Brawl in Cell Block 99

Director: S. Craig Zahler
Guionista: S. Craig Zahler
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 132 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Drama carcelario - Crimen - Neo-noir - Cine independiente USA

Sinopsis: Bradley es un exboxeador con un matrimonio a punto de romperse que pierde su empleo como mecánico de coches. Debido a esta sensación pesimista, acaba decidiendo que su mejor opción es trabajar para un viejo amigo como traficante de drogas. Esta decisión mejorará su vida hasta que se ve envuelto en un tiroteo entre la policía y sus aliados; situación que le acaba llevando a la cárcel...

Reparto / Personajes

Vince Vaughn es Bradley Thomas

Jennifer Carpenter es Lauren Thomas

Don Johnson es Warden Tuggs

Dion Mucciacito es Eleazar

Marc Blucas es Gil

Udo Kier es Placid Man

Entre otros

NOTA: 6.3 / 10

(Ver escala de valoración)

Segunda y última película del director y guionista S. Craig Zahler. Considerado por muchos uno de los más mayores talentos del cine norteamericano indie de los últimos años. ¿Comparado con quién? E ahí, la clave. Lo cierto es que en éste su segundo cortometraje Zahler confirma su personalidad cinematográfica y lo bien que ha adoptado el “género” grindhouse (resucitado por Tarantino (entre otros) hace más de una década); por qué, ¿cuántos cineastas nos han sorprendido con un estupendo debut, para después adoptar el estilo de alguna productora, ausentarse por un tiempo indeterminado o (en el mejor de los casos) mostrarnos todas sus carencias en un intento de nuevamente sorprender y por supuesto, gustar? No es su caso, sin embargo, te mentiría si digo que éste es un filme inmaculado, porque no lo es, pero está hecho con el sello característico de Zahler. Aquel que le hizo merecedor al premio como Mejor Director en el 48vo Festival de Sitges con Bone Tomahawk (2015). Un western de horror filmado con tal meticulosidad que consigue lo que tanto buscaba: impacto. Porque a Zahler no le interesa bañar la pantalla de sangre a diestra y siniestra, en lo absoluto, no es su objetivo, de hecho, recordarás una pausada travesía por el desierto, encontrando su clímax y por fin su dosis de violencia caníbal, en su inminente recta final. Exactamente así es Brawl in Cell Block 99. Contrario al concepto inicial del grindhouse, Zahler es calmo (tal vez más de lo que quisiéramos, su filme dura más de 2hrs), y punzante, como un puño de ira contenido: breve y demoledor. 

Brawl in Cell Block 99 es un drama carcelario que evoca el mejor cine serie Z de los 70’s, centrando su protagonismo en un solo personaje: Bradley Thomas, en compañía de un grupo de personajes tópicos (compinches y villanos) y su factura técnica, planos fijos y el filtro digital de su fotografía en pos de un estilo vintage. Todo confluye para traer al presente aquel cine en otrora de "mala calidad".

En la escena de apertura conoceremos las características que hacen de Bradley el hombre que es: un sujeto duro y moralmente correcto (actitud que lo condenará) dispuesto a hacer cualquier cosa por su familia (lo que da sentido a su vida) y poseedor de una fuerza brutal y la ira más calculadora (veremos qué tan a favor le juega esto). Cuando éste es despedido del taller mecánico donde trabaja, decepcionado va a casa sólo para descubrir que su mujer le ha sido infiel, enfurecido, despedaza su auto con sus propias manos, se tranquiliza, la perdona, es mayor su amor que la furia. 18 meses después y sin profundizar demasiado en sus vidas conoceremos el triunfo de su relación (gracias a sus actividades como narcotraficante), económicamente estable y próximo a ser padre. Un sueño velado por sus convicciones. Sí, lo que temíamos (eso que el poster nos grita: la carcel), en contra de sus instintos Bradley hace sociedad con unos traficantes mexicanos, un negocio que sale mal. Y como dice su abogado, nadie cae con mayor fuerza que un hombre con principios.

Zahler construye con parsimonia la primera parte de su filme, afinando esos momentos de implosión. Hay una grata atmósfera de tensión, bien sabemos lo que vendrá. El crujir de huesos. Pero todo a su debido tiempo. Mientras tanto procura ante la pantalla fortalecer la unión entre Bradley y Lauren (la verdad es que es poco realista, pero se agradece el intento) con el fin de que entendamos el “dispuesto a todo” de Bradley y el móvil de sus actos y decisiones que le llevarán a la cárcel. También, nos muestra las reglas del juego: o llega al bloque 99 y mata “al hombre” o su esposa pagará las consecuencias (y esto no es una amenaza de muerte cualquiera, es la más cruda y sádica amenaza). ¡Pues bien! Manos a la obra, a por el hombre de la 99.

No sé hasta qué punto podría decir que Zahler “reinventa” el grindhouse, lo que sí es claro es que nos comprueba que en efecto, tiene un estilo muy particular. Brawl in Cell Block 99 mantiene el mismo ritmo pausado y meticuloso que su predecesora, recurriendo a la violencia no como un fin, sino como una herramienta, como el cuchillo del asesino, puede blandearlo toda la película pero sólo usarlo realmente hasta degollar a su víctima. Así en Block 99, la violencia es algo que impera desde el momento en que Bradley destroza a puños su auto y no finaliza hasta que el último cráneo es fracturado por una bala, no obstante, nos llega en dosis limitadas, breves y tremendamente física, más rudas (sin bonitas coreografías o largos combates a lo The Raid). Zahler apuesta por un estilo más realista, comenta: “¿realmente cuánto dura una pelea? 1 minuto es mucho.” 

Parecido, aunque el estilo que creo en su primer filme no se mantiene idéntico, lo que difiere a Block 99 de su predecesora, es un desequilibrio protagónico muy evidente. ¡Lástima! Todos los personajes son planos, meros arquetipos y artificios girando alrededor de Vince Vaughn, quien al menos y afortunadamente hace un papel extraordinario (irreconocible al menos para mí que lo conocía sólo en su faceta de comediante), una mole que contrasta la brutalidad de sus puños con la tristeza de su mirada. Lástima porque hay roles que pudieron ser mejor aprovechados: el de la esposa, (Jennifer Carpenter… desde que la vi en Dexter no puedo dejar de mirarla como Debra), el alcalde, o el “hombre a cargo” interpretado por el estimable Udo Kier (que recordarás en filmes de Lars von Trier, John Carpenter, Fassbinder, Rob Zombie y un largo etc., buen tipo). 

Por otra parte y con mayor brevedad, aunque igual son aspectos importantes. La música a cargo de Herriott  y el propio Zahler es imprescindible en la atmósfera que mantiene el filme. Referente a la fotografía… me agrada el uso del gran angular de Benji Bakshi, pero… a diferencia de Bone Tomahawk (me gusta su calidad y es el mismo director de fotografía) la estética que persigue aquí es la del grindhouse, pero a través de filtro digital muy… artificial… no encuentro el adjetivo, le resta muchos puntos al filme. 

Si logras salvar el largo tramo introductorio a la prisión te será muy entretenida y diferente. Recomendable sin duda si disfrutaste de Bone Tomahawk, y si no, a ver qué pasa, también deberías de verla. Como dato curioso, ésta película (la segunda) fue escrita antes que la primera que ya tanto mencioné.

¿Qué nos depara el futuro en cuanto a Zahler? Dragged Across Concrete. Un thriller criminal que anuncia un protagónico más equilibrado y un argumento más complejo (el de Block 99 es MUY básico), interpretado nuevamente por Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Don Johnson y Udo Kier, a quienes se sumarán Mel Gibson, Laurie Holden (Andrea en TWD) y Michael Jai White. Esperemos sea tan buena como parece.  

Si la quieres descargar checa este torrent o la puedes ver online en gnula.

Thelma

Director: Joachim Trier
Guionista: Joachim Trier y Eskil Vogt
País: Noruega
Año: 2017
Duración: 116 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Drama psicológico - Sobrenatural - Homosexualidad

Sinopsis: Thelma no es una chica normal. Desesperada, le pregunta insistentemente a Dios por qué la ha hecho así. Sus padres tampoco son de gran ayuda, sino dos personas misteriosas que se muestran tranquilas ante los poderes que muestra su hija, que, cada vez que siente algo, causa desastres. Cuando Thelma inicie una relación con una compañera, las emociones propias del amor harán estragos.

Reparto / Personajes

Eili Harboe es Thelma

Kaya Wilkins es Anja

Henrik Rafaelsen es Trond

Ellen Dorrit Petersen es Unni

Entre otros

NOTA: 9.1 / 10

(Ver escala de valoración)

¿Qué es la libertad? Canta Corcobado: es la cárcel más grande de todas las cárceles. Y sí, lo es si concebimos la libertad como la capacidad consciente de pensar y actuar según la voluntad propia… ¡pero! a través –y sólo a través de– de un orden más “elevado”… encausado por muchos hacia la moral judeocristiana. En donde no sólo el concepto de la moral (aquel que Nietzsche busca destruir en La genealogía de la moral) fustiga la consciencia, sino también el de “pecado”. Es aquí donde recuerdo al filósofo Kierkegaard y su obra “El concepto de la angustia” fundamentando algunos conceptos del existencialismo cristiano. Kierkegaard defendía la libertad, sin embargo, le placían ciertas restricciones: la conciencia cristiana del pecado, a lo cual él llama “angustia”… recordemos aquella frase “la angustia es el vértigo de la libertad”. La angustia a diferencia del temor o el miedo, no ve su origen en la presencia de una amenaza externa, sino en la finitud corporal y la necesidad espiritual: por ende, se preocupa no por el exterior sino por su propia integridad, frenándose ante el pecado. Pero vamos, ¿quién establece que es pecado? 

Después de rodar en inglés Louder Than Bombs (2015) –galardonada como Mejor Película en el Festival de Estocolmo–, Trier vuelve a su lengua natal en éste, su cuarto y último largometraje, seleccionado por Noruega como representante en la próxima entrega de los Premios Oscar en la categoría Mejor película de habla no inglesa. A diferencia del resto de su filmografía (seguramente una sorpresa para quien la conozca y le haya dado seguimiento hasta acá) opta en esta ocasión por un thriller - drama psicológico de corte sobrenatural. Proyectado en el Festival de Sitges (de cine fantástico y de terror, señalo esto porque no es propio del director) y ganador del Premio especial del jurado y el Premio a mejor guion. Aquí debo aclararte: no es una película de terror, en lo absoluto… es más bien ¿una película de superhéroes? Vista a la luz del cine más lírico y preciosista. Es como si nos quisiera contar qué habría pasado si Jean Grey de los X-Men fuese lesbiana y hubiese nacido en el seno de una familia fundamentalista. Una alegoría a la libertad… aquella libertad más allá del bien y del mal. 

La verdad es que no soy fanático de los X-Men, y podría ser ambas, sin embargo, percibo a Thelma más cercana de Jean que de Carrie (1976) de Brian De Palma; sólo que mientras la primera obra en harás de cierto sentido de la justicia, y la segunda de la venganza más pulsátil y sangrienta, Thelma lo hace desde una perspectiva más íntima y si-misma. De autodescubrimiento. Trier nos ofrece con una sensualidad glacial un relato más contemplativo y menos visceral.

Contemplación e introspección. La secuencia de apertura es magnífica (y siniestra), mostrándonos a un hombre apuntando con su arma a la cabeza de su pequeña hija (ya descubrirás cuánta razón hay en ello). Una secuencia de enorme impacto visual no sólo por lo que muestra, sino por el arte de la fotografía de Jakob Ihre (amo sus ángulos cenitales) y la música de Ola Fløttum (ambos constantes en la filmografía de Joachim Trier). Posteriormente la acción avanza al primer año de Thelma en la universidad de Oslo. Aún bajo la castrante vigilancia de sus padres pero, para fortuna de ella, lejos del hogar estrictamente religioso, nuestra joven protagonista encontrara, no sin ciertas dificultades sociales propias del adolescente introvertido, una vía perfecta hacia el autodescubrimiento, no sólo sexual sino de auto-aceptación. Como si se tratase de una travesura: blasfemar a escondidas, tomar una cerveza o dos, disfrutar… y sólo así, reunir el valor de enfrentar la culpa por la impureza de sus actos e indagar en la raíz de sus poderes y su aterrador alcance. ¿Qué más dan las implicaciones telequinéticas y la espera del castigo divino cuando tienes una vida por delante?

Paisajista, iluminada con cierta sobriedad escandinava y una textura psicológica plegada de elementos oscuros, Thelma además de por su belleza, se caracteriza por el suspenso y el simbolismo, capaz de evocar el mejor cine de Hitchcock o de Lars von Trier. Por su parte, la actuación me parece ideal, forjando un retrato familiar y personal convincente gracias al hieratismo de Eili Harboe, compatible con la represión emocional de su personaje, y a la presencia paterna, en especial de Henrik Rafaelsen, y en segundo plano de Ellen Dorrit, a quien por cierto tal vez recuerdes protagonizando la película sueca de terror Shelley (2016)

Espero en un futuro no muy lejano poder platicar por acá el resto de la filmografía de este director, hoy día, representante del cine noruego contemporáneo. 

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Mayhem

Director: Joe Lynch
Guionista: Matias Caruso
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 86 min. aprox.
Trailer

Género: Acción

Sinopsis: Un virus que impide controlar los impulsos es detectado en un bufete de abogados que acaba de librar de un cargo de asesinato a un infectado. Con el edificio en cuarentena, se desata un verdadero infierno en el interior. Mientras, un empleado que acaba de ser despedido y una clienta furiosa deberán luchar para llegar a la planta de ejecutivos, en un desesperado ascenso a contrarreloj.

Reparto / Personajes

Steven Yeun es Derek Cho

Samara Weaving es Melanie Cross

Steven Brand es John Towers

Caroline Chikezie es Kara

Mark Frost es Ewan

Scott Alexander Young es Frank

Kerry Fox es Irene Smythe

Entre otros

NOTA: 6.7 / 10

(Ver escala de valoración)

Mayhem es la última película de Joe Lynch; un fanático del heavy metal - black metal y el cine de serie Z (Troma Entertainment) que debutaría en el 2007 con la segunda entrega de Wrong Turn (¿quién diría que se convertiría en una saga de 6 películas de mutantes caníbales?) y mantendría su estilo en sus siguientes incursiones, ese “gamberrismo norteamericano” que a veces puede parecerte más soso y moralista que desafiante. Es el caso de Mayhem… ¿Conoces el comic Crossed de Garth Ennis? Es el mismo concepto pero minimizado al 99% (por supuesto, llevar algo como Crossed al cine sería una bestialidad), y conducido más que en aras del horror más nauseabundo y brutal, a la comedia en pos de una ligera crítica corporativista. Porque Mayhem es violenta, pero nunca deja de ser una inofensiva e inocente comedia. Me agradan sus intenciones, muy básicas. Menos oscura que la coreana Office (2015) de Hong Won-Chan (está en Netflix México) y menos pretenciosa que The Belko Experiment (2016) (no me malentiendas, está entretenida pero se toma muy en serio a sí misma) con la que guarda un mayor parecido. Finalmente, un híbrido entre, humm… The Purge (2013) de James DeMonaco y Office Space (1999) de Mike Judge.

Hoy en día el trabajo constituye socialmente la actividad más importante de nuestra vida ¿a qué te dedicas?, queramos o no; tanto por el tiempo que uno invierte en dichas actividades como por el hecho de que es parte de nuestra identidad, ¿qué eres? Independiente a que seas o no una rata esclava del consumismo (checa el cortometraje de Steve Cutts, Happiness) el trabajo no sólo es odioso (trabajas en algo que odias para comprar algo que no necesitas VS trabajas en algo que odias porque lo necesitas), no, también es apasionante (te sientes realizado) y adictivo, tan adictivo que sin darte cuenta terminas sumando números a los casos de karōshi, con un repentino derrame cerebral o un ataque cardíaco. ¡Pues bien! Steven Yeun (así es, Glenn en The Walking Dead) protagoniza está encarnizada lucha por llegar a la cima corporativa, no en busca de un ascenso, quizá, sino de la justicia laboral a la cual tiene derecho, dado que es un empleado modelo y literalmente su sudor, sangre y lágrimas le ha costado.

En sus primeros minutos Lynch establece la premisa de su película de acción de bajo presupuesto (la fotografía es uno de los aspectos que más sale perdiendo) para explicarnos qué es el virus Idiosa Dartellum 7, mejor conocido como ID-7: una vez infectado, los niveles de estrés incrementan la producción de cortisol a nivel cerebral, inhibiendo la razón ante la emoción, ¿qué evita que le revientes la cara a golpes al sujeto que está contigo en la fila o que si así lo desees forniques en vía pública? Exacto: la razón. En algún momento el virus –altamente contagioso– representó una amenaza mundial, hoy en día está controlado por el CDC (Centro para el Control y la Prevención de Enfermedades de los Estados Unidos) a base de cuarentenas, y por otro lado, la firma de abogados Towers & Smyth Consulting (TSC), a la que pertenece el coreano Derek Cho, ha establecido que todo infectado se encuentra absuelto legalmente de los crímenes realizados durante el secuestro emocional ocasionado por el ID7. Ahora, ¿qué sucedería si el ID7 se propaga en un edificio donde el estrés y la competitividad son el pan de cada día?

Similar a un videojuego –muy en uso últimamente– la narrativa de Mayhem lleva  al recién despedido injustamente, Derek, acompañado de una clienta insatisfecha, Melanie, a emprender una carrera a contrarreloj (los crímenes sucedidos bajo el efecto el ID7 sólo son permisibles durante las horas de cuarenta) para llegar al último piso del edificio y enfrentar a la mesa directiva. Armados con todo tipo de artilugios de almacén (tijeras, clavos, sierras, destornilladores…) avanzaran alegremente dentro del caos empresarial. 

Una película entretenida y ligera que nos da lo que nos vende. Sin trucos ni envoltorios extras. Algo que se aplaude y motivo por el cual podemos omitir sin problemas algunas de sus carencias. Como cierta pobreza en el uso de la cámara, algo más de versatilidad habría aportado un mayor dinamismo, y la actuación; afortunadamente es algo a lo que podemos restarle importancia debido a la propia naturaleza de sus personajes, una caricaturización de los estereotipos empresariales, no obstante, cabe mencionar que Steven Yeun no logra que observemos a su personaje como el antihéroe que quisiéramos, por su parte Samara Weaving como Melanie me parece encantadora, lástima que quede reducida meramente a un personaje de apoyo. 

Creo que Mayhem es la mejor película de Lynch al momento (tampoco es que su filmografía sea extraordinaria). Premiada en el Festival de cine de horror de Brooklyn y el festival de cine de Chattanooga. Por cierto, sí, sale Glenn de TWD, pero ¿reconociste también a Dallas Roberts quien hizo de Milton, el consejero de El Gobernador en la temporada 3?

La puedes usas los siguientes enlaces para su Descarga Directa en Mega, Torrent o Ver online en pelispedia y gnula.

L'amant Double

Director: François Ozon
Guionista: François Ozon y Philippe Piazzo (una novela de J.C. Oates)
País: Francia
Año: 2017
Duración: 107 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Romance / Drama psicológico

Sinopsis: Chloé es una joven frágil que se enamora de su psicoterapeuta, Paul. Unos meses más tarde, cuando se van a vivir juntos, ella descubre que su amante le ha ocultado una parte de su identidad, con la que Chloé se obsesionará.

Reparto / Personajes

Marine Vacth es Chloé Fortin

Jérémie Renier es Paul Meyer y Louis Delord

Entre otros

NOTA: 7.8 / 10

(Ve la escala de valoración)

El propio ser es algo que a uno mismo se le oculta. De todos los tesoros ocultos, el de sí mismo es el último en ser desenterrado.

Nietzsche

La verdad es que he iniciado esta reseña más de una vez, no me decía a cómo hacerlo. Con qué frase… y ya está. Qué mejor que Nietzsche ante la innegable presencia de su filosofía en el psicoanálisis de Freud. Puesto que el perverso Amante Doble al que nos enfrentamos no sólo replantea el drama psicológico expuesto por Cronenberg en Dead Ringers (1988) –déjame decirte que hay un parecido tremendo–, sino que envuelve oscura-eróticamente el concepto del doppelgänger en la teoría sobre la constitución del sujeto y el objeto de Freud. El objeto como deseo, amor y pulsión. El objeto esencialmente perdido e imposible, porque en ello versa su realidad.

François Ozon es todo un caso, y aunque no he visto todas sus películas me atrevo a pensar que puedes elegir cualquiera a ciegas y enamorarte de su unicidad –aquella por la que claman los protagonistas del Amante Doble–, belleza estética y lectura bidireccional. Más próxima a los placeres oscuros de sus “primeros filmes”: Les amants criminels (1999) y Swimming pool (2003), que a la delicada sensibilidad de su para muchos mejor película –diría yo la más popular– Frantz (2016); L'amant doublé resulta un thriller psicológico/erótico deliciosamente retorcido… Basado en la novela corta de J.C. Oates, Vidas gemelas, intentaremos vislumbrar la psique Chloé, como si nos zambulléramos en sus húmedos y convulsos matices uterinos. Una propuesta elegante sobre la anticuada sexualidad freudiana plegada de represión y rauda de delirios febriles, complacidos sólo por la dualidad, y su cosificación a través de su femenina dominación fálica. La necesidad de lo imaginario para mantener la realidad. ¿Acaso es imposible una relación plena, sin la necesidad de escapar hacia nuestro santuario mental para expresar con total libertad las fantasías que gritan: ¡cúmplenos, gózanos!? Al menos para Chloé lo es, he ahí el objeto del deseo y la importancia de la imposibilidad.

Ozon nos relata la historia de Chloé quien sufre de dolores en el vientre presuntamente de origen psicológico. ¡Cuán cerca de la verdad estaba! Para ilustrar aquellos caracteres freudianos y la ominosa existencia del “otro”, del “doble”, lo unheimlich; por conducto de la amorosa relación de sumisión-dominación de Chloé y su pasivo-agresivo amante. Un amor cosificado y transmutado en obsesión. en pos de la verdad, execrable curiosidad. Chloé se internará en el oscuro pasado de su amante, descubriendo ahí, en ése rincón de iniquidad, la plenitud de sus deseos.

Una filme que a ratos evoca con cierta nostalgia el suspenso psicológico Hitchcock, a su vez, armado de la perspectiva tan propia del cine de Brian De Palma, para acercarnos y distorsionar la realidad flotante de Chloé y la relación con su psicoanalista. Me encanta como el uso de espejos juega con la estática del decorado, dotándole de un movimiento y dimensión inexistente por medio de la simetría de sus vértices. Por su parte, la fotografía contribuye a brindarnos esa imagen aséptica, ideal para lustrar el desequilibrio mental de Chloé. Finalmente, mencionar el grato protagonismo de Marine Vacth monopolizando la pantalla, prácticamente no hay un plano en el que no aparezca ella. Bellísima. Si no te habías enamorado de ella en Jeune et Jolie (2013) acá quizá lo hagas. 

Me ha gustado más de lo que creí en un principio. Agradable relato sobre la esquizofrenia. Erótico, fetichista, artificial y sexualmente narcisista. Más delirante y oscuro en su último tercio, acercándonos a un final, tristemente opaco pero bien tolerable.

Frases

Criaturas únicas. Monstruosas.

Por desgracia no hay monstruos. Sólo seres humanos como tú o yo.

La puedes Ver Online desde este enlace en gnula, o descargar por torrent.

Manual de anestesia y analgesia en pequeñas especies

Autores: Grimm Kurt A., William J., Tranquilli, Lamont Leigh A.
Editorial: El Manual Moderno
Año: 2013
Segunda edición
Páginas: 584
PDF


Extracto del Prefacio:

Su principal objetivo es presentar a los veterinarios y estudiantes las bases de farmacología, fisiología y manejo de casos clínicos aplicables a anestesia y analgesia de pequeñas especies. Los editores han incluido lo más relevante de los capítulos que abordan farmacología, valoración del paciente y vigilancia en Lumb and Jones’ Veterinary Anesthesia and Analgesia, cuarta edición. Los lectores tal vez deseen recurrir a esos capítulos para profundizar en el tema o en busca de referencias no incluidas en el Manual de Anestesia y analgesia en pequeñas especies. Además, varios autores aportaron nuevos capítulos sobre equipo y atención de pacientes con trastornos específicos en Lumb and Jones’ Veterinary Anesthesia and Analgesia, cuarta edición. Tales capítulos tienen referencias detalladas y aportan diferentes perspectivas sobre manejo de casos clínicos.

ÍNDICE

1. Valoración del paciente y manejo de riesgos
2. Fisiología y farmacología anestésicas
3. Fisiología, farmacología y tratamiento del dolor
4. Tratamiento del dolor crónico
5. Equipo de anestesia
6. Vigilancia del paciente
7. Equilibrio ácido base y fluidoterapia
8. Manejo anestésico de perros y gatos
9. Anestesia e inmovilización de mamíferos pequeños
10. Anestésicos locales y técnicas analgésicas regionales
11. Anestesia para pacientes con enfermedad cardiovascular
12. Anestesia para pacientes con afección respiratoria o de vías respiratorias
13. Anestesia para pacientes con enfermedad neurológica
14. Anestesia para animales pequeños con enfermedad renal
15. Anestesia para pacientes con enfermedad hepática
16. Anestesia para pacientes con enfermedad gastrointestinal
17. Anestesia para pacientes con trastornos endocrinos
18. Consideraciones anestésicas para intervenciones especiales
19. Urgencias y accidentes en anestesia


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Blade of the Immortal

Mugen no jûnin

Director: Takashi Miike
Guionista: Tetsuya Oishi
País: Japón
Año: 2017
Duración: 140 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Acción / Samuráis - Japón feudal - Venganza - Manga - Live-Action

Sinopsis: Manji ve cómo su hermana pequeña es asesinada frente a él, iniciándo entonces su venganza. Una misteriosa mujer aparecerá ante Manji, otorgándole eterna juventud e inmortalidad. Entonces, los padres de Rin Asano serán asesinados por un grupo de espadachines llamado Itto ruy, siendo el estudio de esgrima de sus padres destruido. Para vengarse, pedirá ayuda a Manji, y ambos lucharán contra los Itto ruy.

Reparto / Personajes

Takuya Kimura es Manji
Hana Sugisaki es Rin y Machi
Sôta Fukushi es Anotsu Kagehisa
Hayato Ichihara es Shira
Erika Toda es Makie
Kazuki Kitamura es Sabato Kuroi
Chiaki Kuriyama es Hyakurin
Shinnosuke Mitsushima es Taito Magatsu
Yôko Yamamoto es Yaobikuni
Entre otros

NOTA: 7.2 / 10
(Ver la escala de valoración)

Ninguna acción puede ser aniquilada. ¡Cómo podría ser anulada por el castigo! […] A no ser que la voluntad se redima al fin a sí misma y el querer se convierta en no querer.

Redención. Así habló Zaratustra. Nietzsche.

Manji, el asesino de 100 hombres.

Mugen no Jûnin (La espada del inmortal) es la última película de Takashi Miike. De su extensa (desmesurada) filmografía, para ser “exactos”, es su película número 100 –tal vez 99 o 101, quién sabe–. Un año en el que también dirige JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable y para la TV Idol X Warrior Miracle Tunes. “Desmesurada” y “Exagerada” me parece hoy en día son palabras que pueden definir la filmografía de Miike y cualquiera de sus películas, desde su título más taladrante y vergonzosamente infantil (checa el enlace de Idol X) a aquellos bizarros y violentos (esos que ya no hace y quedaron en el pasado: Gozu (2003), Ichi the killer (2001) o Visitor Q (2001)). Si no estás tan habituado al “universo Miike” puede que consideres que, a base de fantasía y violencia explícita, Blade el inmortal trasciende las convenciones de las películas japonesas de samuráis, una delicia de más de 2 horas. Sin embargo, si conoces a Miike y no eres un detractor, reconocerás que sí es muy divertida, pero no tan violenta ni tan llamativa como quisiéramos, para películas de samuráis me quedo con 13 asesinos (2010) y Hara-kiri: Muerte de un samurái (2012). ¡Pero! Blade of the Immortal es una buena película.

Común en Miike y no sólo en la actualidad (es el onceavo Live-action en los últimos diez años), sino habitual en su carrera, por ahí de 1992 se estrenaba su primer filme basado en un manga (A Human Murder Weapon), muestra nuevamente su apego en el manga japonés. Mugen no Jūnin está basado en el manga homónimo de Hiroaki Samura, que en el 2008 tuvo una adaptación al anime del mismo nombre (me parece es un poco más violento, lo puedes ver en youtube).

Mugen no Jūnin se encuentra ambientada en el tercer shogunato del Japón feudal. La historia está centrada en Manji, quien por sus pecados (en el pasado mató a 100 hombres) ha sido condenado con la inmortalidad. Para un asesino como él, ni el harakiri podría redimirlo. Finalmente, ¿qué es la redención sino la liberación del dolor? Los kessenchū, gusanos de la sangre, depositados por Yaobikuni (la monja de 800 años) sanaran cualquier herida que sufra su cuerpo, incluso mutilaciones. Posteriormente, la muerte de su hermana, sin una razón ya por la cual vivir, lo conducirá a buscar la redención y pagar la muerte de esos 100 justos con la de 1000 villanos. En su camino se encontrará con Rin Asano. Una niña en busca de venganza por la muerte de sus padres a manos del dōjō Ittō-ryū y su líder Kagehisa Anotsu. La misión de Anotsu es que su dōjō (el cual no corresponde con las técnicas del esgrima japonés) sea reconocido, aunque para ello, deba de llevar la muerte a todas y cada una de las escuelas de esgrima. ¿Qué busca Anotsu? ¿Poder? No, no… algo más ancestral. No sólo Manji o Rin han sufrido en esta vida.

¡Bueno! Esa es la historia. Y es casi idéntica en la película de Miike salvo algunos detalles: el porqué de la inmortalidad de Manji, y el momento en que ésta ocurre. Miike apuesta por la tragedia personal. Me pregunto, ¿era necesario? ¿Dónde está el Miike que huía de los convencionalismos? No lo sé (para entender esto sólo necesitas ver el primer episodio del anime). Pero en fin. No está mal, me parece una buena adaptación, el guion de Tetsuya Oishi consigue sumar y redistribuir los elementos del manga necesarios para construir un Live-action decente (para quienes conocen el anime o el manga) y una película de acción samurái dinámica, con su dosis de humor negro y misticismo… por otro lado, la historia de Anotsu y Rin son muy parecidas al manga, y por supuesto su la caracterización de todos sus excéntricos personajes. Obvio, el debate acerca de la vida y la muerte, el pecado y la redención que sostiene el manga se desdibujan a favor de un argumento directo y orientado a la acción… son 30 volúmenes publicados en casi 20 años… resumirlo en una película (e incluso en un anime), tarea complicada.

Es agradable ver como los elementos sobrenaturales de la historia dotan de libertad el filme, liberándolo de los códigos del cine de samuráis, subgénero conocido como chambara (onomatopeya que alude al sonido de la carne al ser rebanada), de modo que sin problema alguno podemos ver a Anotsu peleando con un hacha, los movimientos de combate son más caóticos, al igual que la forma de las armas, y por supuesto, esto va acompañado del toque humorístico-violento de Miike.

Acerca de los aspectos técnicos, me parece genial el prólogo en el elegante blanco y negro del que parte Miike, para, tras obtenida la inmortalidad, cuales gusanos en las venas revitalizando los tejidos del asesino, la imagen vira a color, en donde apreciaremos la vivida fotografía de Nobuyasu Kita, quien también trabajó con Miike en 13 asesinos y Harakiri, aún más estética que en esas dos películas, destacando la belleza de la naturaleza y el fulgor de la sangre (ríos de sangre) empapando la tierra. Los movimientos de cámara cumplen pasando de ajustados primeros planos a panorámicas para saciar nuestra curiosidad: contemplar el esplendor de la masacre. Los efectos especiales… pues… supongo que la intención no es que sean tan realistas, así que cuadran con la idea.

¿Qué hay del reparto? La actuación no es sobresaliente, pero así pasa con estás películas. Sin embargo, es bien tolerante y curioso reconocer a varios actores. Entre su reparto se encuentra Takuya Kimura, actor, locutor y cantante (tenía una banda de J-Pop)… dicen… es muy conocido, yo no tengo idea, nunca lo había visto; a quién sí: Sôta Fukushi, el lindo jovencito que protagonizaba torpemente (aun sus cualidades como actor no son buenas, pero es lindo) As the Gods Will (2014) de Miike, interpretando a un hierático Anotsu; Hayato Ichihara, a quien vimos protagonizando la disparatada Yakuza Apocalypse (2015) también de Miike; y Erika Toda, quien hace de Misa Amane en las películas de Death Note (2006) de Shusuke Kaneko y Shinsuke Sato (2016).

Frases

Me he quemado de amor por ti... Desde que temblaste, llorando en mis brazos. Por eso, con estas manos te mataré y te haré mía para siempre. Amor en su máxima expresión.

Tienes suerte: puedes morir.

El archivo de vídeo con calidad decente pesa poco más de 900MB. Dado que tienen problemas para descargar por Mega ese tamaño no la subiré u.u

Un Torrent desde el cual pueden descargarla es el de asiateam o éste otro.

Para ver online, checa este enlace en pelispedia (la opción 3 me anda bien).

The Villainess

Ak-Nyeo

Director: Jung Byung-Gil
Guionista: Jung Byung-Gil
País: Corea del Sur
Año: 2017
Duración: 143 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Venganza

Sinopsis: Desde la infancia, Sook-Hee ha sido entrenada para convertirse en una asesina sin piedad. Cuando Madame Kwon, la jefa del servicio de información de Corea del Sur, la recluta como agente durmiente, le ofrece una segunda oportunidad. "Danos diez años de tu vida y tendrás tu libertad". Su nueva identidad es Chae Yeon-Soo, una actriz de teatro de 27 años. Con la promesa de una libertad completa a cambio de servir a su país durante diez años, Sook-Hee emprende una nueva vida. Para esta mujer que ha vivido como asesina, llevar una existencia normal no resulta una tarea sencilla. Pero cuando dos hombres entran en su vida, los secretos de su pasado serán desvelados.

Reparto / Personajes

Ok-bin Kim es Sook-hee
Ha-kyun Shin es Joong-sang
Jun Sung es Hyun-soo
Seo-hyeong Kim es Chief Kwon
Eun-ji Jo es Kim Seon
Entre otros

NOTA: 7 / 10
(Ver la escala de valoración)

Agradable, aunque menos original de lo que espera, propuesta del director y escritor Jung Byung-Gil. Estrenada durante la sección Proyección de Medianoche en el Festival de Cannes 2017 junto a la también coreana The Merciless (2017) y la británica A Prayer Before Dawn (2017). Byung-Gil que en un pasado exploraba el cine documental con Actions boys (2008) y el thriller policiaco con Confession of Murder (2012), en esta ocasión se embebe en el cine de acción de los últimos tiempos (Hardcore Henry (2015) de Naishuller y TheRaid I (2011) y II (2014) de Evans), sin prescindir de los “clásicos” (Nikita (1990) de Besson, Kill Bill (2003) de Tarantino y la trilogía de la venganza finalizada con Sympathy for Lady Vengeance (2005) de Park Chan Wook), para ofrecernos un thriller de venganza un poco más romántico de lo que pudiésemos desear, y por supuesto, más cargado de sangre y asesinatos inmisericordes… esto último lo escribo por una escena relacionada con una explosión… aunque tampoco es para tanto, y es que así es el cine coreano, no le incomoda mucho mostrar o sugerir situaciones que al cine occidental sí (siendo más exactos, situaciones con niños).

Encauzando sus intenciones hacia el cine hongkonés de los 70’s y 80’s plegados de heroínas especialistas en artes marciales, The Villainess tiene su apertura en una secuencia de casi 7 minutos para ilustrarnos con dinamismo las habilidades de su asesina con una matanza en primera persona (a lo Hardcore Herny) en donde veremos caer un número incontable de mafiosos, apuñalados, degollados, tiroteados, etc. Un evento vertiginoso y colmado de acción (te sorprenderá si no has visto aquella película rusa, de lo contrario, quizá sólo te la recordará demasiado), con momentos casi calcados de Oldboy y una fuerte reminiscencia a The Raid, aunque más desternillante. Un extraordinario inicio para el espectador inexperto y aceptable para aquellos que disfrutamos de la violencia y el cine de acción. Debo confesar, no me sentí tan maravillado ni alegre hasta que le vi el rostro a nuestra diestra actriz-asesina. Ese abandono de la cámara en primera persona para ofrecernos otro enfoque no menos caótico me encantó.  

Una enérgica apertura que pronto nos orientará hacía el cine de Luc Besson. ¿El motivo? La situación que describe la sinopsis. La joven asesina Sook-hee forjada desde las niñez para matar tiene una segunda oportunidad, que por supuesto, es bajo un acuerdo con la agencia que le rescato al menos si no de la muerte si de la prisión; y de este modo, aquella joven entrenada para matar ahora es entrenada para pasar desapercibida dentro de la sociedad y desde ahí hacer lo que mejor sabe: matar. Un elemento que para la agencia promete no sólo lealtad, puesto que aparentemente Sook-hee no tenía nada porque vivir al momento de ser reclutada, sino la mayor eficiencia. ¡Sin embargo! He ahí el error de la agencia. Los mejores soldados son los que nada tienen y nada temen, y es el momento en el que Byung-Gil diluye su filme de acción y suspenso en un entramado romántico y de afecto maternal, volcando sus intenciones sin ningún otro cause que la venganza, las traiciones y dejos de melodrama.

Agradable película. Quiero que eso quede claro…. Pero menos sólida de lo que esperaba. Me gustó, pero no tanto. ¿Sabes? Es el riesgo de apostar por dos géneros, no sugiero que son incompatibles, pero cuando uno te queda mal ensombrece al otro. Finalmente: es un promedio, no son independientes. El tema de acción y suspenso funciona. El tema romántico es bastante soso y predecible. Y por si fuera poco, The Villaines (lo comentaba antes), carece de originalidad enormemente. Que una película te recuerde Tanto otras no es bueno (no le encontré del todo “vida propia” al reciclaje). Otro aspecto no tan sólido es su afán por reiterar las cosas, peca de “auto-explicativa”, como si temiese que nos perdamos en densas conspiraciones de venganza y no atinásemos a sospechar del culpable correcto, insiste en que miremos el flashback más de una vez, llegando al final con menos contundencia (y aquí me recordó a otra película que no menciono por aquello del spoiler) y socavando el suspenso.

Técnicamente es genial. La fotografía y la edición, brillando en sus vertiginosos golpes de acción y en la velocidad del combate vehicular. Las coreografías sin ser tan grandiosas como en The raid lucen atractivas, y tiene ese gusto a videojuego que tanto gusto a muchos. En cuanto a las tomas en primera persona: se remiten por fortuna a la acción (no imagino un drama rodado en primera persona).

Un filme de acción que en sus dos horas, hasta en sus momentos más melosos y lentos (pocos), es capaz de mantener nuestra (mi) atención. Ganadora en el Buil Film Awards a Mejor Película y en el Grand Bell Awards, South Korea y en general muy bien recibida por la critica y el público. Se cuenta que en Cannes tras ser proyectada fue ovacionada por casi 4 minutos.

La puedes descargar desde las siguientes opciones: Descarga Directa en MEGA // Torrent

Ver Online en: Pelispedia

No Tomorrow: A Turbo Kid Tale

Directores: Anouk Whissell, François Simard yYoann-Karl Whissell
Guionistas: Anouk Whissell, François Simard y Yoann-Karl Whissell
País: Canadá
Año: 2016
Duración: 8 min. aprox.

Género / Tópico: Acción - Ciencia ficción - Comedia / Cortometraje - Precuela

Sinopsis: Cortometraje que sigue a Apple en su aventura desde el otro lado de Wasteland, justo antes de su memorable encuentro con Turbo Kid.

A los fanáticos de Turbo Kid (y más aún de Apple) esta bonita fantasía post-apocalíptica les va a encantar. 

Precuela protagonizada por la bellísima Laurence Leboeuf y musicalizada por el synthwave de Le Matos (mientras escribo esto escucho su disco Join us, chécalo en spotify). ¿Qué decir de No Tomorrow? El colectivo RKSS vuelve a invitarnos a mirar hacía sus bastos y estériles paisajes para asistir a una aventura más (o una aventura previa) de Apple, para quien la amistad lo es todo en este mundo, el poder de la amistad. 

El lado más dulce del “universo Mad Max”, en donde las amputaciones, muertes y explosiones, son tan tiernas como un unicornio ascendiendo por un arcoíris. 

Si no has visto Turbo Kid NO sugiero ver el corto, además de tenerlo menos afecto hay spoiler. 

Por último, ¿sabías que se está trabajando en Turbo Kid 2? El proyecto fue anunciado el año pasado, sin embargo no siempre se cumplen… y… no sé si para mal o para bien éste continúa marchando.

Good Time

Directores: Ben Safdie y Joshua Safdie
Guionistas: Ronald Bronstein y Joshua Safdie
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 99 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Cine independiente

Sinopsis: Después de que el robo de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacar a su hermano de la cárcel.

Reparto / Personajes

Robert Pattinson es Connie Nikas
Benny Safdie es Nick Nikas
Taliah Webster es Crystal
Jennifer Jason Leigh es Corey
Barkhad Abdi es el guardia de seguridad del parque
Peter Verby es el psiquiatra
Entre otros

NOTA: 8.3 / 10
(Ver la escala de valoración)

Interesantísima y frenética película representante del mumblecore y el cine indie. Si acaso no estás tan familiarizado con los términos (cabe mencionar que es muy delgada la línea que los separa) demos un repaso rápido: Sabemos, el cine independiente es aquel que está alejado de las grandes industrias, en consecuencia, su espectacularidad recae en el guion y el lenguaje cinematográfico, ensalzando la cotidianidad de sus personajes, generalmente parias de la sociedad. Con el tiempo la calidad de este cine es reconocida, y es creado el Festival de Cine de Sundance… y como es obvio: las grandes industrias deciden también hacer cine independiente, para muchos, perdiendo su esencia. Y es entonces que nace el mumblecore (el cine indie del cine indie), apostando por la naturalidad y el realismo (empleando ocasionalmente actores aficionados o personas que no son actores), cámara en mano, cuadros sucios, ruido, etc. 

De ascendencia judía, Benny y Josh Safdie, son un par de cineastas nacidos en las calles de Queens y Manhattan, con una inquietud permanente por mostrar la decadencia ¿y por qué no? la calidez de los barrios neoyorkinos y sus habitantes menos favorecidos. Ya lo mostraban con su largometraje anterior (y debido al cual, la totalidad de su trabajo cobra interés): Heaven Knows What (2014), cual Christiane F (1981) de Uli Edel pero menos oscura, narra la destructiva vida de Arielle Holmes (gracias a los Safdie, en la vida real, pasa de indigente drogadicta a actriz desintoxicada) al filo de la heroína y el amor. Pues bien, Good Time (un título irónico) tiende más a la ficción que al retrato documental, mezcla del realismo Safdie y el género de atracos, resultando en un efectivo thriller de amor fraternal, protagonizado por Connie (Pattinson), un no muy avispado ladrón, y su hermano discapacitado mentalmente, Nick. Ambos hombres “hechos y derechos” de poco más de 30 años, y sin embargo, común al estereotipo del marginado que se crío en las calles (en este caso, bajo la dura mano de su abuela): dos hombres carentes de empatía, es como si fueran ellos contra el mundo. Ante la primera oportunidad, dispuestos a robar, mentir, golpear, destruir, puesto que el único amor (y confianza) es la que sienten uno por el otro, y en nada ni en nadie más.

Ficción en el sólo acto de crear una historia; realismo en el entramado y las decisiones argumentales de dicha historia; ficción a través de su abordaje frenético y secuencial (banco – hospital/prisión – casa – parque – edificio); realismo en las localizaciones y caracterización de sus personajes. Elementos unificados por la grandiosa fotografía de Price Williams, y desde aquí, no me espero al final de esto que escribo, menciono el trabajo alucinante de Pattinson, sumergido en una espiral nocturna de desesperación por recuperar a su hermano. 

Cámara en mano con la constante del primer primerísimo plano, la película inicia pendiente de las facciones y gestos de un mentalmente vulnerable Nick. Estamos asistiendo a su evaluación psiquiátrica, en donde una vez el médico apenas ha obtenido un poco de información es interrumpido por la aparición de Connie. Opuesto a su hermano, su andar es ciclónico, impreciso. Desfachatado, doliente, protector, ansioso, torpe, oprimido, vacío, como si estuviese, más que enojado con la vida, aterrorizado y presto a huir no sin antes haber dado algunos zarpazos. Ése es Connie. Tóxico y leal a Nick. No conocemos el pasado de estos hermanos ni las circunstancias que les llevaron a robar, sin embargo, son…  extrañamente creíbles, y la historia del crimen un mero pretexto para un examen más exhaustivo del amor fraternal disfuncional. Y no es chocante ni melodramático, sólo afectuoso, violento, y áspero pero jamás gratuito. 

Y no sólo la historia es apreciable. Sino cada uno de sus personajes secundarios. Desde el psiquiatra asignado por el tribunal, a los oficiales, la adolescente afroamericana y su abuela, e incluso la novia de Connie (que bien podría ser su madre) interpretada por Jennifer Jason, a quien recordarás en Los odiosos ocho (2015) de Tarantino. Todos ellos personas ignoradas, unos humildes otros delincuentes en forma y otros sencillamente "viendo pasar la existencia". Otro gran acierto son las localizaciones, dibujándonos sus hogares y la urbanidad de este "mundo subterráneo". También es debido puntualizar la tácita crítica hacía los prejuicios sociales, muy superficial pero presente: raciales (las máscaras al atracar el banco), y de carácter marginal (el primer encuentro con la policía), y por supuesto, aunque menos sutil y más humorístico, al abuso de autoridad cuando Connie y Crystal ven la Tv. 

Un filme bastante singular. Agradable. Desde su factura técnica que ya mencionábamos al principio: sus sempiternos primeros planos, herméticos y agitados, a su ambientación retro que nos recuerdan esos filmes urbanos como Taxi Drive (1976) y Dog Day Afternoon (1975)… y una banda sonora ideal: psicodelia electrónica a lo Tangerine Dream (ligeramente atorrante) coronada por la melodiosa colaboración de Iggy Pop y Oneohtrix Point Never. 

Ganadora en el International Cinephile Society Awards a Mejor Actor (Pattinson) y nominada a La Palma de Oro en el Festival de Cannes (la ganó The Square de Ruben Östlund, no la he visto, descubrí que las comedias negras suecas no son muy mío). 

Hay que verla.

Frases

Cruza la habitación... si alguna vez te han culpado por algo que no has hecho.

Cruza la habitación... si alguna vez has estado solo

Todos los días pienso en desenredar las cuerdas que me atan y llevar una vida pura. Miro hacia el cielo y se que no va ha suceder... Pero es un buen sueño. Muerte, hazme valiente. Algún día, lo juro, vamos a ir a un lugar en donde podamos hacer todo lo que queramos, y acariciaremos esos cocodrilos. 

[The pure and the damned]

Estará siendo exhibida en la Cineteca Nacional dentro de la 63 muestra de cine internacional a partir del 27 de Noviembre. Puedes asistir, o también verla en casa. Te dejo unos enlaces:

Para su Descarga Directa en Mega click acá.
Para su descarga en Torrent aquí.
Y para Ver Online en gnula aquí.