Lollipop Monster

Directora: Ziska Riemann
Guionistas: Ziska Riemann y Luci Van Org
País: Alemania
Año: 2011
Duración: 90 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Adolescencia - Amistad - Familia

Sinopsis: Ari y Oona tienen 15 años de edad y sus familias son disfuncionales. Son totalmente opuestas, pero de alguna manera parecidas. 

Reparto / Personajes

Jella Haase es Ariane

Sarah Horvath es Oona

Nicolette Krebitz es Kristina

Thomas Wodianka es Lukas

Sandra Borgmann es Marie

Janusz Kocaj es Konas

Entre otros

NOTA: 7.7 / 10

(Ver escala de valoración)

Hay temas que no son mi fuerte y el de la adolescencia, como un pasaje de transición y autodescubrimiento, es uno de ellos, me parece (si es el eje central) tedioso y excesivamente dramático; por otro lado, hoy día ha perdido mucho de su significado, reducible en la mayoría de las veces a mera fisiología en lugar de esa metamorfosis en “adultos”, a esa madurez psicológica… los adultos de hoy día, sin el peso de sacar adelante a una familia a los 18-20 años, siguen siendo adolescentes (a su manera). ¡En fin! No soy prejuicioso, también puedo ver películas donde el eje central sea la adolescencia, y en el caso de Lollipop Monster, una historia repleta de tópicos sacada a flote gracias a la antagónica magia de sus jóvenes protagonistas, su edulcorada puesta en escena, musicalidad y humor negro.

Con un estilo postmoderno la historia explora la improbable amistad entre dos chicas que sólo tienen en común el trato displicente de sus familias. Unidas por el suicidio del padre de Oona, un artista torturado por la infidelidad de su mujer, y la inquietud por experimentar de Ari. Juntas, se perciben como animales carnívoros. Tan opuestas entre sí como en sí mismas: Ari más algodonosa, electropop e instintivamente sexual y perversa, en contraste a Oona, casi asexual, inocente y oscura, inclinada por los sonidos industriales del rock gótico. Juntas, buscaran sobrevivir a sus familias. 

Una película que paralela a la personalidad dispar de sus personajes (incluyendo la extravagante familia de Ari) cobra forma por el talento de su directora, a la hora de construir su relato. Plegado de detalles multicolores, cual collage audiovisual funcionando sin saturar la pantalla, por conducto de las ilustraciones y la pintura, de la musicalidad dominada por la voz de Alexander Hacke (bajista, guitarrista y vocalista de Einstürzende Neubauten), la poesía, y la fotografía coronada por los ángulos que nos arroja la cámara súper 16. Otro punto a favor es el diseño de producción que junto al maquillaje y vestuario erigen con tan sólo un vistazo, la psicología de sus personajes (la casa de Ari, su hermano y la novia de su hermano, sus padres, la habitación de Oona, e incluso los baños del colegio y el bar). Culminando con un final moderadamente idílico y surrealista. 

A reiterar, me encanta el maquillaje de las chicas y la voz de Hacke. Buen debut como directora y coguionista de Ziska Riemann, quien después de 7 años se espera estrené en este 2018 Electric Girl, una película acerca de una joven que trabaja en el doblaje de una animación japonesa, y que de poco en poco cree que ella es realmente el personaje principal. Recordaré verla.

Tú y yo, dos carnívoros.

Hemos conspirado desde el principio de los tiempos.

¡Amada bestia. Amada bestia!

La puedes descargar del siguiente Torrent en Kickasstorrents.

Mandy

Director: Panos Cosmatos

Guionistas: Panos Cosmatos y Aaron Stewart-Ahn

País: E.U.A.

Año: 2018

Duración: 120 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Acción - Thriller / Años 80 - Venganza

Sinopsis: Red es un leñador que vive alejado del mundo junto al amor de su vida, Mandy. Un día, mientras da un paseo abstraída en una de las novelas de fantasía que suele leer a diario, Mandy se cruza sin saberlo con el líder de una secta que desarrolla una obsesión por ella. Decidido a poseerla a cualquier precio, hace añicos la vida de Red. Decidido a vengarse, pone en marcha una matanza que deja cuerpos, sangre y vísceras.

Reparto / Personajes

Nicolas Cage es Red

Andrea Riseborough es Mandy

Linus Roache es Jeremiah

Ned Dennehy es el hermano Swan

Olwen Fouéré es la madre Marlen

Line Pillet es la hermana Lucy

Clément Baronnet es el hermano Klopek

NOTA: 8.5 / 10

(Ver escala de valoración)

Un ejercicio de estilo digno de reconocer, que, aunque se diluye en un exceso de dirección, es al final del metraje una experiencia audiovisual que merece nuestro tiempo. Cine Serie B revestido de Cine de autor, desde una muy particular estética ochentera, lisérgica y brumosa, a favor del terror sectario y el thriller de venganza. Sí, aunque el protagonista sea Nicolas Cage.

Segundo y último largometraje del cineasta italiano Panos Cosmatos, a casi 8 años de su primera película Beyond the Black Rainbow (2010). En Mandy mantiene su personalísimo sello, aquel con el que en el 2010 quedó en el recuerdo de muchos (para bien o para mal). En esta ocasión, una propuesta más sólida y coherente, apostando por el delirio y la psicodelia, lenta, taciturna, en donde con el mismo interés se nos puede mostrar a nuestros personajes simplemente descansando y mirando tv o peleando con motosierras.

Inspirando en las formas de Lucio Fulci y The Sword and the Sorcerer (1982) de Albert Pyun. Cosmatos narra la febril epopeya de un leñador, en busca de venganza, tras serle arrebatado el amor de su vida, Mandy. Pareciese un trayecto largo, pero su atmósfera insana hace que pasemos por alto que debemos de esperar casi media película para que Nicolas Cage esgrima su furia. Acercándonos en primera instancia y sin atisbos de cursilería, a la solitaria e idílica vida de Red y Mandy, para posteriormente, golpear con las deseos mesiánicas de Jeremiah (quien ha puesto sus ojos en Mandy) y sus seguidores, todos ellos, colmados de crueldad y LSD; al margen, un trío de motociclistas cocainómanos extraídos del infierno de Hellraiser. 

Un filme que (quien haya visto Beyond the Black Rainbow lo entenderá) no termina siendo devorado por su mayor atributo (el aspecto audiovisual), sino que mantiene coherencia. Técnicamente una delicia, plegado de filtros azules/rojos, superposiciones e imágenes estroboscópicas, nos conduce cómodamente al delirio de sus personajes y del cine ochentero, redondeado por las panorámicas del fotógrafo Benjamin Loeb y secuencias de animación. El soundtrack es otra maravilla, compuesto por el islandés Jóhann Jóhannsson, una suerte de Dark Ambient – Industrial – Progresivo (como dato morboso, Jóhannsson fallece este 2018 por una sobredosis de cocaína). 

Como lo mencionaba en un principio, una película gratamente orquestada, que consigue llevar al arte el Cine de Serie B: esa trillada historia de venganza, gore, violencia, tortura, sangre propulsada de las gargantas rebanadas, y los ojos desorbitados de Nicolas Cage.  Por último sólo queda comentar que rara vez películas como Mandy, han sido tan aplaudidas en festivales de cine como lo son Cannes y Sundance. 

Veamos que le depara el futuro a Cosmatos, sus películas son una muestra de que tiene una visión muy clara de lo que busca. Y, bueno, si detestas a Nicolas Cage, déjalo pasar, que no te arruine el visionado de Mandy (si te agrada el género), hace un buen papel.

Si la quieres ver en línea checa este enlace en Gnula.

También la puedes descargar desde el torrent de Bloghorror.

Tekkonkinkreet

Tekon Kinkurîto

Director: Michael Arias

Guionista: Anthony Weintraub (basado en el manga de Taiyou Matsumoto)

País: Japón:

Año: 2006

Duración: 111 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Animación - Fantástico. Ciencia ficción / Yakuza & Triada - Distopía

Sinopsis: En Ciudad Tesoro, donde la luna sonríe y los chicos pueden volar, la vida puede ser tan maravillosa como terrible. Kuro y Shiro, dos huérfanos que se buscan la vida como pueden, otean la ciudad como halcones. Su reinado en las alturas tocará a su fin cuando aparezca un grupo de mafiosos. La ciudad está en peligro, y Kuro y Shiro están dispuestos a acudir al rescate aunque tengan que enfrentarse a la yakuza y sus "aliens asesinos".

NOTA: 8.4 / 10
(Ver escala de valoración)

Metafísica, espiritualidad y urbanidad. Adaptación del manga homónimo de Taiyō Matsumoto publicado originalmente en 1993-1994. Dirigida por Michael Arias (norteamericano residente de Tokio, quien ha estado a cargo de los efectos visuales de películas como The Abyss (1989) de James Cameron o La princesa Mononoke (1997) de Miyazaki) y animada por Studio 4°C. En ocasiones, con ciertas reminiscencias a Paprika (2006) de Satoshi Kon, estrenada ese mismo año, y a Akira (1988) de Katsuhiro Ôtomo.

Una propuesta bastante grata (para mí, a excepción del final) que, no sé cómo no había visto. Arias logra crear una rica imaginería alrededor de la metrópolis japonesa, Ciudad Tesoro, custodiada por dos niños huérfanos autodenominados, Los Gatos. Negro y Blanco, vigilantes, rondan desde las alturas su ciudad, robando ocasionalmente unas monedas y protegiéndola, equilibrando el caos y la violencia de las acciones de su contraparte, un grupo de yakuzas liderados por Suzuki. Un ecosistema “perfecto” hasta la aparición de Snake, representante de una asociación inmobiliaria busca convertir Ciudad Tesoro en un gigantesco parque de diversiones, ello en contra de La Rata Suzuki y Los Gatos Negro y Blanco. Acompañado de tres asesinos a sueldo alienígenas, ¿quién podrá detener a Snake, quién podrá defender Ciudad Tesoro? 

Decadente, melancólica y visionaria, de encanto y sensibilidad; se conduce a través de la filosofía taoísta, y es que pese a su violencia y retrato de una humanidad distante, no es una obra nihilista, sino una historia que vira entre la muerte y la resurrección, entre la oscuridad y la luz. La animación un plus, de características más extravagantes y dinámicas, lejos de la “pulcritud” del anime japonés; en pos de la metamorfosis y el onirismo inocente de Blanco, que brota lleno de vida y color, así como el de Negro, monstruoso y de corte más oscuro y psicodélico; un aspecto visual que juega a la par con la trascendencia de sus diálogos. 

Sin duda, un buen debut de Michael Arias. A tener en cuenta su segundo largometraje animado Harmony (2015) que codirige con Takashi Nakamura. 

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Rough Play

Baeuneun baeuda

Director: Shin Yeon-Shick
Guionista: Kim Ki Duk
País: Corea del Sur
Año: 2013
Duración: 98 min. aprox.
Trailer

Género: Drama

Sinopsis: La vida de un actor cuando de repente adquiere fama, pero también incrementa su arrogancia. A medida que se mezcla con los nuevos grupos de personas, entre pandilleros, se encuentra con que su carrera va hacia abajo y su vida en peligro.

Reparto / Personajes

Joon Lee es Oh Young
Dong-kun Yang es Kang Bin
Yeong-hie Seo es Oh Yeon-hee
Dong-seok Ma es el jefe Gang

NOTA: 6.5 / 10
(Ver escala de valoración)

Creo que la primera película que vi de Kim Ki Duk fue The Coast Guard (2002), seguida de Samaritan Girl (2004), en mis recuerdos: toda una experiencia. No había visto cine como aquel, tan simbólico, visceral, dramático y sutilmente violento (y es que a diferencia del cine de terror o del thriller, la violencia a través del drama llega a resultar más cruda). Enamorado de su cine comencé a hacerme del resto de su filmografía (21 películas he visto de él y tengo 2 pendientes). También me he dado a la tarea de ver aquellas películas en las que él ha sido el guionista, y es por ello que di con Rough Play, protagonizada por un cantante de K-pop, Lee Joon, y dirigida por Shin Yeon-shick, quien hasta entonces ya había dirigido sin mucho éxito algunas películas. ¿El resultado? Entretenido, pero bastante prescindible. Rough play transmite el estilo de Kim Ki Duk, y nos recuerda en su atmósfera películas como Time (2006) y Beautiful (2008). Sin embargo Rough Play no consigue generar ese impacto que me hubiese gustado, sí, mantiene una línea brevemente psicótica, pero es menos visceral, nada simbólica y más superficial, leyendo un poco acerca del director me doy cuenta del motivo: Shin modificó el 50% al menos del guion con la finalidad de hacerlo más comercial… Ni hablar.

Oh Young es un joven actor lleno de intensidad y dramatismo, absorto en sus papeles como si fueran parte de la realidad. Frustrado, pues su equipo de trabajo y el público no logran reconocer su grandeza, le hacen inconstante en el escenario, nadie quiere trabajar con él, ya sea en el teatro o como extra en el cine, hasta que conoce al mánager Kim Jang. Apostando a su buen ojo como descubre talentos se asocia con Oh Young para llevarlo a la cima de la industria cinematográfica, ahí donde las estrellas nacen y mueren en un abrir de ojos. Un ambiente de relaciones humanas más complejas de lo que Oh Young esperaría, y dado su narcisismo, no le será difícil caer en un pozo de corrupción y perversión, es el momento para tantear el camino y cuidar a quien enfrenta; pero nuestro personaje es Oh Young, así que el declive y la miseria, gracias a su conflictiva personalidad, están asegurados. 

Un recorrido hacia los aspectos más sombríos de la industria del cine; ése en donde entre más alto llegues, más hundido y comprometido puedes estar, en ocasiones hasta el punto de no retorno. Ello a través de los ojos de un joven imprudente, eclipsado por su propio carisma y talento. 

Un filme más convencional de lo que esperaría, en su mayor atractivo encuentra el delirio de grandeza de su personaje, la angustia ante el fracaso, su fragilidad, y su constante fuga de la realidad (el inicio de la película me gustó, inmerso en su último papel, actuando frente al maniquí, agónico, desconcertado).  

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Der Bunker

Director: Nikias Chryssos
Guionista: Nikias Chryssos
País: Alemania
Año: 2015
Duración: 85 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Comedia - Drama - Terror / Enseñanza

Sinopsis: Un joven estudiante busca tranquilidad y aislamiento para centrarse en un importante trabajo, pero acaba como profesor de un peculiar niño que es educado en casa por sus padres, aislado del exterior en un búnker.

Reparto / Personajes

Pit Bukowski es El estudiante

Daniel Fripan es Klaus

Oona von Maydell es La madre

David Scheller es El padre

NOTA: 7.6 / 10

(Ver escala de valoración)

Primer largometraje de Nikias Chryssos, de origen griego-alemán. Cineasta que entre sus referencias, cita a Zulawski, Jodorowsky, Polanski y Lynch, así como el trabajo de Fabrice du Welz (Calvaire), de ahí que, más allá del mensaje, lo que trasciende en nuestra memoria es su retorcida atmósfera y puesta en escena. 

Chryssos reduce su universo a un búnker cubierto por la nieve, localizado prácticamente en el fin del mundo; cuando un joven estudiante aparece en busca de asilo y tranquilidad, para llevar acabo un importante trabajo científico: algo que cambiará el sentido de la misma relatividad propuesta por Einstein. Tranquilidad, algo que difícilmente encontrará bajo el techo de la extravagante familia que le ha abierto las puertas. En contra de lo esperado, nuestro estudiante logra hallar inspiración en este hogar subterráneo habitado por un matrimonio (practicante de un extraño culto hacia Heinrich) y su hijo Klaus, de casi 30 años aún tratado como un niño de 8 años y amamantado por su madre. La interacción del estudiante con la familia cambiará cuando se le obliga a ser el tutor de Klaus, despertando en él, y en el propio Klaus, acciones inesperadas para ambos. Y a todo esto, ¿quién es Heinrich? Probablemente un ente alienígena que habita la pierna lacerada de la madre, regente del bunker. 

Aunque la historia llega a carecer en su tramo final de sentido y lógica, ofreciendo un desenlace bastante pobre (y alucinante), y el mensaje y trasfondo poco me interesa (el incesto freudiano y una crítica hacía la educación represiva), el diseño de producción es fantástico. Haciendo brillar esos toques bizarros de humor negro en un ambiente de ciencia ficción alienada. De hecho, ello es el mayor atributo de Der Bunker, su atmósfera-fotografía-vestuario-diseño de producción. Claustrofóbica y visceral (la iluminación rica en su paleta de colores, desde el rojo intenso y amarillo, a los grises más adustos), logrando reconocer en ese micro-universo el día de la noche (con todo y que, poco tiene que ver la luz del día en estas circunstancias), y un dejo retro-chic. 

Por momentos Der Bunker me recuerda en esencia una mezcla entre Borgman (2013) de Alex van Warmerdam y Kynodontas (2009) de Lanthimos, desde un punto de vista más enrarecido… aunque menos bizarro de lo que hubiese deseado.

Eso es cruel. Eso es educación. 

La puedes ver en línea en Gnula o descargar de este torrent.