, el Cine de yakuzas, el J-Horror, el Anime, los Kaijus, entre otros. Dando lugar a una estela de directores y guionistas de los cuales en mi limitado saber y con referencia en mis gustos puedo destacar a Hayao Miyazaki, Takeshi Kitano, Takashi Miike y Sion Sono. Con el fin de apreciar mejor la inquietud creativa de este último, poeta nato que en su búsqueda constante de expresión encontró en el cine la óptica idónea, decidí ver y comentar parte de su filmografía (ya lo he hecho con Why Don't You Play in Hell?, Himizu y Cold Fish).

Suicide Club (2002) significó no sólo su primer éxito comercial en Japón sino mundialmente, hoy en día una película de culto imprescindible del J-Horror, en ella a través del suicidio ritual/grupal exponía los vicios del nuevo milenio tendientes a la enajenación juvenil y la incomunicación familiar, orquestado por la creciente tecnología y su accesibilidad, así como su impacto cultural en una generación adolescente atestada de artistas pop. Un título que le dio material para una novela, un manga y una precuela/secuela (bien puede ser ambas y ninguna)... quizá más propiamente debe ser entendida como un spin-off, ¿por qué? Por que es un error gravísimo considerar a Noriko's Dinner Table como una secuela o una precuela de Suicide Club.

Noriko's Dinner Table aborda desde una perspectiva completamente distinta lo acaecido en Suicide Club. Si bien existen constantes referencias al Club del suicido no son éstas el eje principal ni el impulsor de la trama, aporta una concepción del club, del círculo, sin embargo nada que contribuya en forma a su origen o finalidad. De hecho podrían ser películas completamente independientes. El motor de La mesa de cena de Noriko recae en la disfuncionalidad familiar, la enajenación e incomprensión entre estos elementos filiales y su subsecuente angustia existencial adolescente. Su constante búsqueda de llenar esos vacíos en pro de hallar una identidad, y la seriedad que le dan los japoneses a la transición de la mayoría de edad.

Un drama ilustrado de forma epistolar a través de cada uno de los personajes principales, donde en más de dos horas, con un ritmo parsimonioso (lento para algunos) y bastantes diálogos nos acerca a una tragedia familiar de amargura y corazones ensombrecidos, suscitada por una poco sociable y un tanto patética Noriko y su intento de rebelión y búsqueda de su yo –contacto consigo misma– evidentemente influenciado por tópicos, historias rosas y estereotipos juveniles, y alentada por sus fanáticas incursiones al “cyber mundo”, esas salas de chat y foros que tan populares y adictivos fueron en los años... por ahí de 1999-2003. El inicio de un ciclo de decadencia de ella y toda su familia en una sociedad ya muy abatida.

Sin duda el tema es viejo, y a más de 10 años hasta podría decirse “pasado de moda”. Aún así es un filme que consigue interesar y quizá en algunos revivir con nostalgia momentos de su vida (yo sí vivi el auge del chat y los foros del año 2000). Por otro lado maneja ideas atractivas como la des-personalización mediante este negocio de las familias de alquiler. Me encanta el negocio de las familias de alquiler.

Una película que resulta amena y soportable en toda su extensión si no buscas una relación directa con Suicide club, si no pretendes encontrar una pieza de J-Horror o un Thriller de intriga. Noriko's Dinner Table debe entenderse como un drama.



Frases

No soñé pero al despertar sentí que estaba en un sueño.

La gente se desvanece todo el tiempo.

Todo me hacía sentir ansiosa. Todo. Pero me gustaba el sentimiento... las cosas eran extrañas. La vida era extraña.

El mundo está lleno de mentiras por gente que no puede cumplir su papel convincentemente.

Todos quieren ser el champagne, no la copa. Una flor, no el jarrón. Pero el mundo necesita copas y jarrones.

El círculo de la vida.


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