Genius Party

Directores: Atsuko Fukushima, Shoji Kawamori, Shinji Kimura, Yoji Fukuyama, Hideki Futamura, Masaaki Yuasa, Shinichiro Watanabe
País: Japón
Año: 2007
Duración: 85 min. aprox.
Trailer
Sitio

Primera parte de una compilación de cortometrajes animados. Tan variado en su género/temática como en la técnica de realización.

-Atsuko Fukushima: el título “Genius Party”, la apertura. La mejor manera para no revelar nada es: introducción que intenta dar una visión de lo que va la serie. O sea, de manera surrealista expone el proceso creativo-cerebral del arte animado, de esas realidades alternas. Efectista visualmente, chispeando y lleno de colores. Muy breve. Por ahí Atsuko tiene un corto futurista robots-humanos con el que participa en otra compilación “Robot Carnival”.



-Shoji Kawamori: Shangai Dragon. agradable y muy fácil de digerir, explota el tópico de los mechas y la onda de guerreros estilo Power Rangers. Va de un niño de alrededor de 6 años, con la cabeza obstruida de tanta tv. Introvertido, moquiento y presa de la burla de sus compañeros. Mientras... en el mundo hay un incesante combate que amenaza la existencia de la vida humana, y un arma, la única que los puede salvar desgraciadamente no cualquiera puede usar y casualidades del destino, este niño será el elegido. Agradable ambientación, efectos visuales en los combates, acción, comedia. La imaginación es cualidad que puede salvar la tierra. Su creador es el responsable de Macross.


-Shinji Kimura: Deathtic 4. En un mundo zombie donde todo yace muerto, un chico descubre una rana viva. Prohibida está la vida en ese lugar, la salvación de la rana: que el chico la arroje a un tornado que parece cada de vez en cuando y es un portal al mundo de los vivos.  Sombría animación Stop motion. Parece que al director le va mucho esa mezcla de lo macabro con lo infantil, ya que tiene en la actualidad una serie animada protagonizada por un niño vampiro en un mundo de vampiros.

-Yoji Fukuyama: Doorbell. Cuando lo fantástico quiebra lo cotidiano + un mensaje a reflexionar sobre nuestro actuar y sus repercusiones, dilemas existenciales. Un día cualquiera un estudiante sin más se desdobla, no sabemos si seguimos al doble o al “real”, lo único es que uno de ellos no conoce la existencia del otro, el cual tenso y sintiéndose usurpado y en el limbo va tras su doble. Al ser invisible para todos y ver el protagonismo que tiene su doble no desea otra cosa más que poderse comunicar con alguien real, querer ser visto y escuchado.


-Hideki Futamura: Limit Cycle. Con un enfoque experimental opta por arrojar un monologo filosófico, sin abundar en esto, es principalmente sobre la identidad, la dualidad, a través de un campo socio-político y teológico. Voz en off y la sucesión de imágenes lisérgicas, Hideki cual presdigitador nos arroja más de una reflexión. El director, uno de los colaboradores de Halo Legends.

-Masaaki Yuasa: Happy Machine. Al puro estilo de Cat Soup tenemos a un bebe (quien vive en una especie de fortaleza mecánica ambulante) que decide emprender un viaje onírico fuera de su hogar, conociendo a una variedad de seres que le harán entender la realidad de la vida: todo lo que nace tiene que morir. Bonito y mágico corto. Este director además de una serie animada futurista de amores y monstruos carnívoros tiene otra más reciente, del 2008, Kaiba, un futuro donde cualquiera puede robar la memoria de uno e insertarla en otro cuerpo, y más antes su película animada “debut”, Mind game. Espero ver algún día estas dos últimas.


-Shinichiro Watanabe: Baby blue. Lo bello de ser adolescente. La nostalgia que se siente cuando a pesar de ser jóvenes se extraña la niñez, el enamoramiento, el futuro, de esas cosas y otros sentimientos va esto. El único corto que no recurre a la fantasía. Dos chicos deciden espontáneamente saltarse las clases para simplemente dedicarse el día, recordar y estar juntos. De la escuela a la playa, 24 horas de Adiós. Nada original lo que vemos pero efectivo. Del creador de Samurai Champloo y Cowboy Bebop, también presente en Animatrix y Escaflowne.

Gurotesuku [Grotesque]

Director: Kôji Shiraishi
País: Japón
Año: 2009
Duración: 70 min. aprox.
Trailer


¿Qué esperamos de una película Gore? ¿Imágenes realistas o escenas divertidas y exageradas? ¿Se espera un argumento más o menos decente o mínimo la omisión de escenas absurdas y pretensiosas? En mi opinión, con que encontremos en este tipo de películas escenas aisladas con dosis de suspenso o repulsión, es pasable, mucho mejor si es en el metraje completo, y claro, si tiene algo de "contenido".
Es tonto exigir demasiado, teniendo en cuenta la temática y el bien sabido conocimiento de que la calidad en cualquiera de sus aspectos (presupuesto, técnica, guión, etc.) no es una de sus características.

Grotesque es una película pasable, pero desgraciadamente sobrevalorada y un tanto decepcionante. Tiene sus pros y sus contras, y estos pueden invertirse. Trata del secuestro de una pareja de jóvenes que recién flirtean, pasaban por un túnel cuando sin verlo llegar, sendos martillazos los dejan inconscientes. Horas después despiertan enclaustrados, asustados, están amordazados y atados. Es el comienzo de etapas de tortura psicológica y física, orquestadas por un reprimido sexual y depravado, asesino sádico y prepotente. Es todo, más un discurso final sobrado y un par de escenas que trataban de ser brutas e inesperadas para cerrar.

La película es “totalmente” nueva para mí, ya que del director Shiraishi no he visto nada, tengo entendido ha hecho un par de películas más en la línea del terror, pero hasta ahí. Y sobre los tres actores principales y únicos no les he visto jamás. Checando en la sinopsis señalan que la chica es actriz porno, pero… ni idea. La conocí por conducto de Christian, quien me la sugirió cierto día que le comenté las ganas que tenía de ver A Serbian Film (aún no la veo, la bajé y aún no encuentro los subtítulos).

¿Recomendable? Pues… sí, para pasar el rato, además no dura mucho. Incluye amputaciones a base de sierra, intestino enganchado, pezones cercenados, masturbaciones, genitales clavados (acá es donde me recordó mucho a Schramm), etc., humm… esto a través de un ambiente psicológico opresivo y desesperanzador, está bien eso, con silencios de esos que no hacen falta romper para expresar cuan intenso es el dolor o la angustia, sin embargo, ese factor psicológico, el abuso de él es lo que hecha a mi gusto a tierra todo lo que se estaba desarrollando. Para cuando la vean, me estoy refiriendo al "hospital", desastroso, si el asunto podía ser medianamente creíble ahora ya no lo es, estos personajes están muy mal hechos. El final… bueno, es gore.


Si quieren bajarla pueden ir acá.

Budapest a 70 gigapixeles

La otra vez vimos a Dresden (como avanza el tiempo) y ahora vemos a un Budapest (menos atractivo pero no menos interesante). Estaba en el foro de Digital potography review checando algo cuando vi esto del título.

Interesantes estas cosas que hacen una y otra vez.

Se trata de la fotogafía hoy en día de mayor resolución en el mundo, realizada por unos húngaros patrocinados por Epson, Sony y Microsoft. Tres horas tardó en capturarse y de ser procesada 2 días, se trabajó con el programa Autopano giga, en una Dell Precision T7500, dos procesadores quad-core Intel Xeon, 24 gigas de RAM y 6 teras de almacenamiento.

Les dejo el enlace:

http://70gigapixel.cloudapp.net/

Kynodontas

Canino
Director: Giorgos Lanthimos
País: Grecia
Año: 2009
Duración: 91 min. aprox.
Trailer


¿De qué va?

De una familia: padre, madre, dos hijas y un hijo. Que viven en una residencia a las afueras de la ciudad, totalmente aislados. Excepto el padre, quien trabaja en una fábrica y miente a diario ante la mejor disposición de sus compañeros por hacerle una visita, él alude que su esposa discapacitada está muy deprimida y no quiere ver a nadie, de este modo resguarda a su familia del exterior.
Sus hijos jamás han puesto un pie fuera de la residencia, se les mantiene dentro a base de mentiras y temores inducidos. Reciben la educación que sus padres creen adecuada. Está burbuja en donde los hijos crecen es totalmente un mundo alterno, donde fácilmente se manipulan las palabras y la realidad.

Ejemplos:
¿Mar? ¿Qué es el mar? Alguien puede pasar toda su vida sin ver el mar y sin embargo saber qué es el mar, no hay problema. A pesar de eso, aquí prefieren simplemente hacer que el mar no exista.
*Nueva palabra del día. Mar: silla de forrada de cuero con brazos de madera, como la de la sala. Ejemplo: No te quedes de pie, siéntate en el mar para conversar.
*Coño. ¿Mamá, qué es un coño? Coño: lámpara grande. Ejemplo: El coño se apagó y el suelo quedó a oscuras.

Y así toda palabra que involucre obscenidad, violencia o el exterior queda transformada. Excursión, escopeta, zombie y autopista son algunas de ellas. Los chicos crecen hasta ser unos jóvenes y este es su mundo, su comportamiento es infantil, dependiente y dócil. Los aviones son juguetes que aterrizan en el jardín, los peces aparecen espontáneamente en la piscina, los gatos son monstruos asesinos, una mujer puede dar a luz a un perro, y demás cosas son las que vemos aquí. A pesar de que el incesto no es un tabú el padre lleva, a riesgo de que “contamine” a su familia, a Christine, una “compañera” de trabajo a que le enseñe a copular a su hijo de todas las maneras posibles... algo de lo más atractivo para los chicos pero que para nada importa.

Entonces es un irónico disparate dialéctico al que pronto le agarramos la onda, ilustrado con situaciones morbosas y bizarras, incesto y pasiones lésbicas, rígida… “extraña”.


Hay elementos que nos hacen recordar otros personajes e historias de una manera muy directa:

-El planteamiento sobre todo que impide alejar de la mente la mexicana El castillo de la pureza, más aún para quienes leímos la noticia real y el libro La carcajada del gato.
-¿Una reflexión estilo El ángel exterminador de Buñuel?
-¿Perversión pero más sutil al estilo Pasolini o Ferreri en La grande bouffe?
-¿Una influencia de Haneke?

Comedia dramática que de haber sido más breve pudo haber sido mejor, para mí. El título “Canino” y como lo introducen en la historia es genial. También la portada que puse arriba.

Madame Tutli-Putli

Directores: Chris Lavis y Maciek Szczerbowski
País: Canadá
Año: 2007
Duración: 17 min. aprox.
Sitio

Watch Madame Tutli-Putli - C. Lavis and M. Szczerbowski in Animation | View More Free Videos Online at Veoh.com

Corto canadiense que vi por sus numerosos premios conseguidos en varios festivales donde destaca el Cannes del 2008, y en países como Holanda, Japón, Alemania, Estonia, etc., etc. Por eso... pero principalmente por un pequeño reportaje que de casualidad vi, donde explicaban algo de las técnicas de animación usadas.

Me gustaría comentar algo más sutancioso... pero... no sé me ocurre, y es que la animación es genial, así mismo la atmósfera que logra conseguir, y hay escenas bastantes dignas por su originalidad. Pero... sinceramente el argumento no me dice mucho, supongo se debe a que esperaba una historia y no un trozo de historia.

Todo muy lindo, la puesta en escena, el desarrollo, la música, la presencia de cada personaje, un ambiente increible, en eso logra satisfacer muy bien. Pero que puede dejar con la sensación, al final, de: "¿Y luego...?"

Veo que en la red a muuchos les gusta, quizá estoy con la visión muy pobre.
Aprecio su simplicidad y calidad visual y sonora, pero hasta ahí.

Espero lo disfruten.

Tesko je biti fin

It's Hard to Be Nice

Director: Srdjan Vuletic
País: Bosnia-Herzegovina
Año: 2007
Duración: 90 min. aprox.


¿Qué tan difícil es ser bueno? La respuesta depende del contexto, si nos vamos hacia horizontes filosóficos donde la subjetividad no nos deja ponernos de acuerdo, muy, muy difícil. Ahora bien, en un concepto más general y más social, menos individual, ése que puede prestarse a ser comparado con mediocridad o conformismo, sólo necesita de tres elementos: ser honrado, respetuoso y responsable; sin importar que carente de espíritu sea la vida de X persona o de cuantos vicios goce. Ser uno más, “cada quien a sus cosas y no meterse con las de los otros”. Sin embargo, nuestro presente depende del pasado, y es aquí donde no es tan fácil ser bueno.

Es difícil ser bueno cuando el mismo rededor no lo es, es aún más difícil cuando en el pasado lo que hay es corrupción y acciones execrables. Esta es la disyuntiva en la vida de Fudo, un taxista residente en Sarajevo, cuando decide sinceramente cambiar y vivir correctamente. Los motivos son varios por los que una persona puede tomar la vía más sencilla pero arriesgada de ganar dinero, el móvil por el que Fudo se ve arrastrado a una constante de hurtos y narcotráfico es el deseo de brindarle una mejor vida a su familia, el gran amor que le profesa a su pequeño hijo, su gran campeón, mismo detonante que le hace cambiar de dirección, ¿pero cómo te deshaces de aquel lastre que estuviste forjando por un largo tiempo, de aquellos contactos maliciosos que son incapaces de entender que ahora quieres ser bueno, porque es el algo que simplemente no les interesa en lo mínimo?

Interesante drama el que nos trae Srdjan Vuletic, mi primer acercamiento al cine de Bosnia-Herzegovina. Atractivo por el conjunto de características que ofrecen un resultado intimista, sumamente aprensivo, mágico, emotivo y sin embargo, tan sencillo y cotidiano, lejos de esos recursos efectistas y extra-ordinarios a los que nos tiene acostumbrados el cine convencional. Gracias a esto se suceden un par de hechos que bien podemos relegar a la casualidad y al azar, pero que llegan a tener una importancia crucial, factor imperante para encajar un final/giro inesperado.

Gran actuación la de Sasa Petrovic un hombre reacio en la expresividad de su rostro pero convincente a la hora de matizar las emociones a las que se ve sujeto Fudo. Algo que invita, en lo personal, a hojear en su trayectoria actoral y tener en cuenta Nafaka de Durakovic, su anterior película, así como la anterior del director Vuletic, Ljeto u zlatnoj dolini.

Regresando a Tesko je biti fin, un ingrediente que se agradece es que de la forma más común y nada pretenciosa se nos permite conocer Sarajevo, no tanto como un epítome turístico –a pesar del guiño que nos da el turistear junto a unos japoneses por lugares como aquel donde el asesinato del archiduque austriaco, los restos de unas olimpiadas de invierno y el recuerdo de una artillería serbia en la guerra de Bosnia– sino como una manera de conocer un poco la realidad del país donde se desarrolla. Quizá de una manera no tan específica pero si suficiente. Una que otra toma panorámica, calles, gente, detalles, fragmentos del carácter local.

Un buen mensaje acompañado de breves alusiones al persistente materialismo que pasó a sustituir entre la población el tema de la guerra de 1991-95; esto expresado a través de una agradable fotografía de tonos ligeramente marrones y una narrativa ágil.


El amor duele cuando su traición vapulea el cimiento de una reivindicación, de esa alegría, sueños e ilusiones que le dan sentido a la vida, el aliciente de intentar ser una buena persona. Y es cuando se ve de qué está hecho cada ser, la respuesta, tal vez la decisión más importante jamás tomada.


Muy recomendable. Curioso que haya tan poco escrito en la red sobre ella, a pesar de sus tres años de haber.


Click acá para hacerse de ella a través de unos buenos enlaces.

Skhizein

Director: Jérémy Clapin
País: Francia
Año: 2008
Duración: 13 min. aprox.
Sitio


Sinopsis: “Skhizein” cuenta la historia de Henry, personaje que golpeado por un meteorito de 150 toneladas es condenado a vivir a exactamente 91 centímetros de su cuerpo. Partiendo de una premisa genial, el corto narra las desventuras de Henry y las soluciones momentáneas que encuentra para tratar de seguir llevando una vida cotidiana “normal”.

Interesante cortometraje que comienza con Henry, flotando en el aire a un lado del diván, relatando su desgraciada condición a un psicólogo, algo que quizá nos haga preguntarnos. ¿Esto es real? ¿Dentro de la ficción lo que a este personaje le aqueja es real? Ese diván es tan determinante… aún así, no nos arroja una respuesta.

Agradable animación y un argumento trabajado con un simbolismo cautivante, intelectual y simplista, cargado de mensajes existencialistas. Cuestiones que se me ocurren son, ¿qué tan diferente es el espacio y el tiempo físico del espacio y el tiempo personal? Y lo que esto incumbe, citando un ejemplo, de esos trillados, está el hecho de que alguien puede estar más acompañado charlando por msn con alguien del otro lado del mundo que en el transporte público a hora pico. Un espacio que no medimos cuantitativamente, lejos de unidades de medidas. Así mismo, nuestra relación mente-cuerpo-mundo… en realidad, a pesar de que sólo vemos a un hombre desplazado de la realidad palpable y la manera en como lo sobrelleva, a mí me recuerda demasiado al psiquiatra Medard Boss…

En fin, un corto muy llamativo, con o sin tomar en cuenta el discurso filosófico. Recomendable, bonita historia acerca de una adaptación ante un desafortunado y original evento.

Je suis la!

Je suis la!

Daybreakers

Directores: Michael y Peter Spierig
País: Australia
Año: 2009
Duración: 95 min. aprox.
Trailer
Sitio


Segunda película de los hermanos Spierig. A diferencia de Undead (nominada a la mejor película en el Sitges y en el Fantasporto) que fue una disparatada película con dejos de Gore Serie B, extraterrestres, zombies, etc. y con un presupuesto más o menos bajo, Daybreakers, tiene un argumento más “estricto”, algo más de presupuesto y es abordada con mayor seriedad.


Argumento de Ciencia ficción y vampiros. Estamos en el año 2019 y los vampiros gobiernan el mundo de una forma bastante humana… esto es, que tenemos una sociedad nocturna casi con las mismas leyes e instituciones del mundo tal cual lo conocemos. Negocios, supermercados, científicos, militares, etc. de vampiros, por cierto, en una onda bastante capitalista. El conflicto consiste en que su despreocupada y glotona alimentación sumada a una plaga, tiene a la raza humana al borde de la extinción, y la consecuencia de esto, también es la extinción del vampiro bonito, pues al no beber sangre se transforma en una especie de murciélago antropomorfo, monstruoso y sin razón. La solución más viable es conseguir un sustituto de sangre y mantener a los humanos en criaderos hasta que se restablezca su número… sin embargo, encontrar un sustituto no es tarea fácil.

El protagonista, un científico de buenas intenciones trabaja en esto hasta que descubre que quizá la mejor solución no es un sustituto que mantenga a los vampiros como raza perversa, frívola y dominante, sino una cura.


Sin ser algo fascinante (en lo absoluto lo es), tenemos una visión diferente, aquí no hay vampiros ancestrales deshumanizados, o deseos de indagar hacia los orígenes. Acá es una especie de sátira futurista, la raza dominante autodestruyéndose por el consumo desmedido de los recursos, la discriminación y el repudio hacia lo diferente (aunque sea de su misma raza), lo ambiciosa que es la alta esfera del poder, etc. Con vampiros muy jóvenes, tecnológicos y débiles.

Cosas negativas las tiene, y son caer en estereotipos innecesarios, sin ser exigente puedo dejarlo en la personalidad de un personaje (Willem Dafoe) y sus tontos diálogos y un par de escenas. Por suerte no existe el de la relación amorosa.

Se deja ver, la calidad técnica es decente y la dirección “fresca”, comparando con lo que nos tiene el cine acostumbrados en esta temática. Ciencia ficción rápida, quizá muy rápida como para esbozar mejor las cosas… pero cumple con su función. Una atmósfera con aires post-apocalípticos por aquello de la extinción y un momento de survival.

El siguiente proyecto de los hermanos Spierig es una animación… a ver qué tal va. Aunque me da un poco de tedio porque es una secuela y por lo tanto, tendré que aventarme la primera, Dark crystal, la ochentera animación de fantasía y ficción del director que luego se envicio con Muppets y más Muppets.

Angel-A

Director: Luc Besson
País: Francia
Año: 2005
Duración: 90 min. aprox.
Trailer
Sitio


Hay un poema de Efraín Huerta con el que me gustaría comenzar este comentario, el poema se titula Éste es un amor, y el fragmento dice:

Ésta es la historia de un amor con oscuros y tiernos orígenes:
vino como unas alas de paloma y la paloma no tenía ojo
y nosotros nos veíamos a lo largo de los ríos y a lo ancho de los países
y las distancias eran como inmensos océanos
y tan breves como una sonrisa sin luz.

La película cuenta como la vida de André, un personaje patético y pusilánime, mentiroso, perdedor, con baja autoestima y crédulo, da un giro cuando está a punto de suicidarse (resultado del ultimátum de muerte impuesto por el montón de deudas con más de una persona/mafia que tiene encima), el suceso fuera de lo ordinario que ocurre es que después de un clásico y sobrado reclamo a Dios, éste voltea y se percata de una mujer que está en el mismo puente que él y pensando hacer lo mismo: Suicidarse. Se arroja y él imita el acto pero con la finalidad de salvarle. Ésta es la premisa que desarrollará una historia prácticamente entre sólo dos personas. La chica "caída del cielo" Angela y André.
A primera instancia parece que ella conmovida ante tal grado de patetismo decide proponerle que si él acepta, ella hará todo lo que él diga. Después de algunos rodeos acepta. Aquí empieza una comedia romántica y de superación, de continuos diálogos, unos más brillantes que otros y algunos sosos, un caminar en busca de la solución de los problemas de André y de una rehabilitación personal, una mejora intima, como una purga de sus imperfecciones como ser humano. Angela es un ángel y André el "caso que le asignaron".

Angel-A es un bonito cuento, de esos fantasiosos y con el que ha muchos en algún momento nos gusta soñar. Maravilloso sería que un ángel top-model del sexo opuesto apareciera y nos resolviera la vida, además de sacar a flote lo más bello y puro que hay dentro de nuestro ser. Es una película tierna, a ratos predecible pero mágica, con un final que quizá no fue el mejor, de hecho no me gusto, pero en lo que a mí respecta, no sabía predecir si pasaría eso que sucedió o lo opuesto.

Su fotografía es hermosa, tiene un blanco y negro sublime, con una tonalidad cromática que hace de cada cuadro algo mágico, no como en La cinta blanca que cada cuadro podría ser una excelente foto documentalista, acá podría ser una bella foto artística. Contrastes intensos pero equilibrados y expresados también a través de los personajes. André y Angela (los "únicos" de la película), tan diferentes uno de otro, cada característica intima-interna-del alma, como física (por cierto, aquí hay un dato que me encantó, el director para nada se vale de la incapacidad del brazo del actor para destacar esto) y hasta en la manera de vestir. Antagónicos y complementarios.

Bonita, algo cursi y ligeramente graciosa. Recomendable. Hay opiniones muy diferentes sobre está película y lo trascendente o prescindible que puede ser, a mí me gustó y de hecho... creo que es la que más me ha gustado de las siete que he visto de Besson. Se me hizo muy digerible y compacta (aunque a la mitad flojea un poco), con un resultado que sale avante, a pesar del trillado hecho de los ángeles guardianes, de los ángeles enamorados, y de cierta reminiscencias que encontramos con la española La gran vida.

Un parís sensual, panorámico, poético e irresistible.
Un Debbouze simpático que se deja apreciar y al cual sólo había medio visto en Amélie, y Rasmussen, que medio apareció en Femme fatale, tan desinhibida e intimidante, vaya mujer, aún lado de Debbouze parece una "diosa", la versión femenina de un coloso.


El amor es puro, mágico, redentor, valeroso, capaz de crear un pasado y un futuro e ir contra el destino.


Y por cierto, ¡qué buen cartel!

Tokyo Gore Police

Director: Yoshihiro Nishimura
País: Japón
Año: 2008
Duración: 105 min. aprox.
Trailer


Recién terminando pensé: “¿A ver, a ver, cómo estuvo esto?”. Lo que sucede es que me decepcionó tremendamente… supongo me lo tengo bien merecido por andar leyendo tanto sobre ella… que en realidad es bien poco, prácticamente todos, TODOS los comentarios dicen lo mismo, que es inclasificable, que es una “”””película”””” (con muchas comillas), súper gore, excéntrica, con un argumento de lo peor que se presta a hacer algo muy bizarro… etc. y pues… no, a mí se me hizo bastante X. No sé qué falló (soy consciente de que a estas películas no se les puede exigir mucho argumentalmente), si una elaboración más cuidada en su guión y argumento o escenas más gore y más continúas (ojo, no estoy pidiendo más calidad, es Serie B y sería ilógico pedirlo).

La sinopsis resume ésta a la perfección: En un futuro distópico, la policía de Tokio ha sido privatizada y se enfrenta a su peor amenaza: un grupo de mutantes que convierten cualquier herida en arma de destrucción. Ruka, una joven oficial atormentada por el asesinato de su padre, será la encargada de exterminarlos.


Bien, la sed de venganza hace que Ruka, quien es adoptada por un policía, terminé abrazando el oficio, principalmente porque a su padre le volaron la cabeza frente a sus ojos. Ellos combaten contra “Ingenieros”. Esto en un mundo futuro repleto de violencia, de verdad que es violento, con unos habitantes deshumanizados y perversos: presenciar un desmembramiento es de lo más común, videojuegos sumamente reales y sadicos, comerciales televisivos sobre cutters súper “guays” para que te cortes las muñecas y estés a la moda, antros de perdición donde se prostituyen chicas mutantes y los asistentes disfrutan recibiendo la orina de un engendro catatónico, leyes que condenan a los froteurista a la amputación de las manos, etc.

Los ingenieros, no todos, pero si la mayoría, se ponen locos, pierden la razón. Su mayor poder es el de transformar heridas y perdidas orgánicas en armas. Ejemplos: a uno le cortan el brazo, su brazo puede ser una sierra, a otro le arrancan el pene, pues adquiere una especie de bazuca orgánica en su lugar. Etc. Ruka da su vida por matarlos… hasta que descubre una verdad que hace que se replantee el sentido de su vida.

Al medio leer (tengo la tendencia de leer a alta velocidad y entre líneas) las críticas sobre Tokyo Gore Police, me pregunto, ¿y esta gente acaso no vio Ichi the killer, The machine girl, Zombie self-defense forcé… o lejos del Japón, la trilogía alemana Violent Shit, o Bad taste, de un

principiante P. Jackson)?, y es que…. no es mala (tampoco digo que las que todas las que acabo de mencionar sean mejores, sólo algunas), pero tampoco es para tanto. Después de esto ya no me animo a ver Vampire girl VS Frankenstein girl de Nishimura, aunque no puedo decir lo mismo de Mutant girls squad :-P

Entretiene, pero por momentos es floja, tiene escenas gore, bien cutres y con mucha sangre, simpáticas, pero no tan “bien” distribuidas. Deja verse… pero de verdad: No es la gran cosa o la mejor película Serie B japonesa, ni algo inclasificable.

¡Ah! Por cierto, la actriz es Eihi, quien actúa en Audition de Miike. Con más años encima y me sigue pareciendo muy bonita. No sé porque no tuvo mayor presencia cinematográfica…

Ah, y por cierto, un dato “curioso” es la gran semejanza entre la chica que les da las instrucción de acción a los policías con la chica del video de adiestramiento de Battle royale.

Following

Director: Christopher Nolan
País: Inglaterra
Año: 1998
Duración: 67 min. aprox.
Trailer


Película que llega a mí por conducto de Kenia, una chica obsesionada con Christopher Nolan por sus películas de Batman y Memento. Es un thriller de intriga… rápido, efectivo, elaborado pero sencillo, y que seguro por la temática a mis conocidos gustará y también a alguien más.

Lo más interesante aquí es el inicio del director, su personalidad plasmada a través de una narrativa experimental, en donde mezcla los flashback cual cubo rubik (quizá exagero), intentando hacer ver complejo algo realmente sencillo, con bajo presupuesto que no le impidio divertirse, cuenta la historia la rodaba los fines de semana. Esto nos da una puesta en escena bastante despreocupada, capaz de generar una atmósfera noir atractiva, donde la manipulación es tan exacta que acaba por no ser convincente pero si muy entretenida.

Es la visión “romántica” del escritor que a su manera busca inspiración, en tabernas, parques o como voyeurista, eso último es lo de aquí, recopilando material de las calles, la observación. El protagonista con mucho tiempo libre y “seco” se dedica a seguir a desconocidos, escogidos al azar, atento a sus actos, jamás teniendo contacto con ellos, el génesis de sus personajes. Sin embargo esta forma de vida se vuelve adictiva y es cuando decide implantarse reglas, como el no seguir a nadie más de una vez y reiterarse que jamás de los jamases tendrá contacto con la persona en cuestión. El problema comienza cuando rompe las reglas. Es cuando se ve envuelto en intrigas, obsesiones, asesinatos y el sucumbir bajo el yugo de una “femme fatale”.
Con reflexiones comunes que nos brindaran una sonrisa acerca de la convivencia urbana, escenas que nos traen a la mente a un Hierro 3 (Kim Ki Duk) por su modus operandi similar, una sala de interrogatorio desde nos arrojan la narración y cierta tensión y suspenso.

Una historia que si vemos en su totalidad, de inicio a fin, nos puede resultar… decepcionante, claro, lo cual no limita para disfrutar de la minuciosidad con que está hecha. Por otro lado, no hay que esperar personajes bien diseñados ni la imposibilidad de resoluciones bruscas, el metraje es de una hora.

Humm… considero que hay que verla, me gustó ese ritmo, la ingenuidad de Bill el lastimero escritor (además de que me parece divertido lo que hace, me gustaría intentarlo acompañado de la cámara, pero probablemente fracase, hoy en día la gente está tan avispada a sujetos extraños que les siguen) y la astucia desfachatada del ladrón Cobb.

Recomendable.

Okuribito [Departures]

Despedidas

Director: Yojiro Takita
País: Japón
Año: 2008
Duración: 130 min. aprox.
Sitio
Trailer


Me tardé mucho en verla, desde que me enteré de su existencia me llamó la atención por el tema, algo que sin duda era una variante en el trabajo de Yojiro Takita, de quien había visto ya Ashura, Secret y La espada del samurái, por otro lado actúa Masahiro Motoki, quien me agrada desde que le vi en The bird people in China.

En breve: Cuenta la historia de Daigo, chelista de una orquesta recién disuelta y residente en Tokio. Daigo es un hombre joven con ciertos problemas internos, ya que cuando lo conocemos sabemos que su deseo mayor es tocar en una orquesta y triunfar con ella, desgraciadamente le va mal y piensa que simplemente no es bueno, que gente como él no puede triunfar, un pesimismo que podemos atribuir al origen de su “pasión” por la música: su padre que por demás de obligarlo a que le gustara le acabo abandonando. Pues bien, debido a este complejo de inferioridad Daigo decide dejar la competitividad de la ciudad y volver a su pueblo natal acompañado de su esposa, ya encontrará una fuente de trabajo. Éste no se hace esperar y cierto día al hojear el periódico ve una oportunidad en una Agencia de despedidas.
La Agencia de despedidas, confundida por él por una Agencia de viajes, no es otra cosa que una Agencia ceremonial para el amortajamiento de los difuntos. Daigo se sorprende, avergüenza de aceptar un trabajo así, y se asquea, sin embargo el dinero puede más y acaba por aceptarlo, eso sí, ocultándolo de su esposa y de todos. Pero sabemos que las mentiras no se pueden sostener para siempre y acaban descubriéndose, es cuando su esposa y amigos le dan la espalda, alguien le llega a decir: “¿No puedes conseguirte un trabajo decente?” Pero esto a Daigo ya no le importa, ahora aprecia su trabajo, el cual más allá de proveerle una estabilidad económica ha ejercido en él una evolución espiritual.

Sabemos cómo son los japoneses de ceremoniosos, pero no conocer su cultura no es un impedimento para entender este drama lleno de simbolismos, con una narración comparable con el protocolo ceremonial: pausado y elegante, y se tocan temas como lo son los dilemas filiales, el amor, lo natural que es la muerte y su trascendencia, el perdón y la superación personal como ser humano. Mediante guiños donde tenemos un pollo crudo para la cena o la vida de un salmó, historias sobre rocas que llevan mensajes del corazón y perduran por toda la vida, o la alegría contrastada con el dolor de ver al ser querido partir.

Si se le puede achacar algo quizá puedan ser dos cosas y más la segunda. La primera es que en su afán de originalidad va del humor negro a lo lacrimógeno, de la desolación a la solidaridad del compañerismo, y no es que no salga avante de ello, sino que en ocasiones se excede para causar efecto y eso es notable. Lo segundo es lo inverosímil que algunas reacciones llegan a ser, como si se tratase de un ardid, y en una obra como ésta, tendría que haber más credibilidad.

Ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa, con una fotografía deliciosa y una música preciosa, celestial. Multipremiada en Japón y en otros sitios.

Poética y reflexiva. Totalmente recomendable. Más de dos horas que a mí se me pasaron... rápido. La puedo describir como una tragicomedia ceremonial. Creo que es lo mejor que este director ha hecho (conociendo previamente cosas como La espada del Samurái, Secret y Ashura).
También me recordó un poco (aunque claro, desde un enfoque muy diferente) a la serie Six feet under.