domingo, 28 de julio de 2013

Chained


Directora: Jennifer Chambers Lynch
Guionista: Damian O'Donnell
País: E.U.A.
Año: 2012
Duración: 108 min. aprox.
Trailer

Reparto:
Vincent D'Onofrio es Bob
Eamon Farren es Rabbit (Tim)
Evan Bird es Rabbit (Tim de niño)
Jake Weber es Brad Fittler
Conor Leslie es Angie
Julia Ormond es Sarah Fittler
... entre otros...

Género: Thriller / Asesinos en serie


Sinopsis: Bob, un asesino serial después de violar y asesinar a la madre de un niño adopta a éste, forzándole a realizar tanto el aseo común de la casa como el desecho de los cadáveres. Pasa el tiempo, el niño, ya un jovencito, tiene la posibilidad de librarse de las cadenas ahora que su captor ve en el un "hijo" a quien desea transmitirle su conocimiento.


En la persona asesinada […] todo flujo y reflujo de la pasión y de intención, están sometidos por un pánico irresistible; el miedo al instante de la muerte lo aplasta con su mazo petrificado. Pero en el asesino, un asesino que un poeta admitiría, debe estar latente una gran tormenta de pasión -celos, ambición, venganza, odio- que creará un infierno en él; y dentro de este infierno nosotros miraremos. 

Excelente introducción ¿no te parece? Es un fragmento que escogí de El asesinato considerado como una de las Bellas Artes, escrito por el británico Thomas de Quincey. Algo tan abrasador debe ser el momento justo a la ejecución, tanto para la víctima como para el verdugo, ambos ensimismados en su infierno personal. Indescriptible.

Es fácil hablar, emitir una opinión sin mucho cuidado... es algo que ha sufrido Jennifer Chambers Lynch hija de David Linch; quien al crecer bajo el talento de su padre decide involucrarse en este mundo del cine realizando su primera película, Boxing Helena, en el 93. Un filme que acuñó duras críticas y una postura negativa por conducto de los medios que también se servían de la renuncia de Kim Basinger, llegando a comentar que no por su talento y méritos propios sino por ser hija de David Lynch es que tenía la posibilidad de hacer una película. Con tristeza Jennifer se retiró del cine (y es que tampoco le ayudó mucho la polémica de su best seller The Secret Diary of Laura Palmer, basado en la serie Twin Peaks de David Lynch). Y no es hasta el 2007 que regresa para trabajar en Surveillance, un Thriller policiaco que gano en Sitges el premio a la Mejor película. Luego viene “Hisss” un filme de monstruos con mala recepción y por último “Chained”, el thriller que tenemos aquí.

No sé… es una película que disfruté… aunque por alguna razón no logré sentirme involucrado en algún momento, algo no terminó de “cuajar”. Sin embargo creo que es la película más solida que ha dirigido hasta ahora.  Chained es como el cuchillo tajante que se entierra en las entrañas. Pronto, frío, sin miramientos. Un thriller que nos hace contemplar y pensar en la posibilidad del síndrome de Estocolmo, y en la creación de un futuro asesino. Puesto que Tim es un niño lo suficiente grande para diferencia el bien del mal, para entender lo que es la muerte y procurar evitarla, pero también es lo suficiente pequeño como para  defender. 

¿Cosas del destino es lo que te hace caminar por una calle indebida, torcer la esquina en un mal momento, subir al taxi equivocado? ¿Será el azar o algo más? Quizá haya un poco de todo; y una bella tarde se convierte para Tim en el Día 1. El día en que es secuestrado, su madre violada y asesinada y él pasa a ser el esclavo del asesino, y por qué no, su protegido, su aprendiz. Una relación de dominación sumisión justa para mantener los hechos en orden. Donde las cosas no sólo se reducen a mantener limpia la casa y enterrar cadáveres, no, Bob -tan "primitivo" él- a estudiado un poco de medicina y psicología y conoce la fórmula para despersonalizar a este niño. Lo desprende de su nombre, de las relaciones humanas, le encadena como animal, minimizándolo le hace ver que su única razón de vida es respetar y servirlo. Porque hay actos y normas más efectivos que la violencia física cuando se trata de desmoronar a alguien mentalmente.

Pero en el asesino, como Quincey nos cuenta, también hay una tormenta de emociones que continuamente flagelan su alma, haciendo de su vida un infierno. Y es en este fallido intento por redimirse que busca ser para Tim algo más que su captor: su mentor, hacer de él un hombre de bien (a su manera). 


Un film entretenido que no sólo tiene como punto principal este drama, sino también en el fondo un contexto de falsa moral, aderezado con cristales cortantes del lacerante recuerdo incestuoso que quizá a algunos incomode, y otros traumas de la juventud.  Algo que nos invita a preguntar ¿en está historia quién es el monstruo? 

Con una sonrisa escribo, el final no es el mejor, para nada, es sólo un ardid, apresurado, chocante, pero ¡bien! Qué se le va a hacer.


La fotografía es genial, me agrada mucho la nitidez y la iluminación que observamos dentro de la casa, casi el único escenario… el ambiente idóneo para mantener una magnética visión de opresión. La actuación otro acierto, con un Vincent D'Onofrio que logra expresar en su dicción, inmutabilidad y frialdad la vapuleada personalidad de su papel, un buen actor que debutó con una delirante y genial actuación en Full Metal Jacket y posteriormente tuvo muchos papeles secundarios hasta refundirse en “Law and Order: Criminal Intent” (ja, bueno, a mí no me gusta esa serie); y Eamon Farren, un jovencito bello y frágil, casi desconocido en el cine, difícil me es imaginarlo en otros papeles… aquí es muy adecuada su caracterización. Y los demás… los demás sólo están ahí, porque en sí el filme cae por completo en Bob y Tim alias Rabbit.

En conclusión, sin ofrecer realmente algo nuevo (hasta podría pasar por un filme más de esos que buscan adentrarse en la perturbada mente del serial-killer) se deja querer, además, considero un plus el hecho de no caer en violencia gratuita. 

Si te interesa, la puedes descargar de aquí.

Lvoluten Osken


Director: Javi Camino
Guionista: Cain Maijov
País: España
Año: 2012
Duración: 6 min. aprox.

Reparto:
Enrique Lojo es Cosme
Stela Kaminova es Olga

Género: Drama / Surrealismo - Cortometraje

Sinopsis: Cinco minutos de pesimismo, absurdo y batido de fresa.

Hazlo por mi...


Último cortometraje de Javi Camino, la sinopsis que pongo aquí es como él lo define. 

Y bueno... finalmente, ¿en qué basamos el móvil de nuestra vida en esta sociedad moderna, materialista y tecnológica?  

Cosme, un joven hastiado de vivir, aburrido de la trivialidad social y los vulgares placeres que ofrece el capitalismo contempla en el suicidio el escape de su vacío existencial.

Burlón, ácido y oscuro.


Rodado en trnavés y filmado en La República Independiente de Trnavia, una pequeña isla en el Océano Pacífico, de la cual hay TAN POCA información, vaya, que hasta ficción parece ¿lo será? Javi Camino en su sitio narra un poco de la historia de aquel lugar, puedes leerlo aquí: El futuro está en Trnavia.



viernes, 26 de julio de 2013

Araki Nobuyoshi


Cuando atar se convierte en un arte, en un placer de degustación física. La restricción que provee ese abrazo yerto de pasión. Porque maniatar a alguien no sólo significa un acto de abuso y brutalidad, puede leerse también de entrega y confianza, de erotismo y un sinfín de simbolismos en esta relación de sumisión-dominación. 




Nobuyoshi Araki es un fotógrafo japonés con ya 73 años y aún activo; con una carrera, una vida que ha girado en torno a la controversia mediante el bondage, shibari, BDSM en Japón. Rompiendo esquemas, transgrediendo en un país tan ceremonioso y no menos perverso pero si moralista como lo es Japón (un ejemplo de ello, y hasta nuestros días, es común ver la censura de los genitales en la industria pornográfica japonesa).




El artista crea, el espectador interpreta. El significado del arte en ocasiones llega a reducirse a esta cuestión, sin embargo, jamás hay que demeritar las cosas. Que es algo a lo que se enfrentó Araki en un buen tramo de su vida, y aunque hoy que es un sujeto mundialmente reconocido y apreciado en círculos de la industria publicitaria, del modelaje, la música llegando a trabajar con Bjork y otros sectores no quedan muy lejos esos días en los que no sólo se enfrentaba a la crítica de su país sino a problemas de tipo legales, multas y clausuras.




Pero no todo en la vida es glamur, la obra de Nobuyoshi es un reflejo hasta cierto punto de la sociedad japonesa, de su propia vida documentando en uno de sus libros el deceso de su esposa, su decadencia a causa del cáncer, de sus inquietudes, su creatividad. No reduciendo su trabajo a lo que a la que gente tanto le impresiona, el enfoque sexual, también tiene trabajos y exposiciones de la cotidianidad de Japón, paisajes urbanos y retratos que rebosan de libertad, lejos de ataduras.





Concluyo con algunas sugerencias cinematográficas

Arakimentari (2004) es un documental dirigido por Travis Klose que muestra la vida y obra de Nobuyoshi Araki y su impacto en la cultura japonesa.
Traces of a Diary (2010) de Marco Martins y André Príncipe, nos remite a algunos de sus trabajos más significativos de Araki.








Y unos enlaces



miércoles, 24 de julio de 2013

Puppet Master


Director: Bryan Nest
Guión: Chris Wiltz
País: E.U.A.
Año: 2012
Duración: 15 min. aprox.
Sitio

Reparto:
Michael Connolly es Batman y un Policia
Wil Daniels es Edward Nigma
Frank Birney es Arnold Wesker
Gillian Shure es Peyton Riley
Justin Mortelliti es Victor Zsasz

Género: Acción / Superhéroes - Cómic - Cortometraje

Sinopsis: Meses posteriores a la muerte de Harvey Dent, Batman sigue siendo un fugitivo buscado y empujado a sus límites por una ola de crímenes que golpea a Gotham. La búsqueda de Batman por encontrar quién es el responsable lo lleva a un enfrentamiento con Víctor Zsasz.
Mientras tanto, un misterioso personaje conocido como Scarface tiene una reunión con Edward Nigma, un agente del FBI que ha jurado detener a Batman a toda costa.


Mediados del 2013, publico este corto que recién vi hace unas semanas… ya un tanto lejos del boom que significó la trilogía de Christopher Nolan. Un cortometraje de gran factura técnica, el mejor –me imagino– de este director, que si bien cuenta con experiencia ningún otro de sus cortos había tenido tan buena aceptación como éste.  

Sin ser fan del universo DC y del mismo Batman resulta atractivo, una ambientación más que acertada, y exceptuando la voz de Batman y un poco la coreografía sería inmejorable. 

¿Cómo arrastrar a la luz al caballero de la oscuridad? Es la interrogante de Nigma en este fan-film situado tras los eventos ocurridos en The Dark Knight (2008). Un episodio de acción que tiene el plus de mostrarnos otros personajes.


Subtitulado al español... pero con peor calidad. Si entiendes el inglés sugiero veas la versión no subtitulada en youtube o en vimeo. Mucho mejor la imagen.

domingo, 14 de julio de 2013

Breath


Director: Kim Ki Duk
País: Corea del Sur
Año: 2007
Duración: 85 min. aprox.
Género: Drama - Romance
Trailer

SinopsisAl descubrir que su marido tiene una amante, Yeon decide visitar a un preso desconocido cuyos continuos intentos de suicidio han sido noticia en la televisión. Chen se queda sorprendido cuando Yeon vuelve a visitarle pero, poco a poco, el preso se abre a la mujer. Yeon le dice a su marido que tiene a otro y éste, celoso, le sigue a la cárcel prohibiéndole que vuelva a ver a Chen. Pero Yeon y Chen están mucho más unidos de lo que cree su marido.

* * *

Entre alientos y suspiros vamos por la vida, evaporándonos. Por algo esta palabra tiene como sinónimos fuerza y vigor. También es ese aliento creador, cual halito de vida nos da la capacidad de crear universos, historias y circunstancias. Breath es ese aliento que no sólo exhalan sus personajes, también el propio Kim Ki Duk quien a saber comentó, desanimado de no obtener el mismo éxito en casa que en el extranjero estuvo a punto de dejar el cine, y no fue hasta Time (anterior a ésta) que obtuvo ese reconocimiento y el aliento que necesitaba para continuar.

En Soom nuestros protagonistas en un acto de desesperación se arrojan a amarse, ansiosos de una boconada de aire, de esa respiración de boca a boca que les dé un motivo para continuar. Por un lado Jang Jin condenado a muerte sufre en su celda el terror de la espera, encontrando una brecha de escape en el suicidio, por el otro Yeon, una mujer reducida a ser sólo un objeto en su casa, no deseada, no amada, olvidada… y sin embargo con fuerza. Ese vigor que le hace decidir el camino de su propia vida y el futuro de su matrimonio, yendo a visitar a aquel asesino suicida del que los noticieros hablan. 

Son curiosos los resultados tan antagónicos y a la vez símiles que pueden tener ciertos vínculos como el del amor. Mientras a uno le brinda el coraje necesario para aceptar la inminente muerte, vivir contados días antes de su ejecución, a Yeon le acerca la oportunidad de recobrar su vida. Soledades en colisión.

En Aliento además del característico simbolismo de Kim Ki Duk (un matrimonio sin macula que se torna sucio y se desecha para darle una segunda oportunidad cual camisa que accidentalmente cae del balcón y es arrojada a la basura) observamos visajes a otros filmes, las esculturas de Time, las cuatro estaciones de Las cuatro estaciones, el silencio rematado por el drama carcelario y el triangulo amoroso que nos recuerda a Hierro 3, la expiación sexual de Samaritan girl… elementos del pasado que convergen en un presente.

Un filme que goza de actitud e individualidad, de un final surrealista bien recibido, de imágenes que nos comunican más que los propios diálogos, de cualidades técnicas modestas pero funcionales (más si consideramos que fue realizado íntegramente en dos semanas)… pero… no sé si sea mi estado de ánimo… me deja una sensación de vaciedad. Me gustó, sí, pero no alcanzó mis expectativas, algo que no me había sucedido con este director (siempre hay una primera vez). Es su novena película que veo y la que menos me agrada… y en la cual me sorprendo pensando: sí, es genial el sello de Kim Ki Duk, aunque… le vendría bien reinventarse. Sucede que Aliento se me figuró algo estéril, prescindible totalmente al por primera vez no verme atrapado ante el mismo patrón que ha venido repitiendo filme tras filme... su mismo simbolismo, surrealismo, personajes extraviados en el mundo  alejados de una realidad social.

Desalentado Kim Ki Duk hace una extraordinaria Time (2006), con mayor ficción que lo usual (se destaca por eso de su filmografía), paranoica, autodestructiva, tiene éxito, más del imaginado.  Al año siguiente viene Aliento, buena ejecución, desgastada idea; analogía: puedo tener un dulce favorito y disfrutarlo siempre, el problema es cuando luce igual pero la calidad disminuye, no se acerca al producto que no me canso de saborear.
Me atrevo a pensar que cuando vea películas previas a ésta (las que me faltan) me gustarán más, porque en ese entonces aún no se le presentaba este bache creativo. Ahora, Aliento es del 2007 y estamos en el 2013, ojalá que éste sea un virar, quizá no tan radical pero si perceptible, un receso, puesto que no he visto las películas que le prosiguen: Dream (2008), Amén (2011), Arirang (2011), Piedad (2012), Moebius (2013). 

Ya habrá tiempo, espero.

Si la quieres descargar puedes clickear aquí.


Esos ardientes labios cuando los vi por primera vez
dejaban atrás huellas infinitas de amor
Aunque no digas que me quieres
me enterraré en el amor

viernes, 12 de julio de 2013

Un chico raro [Cortometraje]


Director: Javi Camino
País: España
Año: 2009
Duración: 9 min. aprox.
Sitio

Género: Terror - Thriller - Comedia / Cortometraje


¿Natalia? ¿Natalia?
Siempre acaban colgando asustadas...


Segundo cortometraje de Javi Camino y el que más me ha agradado (creo más aún que su corto más reciente). 

Javi es un, en ese entonces, estudiante de periodismo, inteligente y con humor. De esas personas que saben arreglárselas con un presupuesto limitado, en este caso 50 euros que salen de su propio bolsillo. Siendo él mismo director, guionista y productor, rodando en su facultad, calle y propia casa o el departamento de algún amigo, sirviéndose de la actuación de su madre y amistades. 

El punto fuerte de su trabajo, además de las ganas es la idea. Con un protagonista lo suficiente raro para llamarnos la atención, en un dilema jocoso (su afición por las chicas) y incrédula y hasta cierto punto, inocente realidad. “Un chico raro” nos habla de Toni, un chico nacido para perseguir, quien padece de parálisis oculofacial (síndrome de Möbius), algo que no le impide fantasear y hasta acosar a sus compañeras de la facultad. Y esta vez es en Natalia en quien se fija, pero… ¿Natalia es la chica asustadiza que Toni piensa?


Un cortometraje divertido, de humor negro proyectado tanto en Natalia como en la enfermedad del mismo Toni, quien por cierto ofrece un monólogo tan amargo como irónico y juguetón. Seleccionado en su momento de 400 cortos para ser proyectado en Sitges junto a otros 14, posteriormente, en festivales de todo el mundo.

... la adrenalina de tenerlas tan cerca, saber que puedes tocarlas si alargas la mano, percibir su repulsión, todo termina siendo puro vicio...


Dato extra:
Stela K es novia de Javi
La señora que aparece usando el retrete es la mamá de Javi
Toni, su nombre completó es Toni Junyent. Si bien su enfermedad le limita el habla no así la escritura. Licenciado en periodismo colabora con artículos de cine en sitios como: La paz mundial / Contrapicado / Miradas de cine 

jueves, 11 de julio de 2013

Antiviral


Director: Brandon Cronenberg
País: Canadá
Año: 2012
Duración: 110 min. aprox.
Trailer

Género: Thriller - Ciencia Ficción

La celebridades no son personas...
Son alucinaciones de masas.


Prometedor debut de Brandon Cronenberg, hijo del talentoso David Cronenberg (La mosca 1986, Videodrome 1983, Vinieron de dentro de… 1975, Rabia 1977, Crash 1996, La zona muerta 1983, etc.).  Brandon es un tipo versátil y creativo, expresándose en su juventud a través de la música, la pintura y como escritor, convergiendo finalmente en el cine entendiendo que estos elementos ahí los puede hallar. 

¿Qué tanta influencia hay de Cronenberg padre sobre Cronenberg hijo? Brandon responde con ironía en una entrevista en Sitges: ”sólo soy un fan que ha adoptado su apellido”. Sin duda lo es, es inevitable reconocer el legado de su padre en su obra, haciendo suyo el “body horror”, ese género que Cronenberg padre desarrollo también en su primera etapa como director, enfocado a la degeneración del cuerpo humano a través de la enfermedad, parasitismo o en casos más extremos alteraciones genéticas y remociones quirúrgicas anatómicas, todo ello concluyendo en el deterioro y la decadencia. Sin embargo Brandon no es una copia de su padre, se observa en él un propio potencial imaginativo. 

Antiviral muestra el futuro de una sociedad enferma  –literalmente–, enajenada por el mundo de las celebridades llega un punto en que revistas, sitios web, programas y subastas de objetos personales –como hoy en día– no bastan para satisfacer ese morboso sentimiento de cercanía. Exigen más y para dárselo están las corporaciones. Bien sabido es que el dinero ordena y los avances científicos suelen estar encaminados más que a beneficio de la humanidad a servicio de esos intereses. ¿Cuánto más cerca puedes estar de tu ídolo que la posibilidad de devorarlo o compartir con él un vínculo biológico tan íntimo que va de célula a célula? El resultado, largas filas de fans en fiambres de carne para comprar filetes de células cultivadas a partir del tejido de su celebridad, así mismo la existencia de corporaciones como Vole & Tesser y Clinic Lucas que son capaces de brindar ese vínculo anhelado a partir de la inoculación de virus no patógenos extraídos del ídolo en cuestión. Existe todo un catalogo, varicela, gripe, herpes, sífilis, etc., con copyright capaz no sólo de impedir que el virus sea transmisible (que lo mantenga sólo quien pagó por él) sino también de otorgarle un rostro (tan grotesco como el mismo hecho de infectarse por fanatismo).

Syd es un empleado de la Clínica Lucas encargado de inocular a los clientes y colectar los virus, su proximidad a la mercancía y la creciente demanda le hace virar hacia el tráfico de agentes infecciosos usando como vector su propio cuerpo, dando así abasto a una parte del mercado negro. Con sus debidas repercusiones sobre el cuerpo de Syd el negocio marcha bien hasta que un día, por el afán de adelantarse al lanzamiento del producto se auto-infecta con la sangre de la hermosa Hannah Geist, imagen de la Clínica Lucas y portadora de un virus desconocido y letal. Tergiversando su cómoda vida en la carrera por una cura dependiente del sabotaje corporativo.

Thriller de ciencia ficción que en su punto medio peca de parsimonioso pero logra reivindicarse al final. Respaldado por un aspecto técnico ideal, una fotografía que destaca el elegante contraste de blanco clínico y el rojo sangre, sin olvidar de la caracterización atractivamente frágil que hace Caleb Landry de Syd... un filme que sabedor de sus fallas, consigue tener buenas críticas en los festivales de cine, obteniendo el premio a La Mejor Primera Película en Sitges y La Mejor Opera Prima en Toronto.


… Como curiosidad cabe mencionar que la actriz Sarah Gadon en ese año 2012 participo en Antiviral de Conenberg hijo y en Cosmopolis de Cronenberg padre, y que tanto padre como hijo vieron sus películas proyectadas en el Cannes de ese año.

Sin duda, una película que por lo menos a mí me hace esperar con agradó el siguiente trabajo de Brandon. Esa imaginación para vincular una crítica social con su obvio reflejo: la degradación del cuerpo (a semejanza de la mente).

Si quieres descargar Antiviral te sugiero este enlace.

martes, 9 de julio de 2013

Broken Night


Director: Guillermo Arriaga
País: E.U.A. / México
Año: 2012
Duración: 10 min. aprox.
Sitio: Broken Night

Género: Terror / Cortometraje

Cortometraje del guionista, productor y director Arriaga, a quien se le puede recordar por su trabajo como escritor junto a Alejandro González Iñárritu en películas como Amores perros, 21 Gramos y Babel. Arriaga-Iñarritu, Iñarritu-Arriaga, una dupla que desgraciadamente ya no existe, cuestión de envidias... "mi nombre va primero, no, él mío, yo tengo más crédito, no yo, yo la escribí, no, pero yo la dirigí", etc... Entiendo a Guillermo, muchas veces los guionistas (autores, creadores de la idea, argumento, diálogos, etc. que se llevan a la pantalla) son olvidados, apocados por el director. Un disgusto que vio su climax en aquel festival de Cannes donde se proyectó Babel y se rumorea Arriaga no se presentó por la intervención de Iñarritu.

A partir de entonces Arriaga decidió dirigir sus propios guiones. Lejos de la tierra quemada (2008) es su primer largometraje. Un modesto y buen filme, agradable drama de historias entrecruzadas. Posteriormente vino en el 2010 su primer Corto, “El Pozo”, es un drama ambientado en la revolución mexicana (lo llegaron a pasar mucho por TV abierta, canal 7 en la Ciudad de México…) donde un niño de padres recién fusilados cae en un pozo y su abuelo tendrá  que darle solución. 

2012, Broken Night, exhibida en la categoría “U.S. Narrative Short films” de Sundance 2013, segundo corto y primer contacto con el terror de este ahora director. Es un terror muy clásico, simple, que refiere a esos acontecimientos inesperados capaces de tergiversar el alegre viaje de una madre y su hija a través de brillantes, soleadas y hermosas colinas, en una larga espera, varadas en la nada, que no puede culminar de otra forma más que en una noche de terror ante lo desconocido.


Agradable propuesta trabajada con una hermosa fotografía, filmado íntegramente con una Nikon D800. Que aunque me deja cierta indiferencia luce bien, y es bueno ver que siga dando señas de vida creativa este hombre, espero le vaya bien en “Rio, eu te amo”, una producción brasileña que incluye a dos buenísimos directores más: Fernando Meirelles (Cidade de Deus) y José Padilha (Tropa de Elite) y ofrecerá tres episodios sobre el amor; y en “Words with Gods”, un proyecto ideado por el mismo Arriaga, reunirá a varios buenos directores (Alex de la Iglesia, Hideo Nakata, Kusturica, Ghobadi… y otros) y siguiendo la idea de los cortos nos mostrará la perspectiva de cada uno acerca de la religión. Se espera para este año.

lunes, 8 de julio de 2013

The Front Line


Director: Jang Hoon
País: Corea del Sur
Año: 2011
Duración: 130 min. aprox.
Trailer

Género: Bélico / Años 50 - Guerra de Corea

Está bien sentirse herido.
Puedes llorar.


A causa de la individualidad el ser humano ha conseguido revolucionarse a través de cientos y cientos y cientos de años. Esa ambición fehaciente en cada quien, competitividad nata; la contradicción de la vida es que no podemos luchar solos como unidad, porque no existimos solos, somos un conjunto, una sociedad, un somos… y he ahí la complejidad de las cosas. La tremenda responsabilidad que cae en los líderes, representantes cuya decisión marca el futuro de cientos, miles, millones de personas. Pero estos líderes no son perfectos, como personas que son tienen ambiciones, sed y debilidades. Poder. Corrupción. Traición.  Ideales tergiversados. Decisiones, erróneas quizá... El doloso cause de la guerra.  

The Front Line es uno de los puntos de vista sur coreanos respecto a su guerra. No versa sobre el heroísmo bélico, porque honestamente tal no existe. En la guerra no hay héroes, sólo villanos y víctimas (puede que difieras conmigo aquí y pienses que tampoco villanos hay…). The Front Line nos habla de la angustia, del terror de la guerra. De lo trágica e irónica que es. Del compañerismo, la fraternidad, la resignación. De cómo la vida misma pierde su significado y todo se convierte en un mal sueño del cual no se puede despertar. Lo difícil, lo duro que es pelear cuando ni si quiera la razón se sabe y todo queda reducido a un ridículo ir y venir que termina absorbiendo la humanidad de todos. Del como la locura se adueña de unos, la crudeza de los tiempos y la indebida toma de decisiones son capaces de sumergir a cada cual en un infierno personal, un tormento que ni la morfina puede aliviar. 

En la actuación tenemos a un convincente Shin Ha-kyun ( “debutó” en la conmovedora Joint Security Area, la recomiendo muchísimo) interpretando a Eun-pyo, nuestro protagonista enviado al frente, exactamente en la línea divisora de las Coreas para indagar la posible existencia de un espía, a Go Soo quien hace de Soo-hyeok, queridísimo amigo de Eun-pyo que día a día se la vive junto a ese batallón dando su vida por una colina la cual ha cambiado de manos más de 30 veces. Ellos fueron separados al inicio de la guerra, creyéndose desaparecidos vuelven a encontrarse. Entre otros… un reparto sólido que si bien el guión arroja a algunos a cierto estereotipo se desenvuelve bien. La fotografía bella y una cámara dinámica, junto al guión (adaptación por el mismo autor de una novela homónima) hacen de esto un drama bélico que para nada enaltece a ningún bando. Humaniza tanto a norcoreanos como surcoreanos, y el poco más de 2hrs… se va volando. 


Escucho a lo lejos un fuerte cañonazo
Como una canción de cuna
Me lleva a casa en mis sueños
Mi hogar, mi dulce hogar...

¿Te interesa un poco esto de las Coreas (historia) y las veces que el cine lo ha tratado? Si no, puedes dar por concluida la reseña, y si sí te doy un resumen muy breve de ambas cosas: 

Las guerras… ¿Realmente son necesarias? ¿Qué tan validas son las justificaciones? Tal vez sólo sea una consecuencia de la vida a la que tarde o temprano como sociedades somos empujados. Destruirnos en el afán de expandirnos (en cualquier sentido) dejando una estela de terror que siempre nos perseguirá, y un ejemplo de ello es La Guerra de Corea. Y como estela tenemos a las causas de las de las cuasas de las causas… etc… de la Primera Guerra Mundial que entre otras cosas dejó el conflicto con el Imperio Alemán por el Tratado de Versalles y La Gran Depresión que dieron paso a la Segunda Guerra Mundial dentro de la cual entre más cosas tenemos el ansia expansionista del Imperio Japonés (protagonista de atrocidades de verdad enormes, desde antes estaba ya en guerra con la República China) hasta que se topó con E.U.A. (Pearl Harbor) condenándose a sí mismos (Las bombas atómicas) dando a lugar su obvia rendición… y es que además del bombardeo la URSS también le declaraba la guerra… ¡y!... comienza, si es que se puede decir así, el problema para Corea que de por sí ya estaba sumergida en la miseria por la ocupación japonesa de décadas (desde la alianza anglo-japonesa cuando intentaban frenar al Imperio Ruso, ¿Cómo cada rato cambian de bando todos verdad?). Por eso los coreanos recibían con gusto a sus vecinos (casi vecinos) soviéticos por el norte, y claro, a los estadounidenses por el sur.

A E.U.A. se le ocurrió resurgir el Paralelo 38 ¿Y luego? Finaliza la Segunda Guerra Mundial, El Eje pierde, los Aliados “ganan”, Corea se libera de los japoneses ¡pero! ¿Ahora quién está en su territorio? Desgraciadamente son dos amigos Aliados que se vuelven enemigos: la Unión Soviética y E.U.A… (bueno, “amigos”, sabemos desde que ambos estaban en la península ya existía esa tensión de uno por el otro sólo que estaban ocupados con otras cosas.) Y así es como sin querer queriendo ellos dividen a Corea, y es que el Paralelo 38 originalmente propuesto por unos japoneses y reivindicado por estos dos no sólo era la línea divisora entre dos naciones, dos fuerzas estratégicas bélicas sino también ideológicas. Nacen Corea del Norte y Corea del Sur, comunistas y capitalistas, soviéticos y estadounidenses, la Guerra Fría. Y… es la historia de cómo una nación se divide en dos, dos partes que pasan a ser los títeres, los perros, los gallos de pelea de dos naciones poderosas. La Guerra de Corea inicia en 1950, auspiciada por la URSS/China y EUA/ONU. No sé, a mí se me hace muy triste eso, si de por sí la guerra es triste más cuando la nación no pelea por su locura expansionista, por cambiar su gobierno o por defenderse, sino por aquellos dos bandos, coreanos matando coreanos porque alguien se los ordena y los más perjudicados y menos beneficiados son ellos mismos. 

Es un pasaje oscuro y doloroso. Tal vez por eso Corea del Sur tardó más de 40 años en llevarlo al cine y no fue hasta el 94 con Taebek sanmaek, un drama social y no bélico que nos relata los conflictos ideológicos de los habitantes de un pueblo, previos y posteriores a La Guerra, y la manera en que influye en sus vidas diarias. En cuanto a Corea del Norte… un país cuya represión no ha hecho más que menguar casi todo desarrollo deportivo y creativo. Sólo tiene un exponente acerca de La Guerra y se titula Wolmido, basado en La Batalla de Inchon representa la resistencia de los HEROICOS habitantes de la isla Wolmido ante el desembarque de cientos de buques de miles y miles de MISERABLES estadounidenses, como es de esperar, cine bélico que ensalza a los norcoreanos… Y de hecho así es la industria cinematográfica de Corea del Norte, nauseabunda. Tienen poquísimas películas que logran salir de su país, poco más de 10 debe ser (a través de tooooda la historia) y de eso van todas, de una u otra forma a glorificar a la dictadura, costumbres y belicismo norcoreano. Nunca creció, ni cuando tenían a un cinéfilo como ministro de cultura; un asco y una falacia la del político militar Kim Jong-il, ególatra “intelectual”, amante del cine norteamericano e “impulsor” del arte en su país. SI quieren pueden leer este artículo: Kim Jong-il y el cine.

¡En fin! Afortunadamente no es el caso de Corea del Sur y su gobierno demócrata capitalista ha impulsado el desarrollo económico beneficiando el área de las artes y tecnología. Es un país que se ubica entre los mayores productores de Cine y de Cine de gran calidad: animación, drama, terror,  ciencia ficción, etc., etc., dando magníficos directores como Kim Ki Duk, Park Chan Wook, Hong Sang-soo, Kim Ji-woon, Lee Chang-dong y otros más. 

A cerca de La Guerra hay ocho más,  The Front Line es una de ellas, la penúltima; dos documentales que no he visto y una serie que tampoco. Pero en sí todas apuntan hacia el mismo punto de vista, coreanos sufrientes (más curiosamente no victimizados), mensajes de fe, de amor, compañerismo. Mensajes de reprobación en todo sentido de la guerra. Por eso el belicismo coreano es tan honesto y tan grato de ver. Puedo mencionar A Little Pond del 2009, el terror y resignación de un pueblo al inicio de La Guerra y su evacuación. Welcome to Dongmakgol , una agridulce comedia, nos cuenta la llegada accidental de un puñado de soldados surcoreanos, norcoreanos y hasta un americano, a un pueblo aislado de La Guerra por su ubicación, ajeno a ella ni enterado está, y estos soldados tendrán que aprender a trabajar en equipo para mantener la inocencia en este lugar. Porque no todo es belicismo, dejando lugar a dramas como Taebek sanmaek o a la comedia antes citada y si bien no refiere directamente a La Guerra Coreana si habla de la problemática del Sur y Norte, de esa enemistada obligada: Joint Security Area  Y bueno, volviendo a lo bélico encontramos un par que extrañamente no he visto y son muy aclamadas y queridas por la crítica nacional e internacional: 71: Into the Fire (2010) y The Brotherhood of War (2004). 

¿Pero entonces… este aproximado de 10 – 15 películas es todo lo que hay de La Guerra de Corea?, para nada. ¿Quién es el mayor productor de cine? Claro, E.U.A., Estados Unidos ya hacia películas sobre esta Guerra cuando ni si quiera había terminado, un ejemplo es A bayoneta calada (1951), de ahí en adelante explotó el tema por 30 años (dando algo más de 30 películas), luego perdió el interés y en los últimos años se olvidó del tema (a excepción de una patética The Red Canvas (2009)). Además de esas dos sólo he visto Escuadrilla heroica (1954) y El paso de la muerte (1960), todas de contenido patriótico y repugnantes. Por eso no tengo el interés de ver más, aunque hay dos con “buenas críticas”: The Manchurian Candidate (1962) y M.A.S.H. (1970).


Sin más de momento, el enlace para Descargar The Front Line.

jueves, 4 de julio de 2013

The ABCs of Death


Directores: Varios
Año: 2013
País: Varios
Duración: 130 min. aprox.
Sitio

Género: Terror - Gore - Animación - Comedia - Cortometraje


El ABC de la muerte es un guiño antológico producido por Drafthouse Films, Magnet Releasing y Timpson Films. Ambiciosamente planteaba una alegoría a la muerte desde tantos puntos de vista como el alfabeto se lo permitiese, intentando innovar con esa dosis de picardía, sentido crítico, horror y transgresión que podía dar un abanico de directores que hoy por hoy se están escuchando, unos con mucho menos trayectoria que otros, unos con mucho mejores películas tras de sí que los demás, pero finalmente: variabilidad. Y desgraciadamente esto sumado al triste presupuesto (5 mil dólares) da como resultado lo más obvio: una IRREGULARIDAD tremenda. 

Así mismo el formato, se tiende a pensar: genial, ¡cortometrajes! Fácil me aviento uno tras otro, son cortos ¿qué puede pasar? Y si no me gusta el que veo, simplemente espero un par de minutos y viene el otro. ¡Pero no! No es tan sencillo, llega a ser cansino mirar episodio tras episodio por algo más de dos horas, más aún cuando la mayoría son olvidables y hasta burdos, te hastías… te das cuenta que no era tan divertido como creías. 

Sabiendo esto una buena técnica sería que lo vieses en partes… per no, fue “diseñada” para que sufrieras así que sufre y vela de un sólo tirón. 

Hay que mirar como una curiosidad este compilatorio que tanto vale la pena verlo como no hacerlo… En mi caso a pesar de la pésima portada no me pude contener, me gustan los cortos, me simpatiza el tema de la muerte y varios de los directores que anunciaba me parecen MUY interesantes y tan sólo ver sus nombres merecía el visionado: Spasojevic, Michel Grau, Xavier Gens, Morgenthaler, Vigalondo, Simon Rumley, Jason Eisener … vaya, y el corto que más me gustó no es de ninguno de ellos.

Olvidaba comentar: se convocó y se les dio dinero, y las 26 letras de la A a la Z fueron sorteadas y es como se les fue asignando para que desarrollaron un corto (con total libertad en argumento y técnica) basado en una palabra que comenzará con la letra y que expresará muerte. La letra T se quedó sin nadie (porque sólo eran 25), para cubrirla se lanzó una convocatoria a cineastas aficionados ganando Lee Hardcastle. 

Paso a enlistar y comentar un poco cada uno (no tanto el corto sino al director).

A is for Apocalypse. Dirigido por Nacho Vigalondo.
Director español que más que el Terror lo suyo es la Ciencia Ficción. La  película que le hizo destacar fue Los cronocrímenes… en ese entonces me resultó agradable y un tanto ingeniosa. Pero más que largos tiene cortometrajes, como Marisa, 7:35 de la mañana y Chahara. A is for Apocalypse  se me hizo simpático, aunque creo que es de sus peores cortos, es que es muy obvio. Pero considero es una buena forma de empezar la antología, humor negro acertado.

B is for Bigfoot. Dirigido por Adrián García Bogliano.
Tal vez sea porque crecí con el cine de terror norteamericano… casi siempre se me ha hecho extraño el terror latino. Un caso es el del argentino Bogliano que no sé si aplaudirle o no… sus ganas de hacer cine de terror, son películas en mi opinión malas (lleva como 8 o 9) pero… se deja ver una “mejora”  (aunque sea técnica). En la B del Abominable hombre de las nieves tiene un carácter bastante latino con sabor a leyenda urbana para niños. Indiferencia al final pero no mengua nuestro humor. ¡Sigamos!

C is for Cycle. Dirigido por Ernesto Díaz Espinoza.
Corto al estilo del clásico Invasion of the Body Snatchers, cero original pero no me desagrada. Está a cargo de Ernesto Díaz, un director chileno que no trabaja con el Terror sino con películas de Acción. En el 2007 hizo una película muy sincera, entretenida y mejor de lo que yo esperaba para el género de Superhéroes: Mirageman.

D is for Dogfight. Dirigido por Marcel Sarmiento.
Sin duda la sorpresa de esta antología y para bien. ¿Por qué sorpresa? Marcel y Gadi son dos directores que saltaron a este género en el 2008 con Deadgirl (un cine de zombis diferente, colegial y sexualmente enfermizo) entretenida y aceptable, pero era su único referente. ¿Cómo pensar que iban a salir con algo como este corto? No son zombis, no es sexo mórbido, de hecho la cantidad de sangre es limitada. Más serio, el concepto se basa en algo más realista, mucho más humano. Imágenes que sin diálogos nos cuentan una sola cosa, apelando a nuestra empatía. ¿Será por mi profundo respeto a los animales que me terminó encantando? Es reprobable el entretenimiento a través de la violencia hacia los débiles, hacia aquellos que deberíamos de proteger, y sin embargo es tan fácil caer en ello, tanto niños como adultos, es tan fácil no pensar en esos compañeros animales. La cuestión técnica, buena idea la cámara casi ultra-lenta, acentuado el dramatismo. Sincero.

E is for Exterminate. Dirigido por Angela Bettis.
Arácnido corto, simplón. La estadounidense Angela Bettis sólo tiene una película: “May 2: La historia de Roman” que no he visto…  Además del bicho no sabía porque E me recuerda mucho a Sick Girl de Lucky McKee (episodio de Masters of horror que trata de una entomóloga relacionada amorosamente con insectos) y ya veo porque… haciendo memoria, Angela es la protagonista de May 1 (ésa si la vi) de Lucky McKee, quien a su vez es protagonista de May 2 y guionista de este corto. Vaya que se están haciendo repetitivos estos dos.

F is for Fart. Dirigido por Noboru Iguchi.
Bueno, qué decir de este corto ¿? Con películas como The Machine Girl, RoboGreisha, Mutant Girls Squad, Dead Sushi y Zombie Ass: Toilet of the Dead, Serie B japonés de lo más cutre, gore, colegialas, mutantes, etc… la primera película que le vi fue The Machine Girl, no tan degenerada como lo que después fue sacando. En F no hay sangre, pero si cataclismos, colegiadas y flatulencias, un éxtasis erótico y mortal hacia los “pedos”. ¿Qué decir? La verdad sobre cosas como ésta no opino. Ridiculeces que no me gustan, no es buen cine, lo sé, pero es algo -películas de Cine Serie B japonés (Z) - que llego a ver de "buena gana". 

G is for Gravity. Dirigido por Andrew Traucki.
Traucki es un australiano que lleva dos películas, Black Water sobre un cocodrilo y Arrecife de un tiburón. Así que para no romper la costumbre nos ofrece “Gravity”, sobre un ¿surfista? suicida, grabada en primera persona. Muy Aburrido.

H is for Hydro-Electric Diffusion. Dirigido por Thomas Malling.
El noruego Malling quien tras sí sólo lleva una película (que hace unos meses regalé sin ver) de ninjas ambientada en la guerra fría, trae consigo ciertos elementos para hacer H: Acción, comedia y un contexto bélico. Es lo que protagonizan en este corto furry un perro aviador británico y una zorra nazi. Excesivo. X, me fue indiferente. 


I is for Ingrown. Dirigido por Jorge Michel Grau.

Jorge es un director mexicano graduado en la UNAM que en el 2010 me sorprendió gratamente con Somos lo que hay. Que más que una película de terror es un drama sobre una familia de caníbales mexicanos en nuestra época. Un relato que mezcla muy bien la ficción y la realidad. Tanto así que E.U.A. se apuro a tramitar los derechos y a sacar este año un remake “We are what we are” dirigido por J. Mickle (Stake land), menos crítica social y con actores más bonitos, y hasta convenció ($$$) a Grau para hacer una secuela y se rumorea habrá una precuela.  También Grau rodó 72 para el proyecto Fronteras, un corto sobre el asesinato a sangre fría de 72 inmigrantes. Por eso yo esperaba con tantas ganas su corto I…el cual si me gustó, no sé si es porque sí es "bueno" (entre comillas) o porque es Grau, sin embargo no me parece inolvidable… la turbidez de un matrimonio enfocado a punto de golpes y a través de un monólogo femenino… ¿En qué momento pasó esto?

J is for Jidai-geki (Samurai movie). Dirigido por Yûdai Yamaguchi.
Director japonés de Cine de Serie B, tendiente a mezclar con el gore a samuráis/yakuzas o al beisbol. J… J es un corto de humor negro, la ejecución de un samurái. Bastante simple y sin gracia.

K is for Klutz. Dirigido por Anders Morgenthaler.
Director y escritor danés de la recomendable Princess, un thriller animado bastante completo: dramático, de acción, violento y capaz de desplazarse muy bien en tópicos de prostitución y abuso infantil, por el que fue convocado a este ABC (sus otras dos películas nada que ver, The Apple and The Worm, película animada plenamente infantil y Ekko, ésta sí no es animada y es el drama de un padre que perdió la custodia de su hijo, agradable por cierto). K está bien realizado, apuesta por un humor escatológico, en ello similar a T is for Toilet pero mucho más inocente. Sin embargo… no consigue sobresalir.

L is for Libido. Dirigido por Timo Tjahjanto.
El indonesio Tjahjanto forma parte del equipo tras V/H/S/2, fuera de ahí no sé nada de él salvó que dirigió Macabre, filme que no he visto. De los más desconocidos para mí en esta antología. Su corto… su corto tiene una escena que me hizo recordar a Spasojevic pero jamás pensé que fuese el serbio (porque es de fotografía más oscura) y Timo es muy luminoso. Paredes blancas, y además no congeniaba… bueno, ¿y el corto? Tranquilo si la cuestión fuese la más evidente: ¿Cuánto podrías masturbarte si de ello dependiera tu vida? Pero es algo más brutal, más enfermo, por que la cuestión es: ¿qué te prende?

M is for Miscarriage. Dirigido por Ti West.
De este corto no puedo decir nada porque es tan breve en su contenido que fácilmente lo arruinaría. Salvo que… si a todos les llegó a faltar presupuesto a este seguro le sobró. ¿5 mil dólares para esto? Pff, ni que la idea valiera tanto :S 
El director es un estadounidense que no me gusta, le he visto títulos como: The House of the Devil y Trigger Man, bueno, y participó en el equipo de V/H/S

N is for Nuptials. Dirigido por Banjong Pisanthanakun.
Nuevamente recurrimos a la comedia… al humor. Igual no esperaba mucho de este director tailandés pero sí un poco más recordando que tras de él está Phobia 1 y 2, y su participación con la bien recibida en su momento Shutter y Alone. N nos ofrece la comicidad de un perico que habla más de la cuenta, tanto más que pone en riesgo el futuro matrimonio de una pareja. La idea está “divertida” pero no me causo gracia. 

O is for Orgasm. Dirigido por Bruno Forzani y Héléne Cattet.
Orgasmo huele a este par de directores belgas que han sabido moverse a través de la delgada línea del surrealismo experimental –que tan fácil es volcar hacia una pretenciosidad que nadie entienda– para darle un toque especial a su cine Giallo. Orgasmo es el corto más artístico de la antología (y el más artístico de toda su obra como directores), una pieza de ballet tan intima que sólo una persona puede protagonizarla. A un par de conocidos míos les gustó usando la palabra “embeleso” para describirlo; a mí no me van mucho estás cuestiones sexuales, además de nunca me han gustado en audio los gemidos femeninos de placer. Una cuestión de gustos es la que me hace pensar que ojalá y este corto fuese un giallo.

P is for Pressure. Dirigido por Simon Rumley.
Otro de los que tenía muchas de ver y es que el caos emocional y la turbulencia sexual de Red White and Blue (2010) me encantó, y es lo único del británico Rumley que he visto -Desde cuando quiero ver Little Deaths pero X o Y me lo impiden.
Pressure destaca sobre los demás cortos porque… es más serio. Y es que Rumley no es un director de Terror, es más inclinado a los dramas sociales, con personajes marginados, sufrientes pero combatientes, capaces de rebajar su dignidad si es necesario para continuar, de venderse y hacer vilezas (como la del gatito) para satisfacer placeres ajenos. Me gusta verlo aquí, nos recuerda esa variabilidad, que no todo es comedia y sangre. Aunque igual y porque ya me estaba cansando, sí, me despertó el interés pero me dejó con cierta indiferencia.

Q is for Quack. Dirigido por Adam Wingard y Simon Barrett.
Participantes de V/H/S y V/H/S/2, y Adam director de A Horrible Way to Die (una película de asesinos en serie que se queda a medias pero está “bien”). Quieren hacer de Quack un corto pícaro e ingenioso, pero no, nada de eso. A mí no me simpatizó salvo el final (que es bien obvio). ¿Por qué? Casi siempre me caen mal las películas que tratan de la misma película, las canciones que cantan sobre la misma canción, y más todavía cuando hacen referencia a sus mismos creadores (por ejemplo Los Simpson burlándose de FOX).Y es lo que pasa aquí, tenemos a los directores Adam Wingard y Simon Barrett de protagonistas lidiando con esto del corto, quejándose del presupuesto y así.

R is for Removed. Dirigido por Srdjan Spasojevic.
Creo que a veces nos dejamos llevar con suma facilidad, Spasojevic antes de su polémico Film serbio (2010) era un total desconocido, y si no fuese por esta convocatoria seguro seguiría sin ninguna novedad. Pero es por el film serbio que uno lo ve aquí y se entusiasma, a ver con qué sale ahora. El resultado, un corto que aunque nada tiene que ver me recordó a Cigarette Burns de Carpenter que trataba de una mítica película en 35mm donde fue grabado el sádico asesinato de un ángel, ¿por qué? Ah, nada más porque aquí va de un hombre que como que se está pudriendo en vida, y se la pasa entre la diálisis, las lamidas al centenar que le dan y el fino desollamiento de su resquebrajada piel para precisamente, hacer cintas de 35mm. 

S is for Speed. Dirigido por Jake West.
Del director de la britanica Doghouse, una película de zombis intrascendente y ¿por qué no?, ligera y simpática. Curiosamente de West no esperaba nada y eso está muy bien porque Speed no me quitó lo cansado pero me puso más o menos de buenas. Una road movie en algún lugar del árido oeste con un final que sí, me gustó. Huyendo, burlando a la muerte,

T is for Toilet. Dirigido por Lee Hardcastle.
Interesante, tal vez me equivoque (esto ya se está haciendo muy extenso y puede me empieza a “fallar” el recuerdo) pero creo que éste es el único corto de humor negro que en verdad me gustó, superando por mucho al Toilet de la K de Morgenthaler y a otros tantos cortos. Éste corto (por esto del concurso) se vio antes que el resto y no me acuerdo bien… creo que fue el primer título que vi de Lee (prolífico Lee consagrado en el gore claymation) y divirtió al igual que está segunda vez que lo vi ya dentro del ABC. Interesante que el director más inexperto tenga la idea más funcional, sangrienta, cómica, llevadera y para el recuerdo. La historia de un niño que como ya es grande tiene que hacer popo en el retrete pero le da miedo, piensa que se lo va a devorar.

U is for Unearthed. Dirigido por Ben Wheatley.
Es difícil decir que tan bueno o malo es un corto cuando éste se remite a mostrarnos sólo una acción y no a contarnos una historia. Es el caso aquí. La persecución de un vampiro a través de sus propios ojos. Wheatley es el director de la comedia negra Turistas (2012) la cual ha sido bien recibida en festivales como Sitges, Mar de la Plata y BIFA. No la he visto, ojalá la vea pronto.

V is for Vagitus (The Cry of a Newborn Baby). Dirigido por Kaare Andrews.
Maltrecho cortometraje futurista ambientado en New Vancouver. Se aprecian las ganas por querer hacer rendir los 5 mil dólares, pero no me convenció, sin embargo no tengo nada en contra de la idea de dar caza a la humanidad que se atreve a reproducirse ilegalmente. El referente de Andrews es Altitude, película que tiene como escenario un avión y como problema la existencia de un monstruo. No la he visto, me da flojera ver, no me llama su argumento nada.

W is for WTF. Dirigido por Jon Schnepp.
Del creador de la pequeña serie animada (que creo lleva 4 temporadas) en flash Metalocalypse. Si Quack más pasable no me gustó, mucho menos ésta. De las cosas que ponen de malas a uno. 

X is for XXL. Dirigido por Xavier Gens.
No podía esperar menos de Xavier Gens (Frontière(s), The Divide, Hitman). Punzante nos echa en cara la cruel banalidad y superficialidad de la sociedad, tendiente a desear, establecer y fomentar estereotipos publicitarios. El mensaje no llega y se me hace trillado, pero bueno, lo importante aquí no es eso sino la despellejada forma en que lo muestra y su vivo desenlace.

Y is for Youngbuck. Dirigido por Jason Eisener.
Ayudado de la misma fotografía que en Hobo with a Shotgun es capaz de generar esa atmósfera de serie B de los setenta. También respaldado con el ost en manos de Power Glove (éste es su sitio, se dedican a hacer cover de videojuegos). Youngbuck no decepciona, y lástima que a estas alturas uno esté ya tan fastidiado… sin embargo, es lo suficiente decente como para no pasar desapercibido. Una historia alucinante, degenerada, morbosa y sangrienta, bien ejecutada. En algún lugar que ya no me acuerdo escuché un comentario de Eisener, en una entrevista mencionó prefería la “N” para trabajar una idea sobre una peluquería pero cuando le tocó la “Y” a modo de flash recordó esta idea del ciervo y el conserje pederasta, emocionándose porque son de esas cosas que yacen en un cajón y por algún motivo no puedes sacar pero sueñas con el día que tengas la oportunidad. Como anillo al dedo le vinieron esos 5 mil US$ y el espacio en el ABC.

Z is for Zetsumetsu. Dirigido por Yoshihiro Nishimura.
Aaah... con estos japoneses, abrasados a su querido estilo tan sexual, enfermizo y violento. Director de Vampire Girl vs. Frankenstein Girl y Tokyo Gore Police entre otras. No se podría predecir otra cosa que la que fue... Delirante y sin mucho sentido.


¡Caray! La entrada más extensa que he hecho, no sé cómo hago estás cosas (2hrs viendo el ABC y 1hr escribiendo a velocidad rayo, ¡3 hrs!). Con razón me empieza a doler la cabeza y la espalda. 

Por algún lugar leí que habrá secuela, sí, una segunda parte. ¿Te imaginas? Seguro ésa no la veo.

¡En fin!, en conclusión…

Mi favorito: D y L
Segundo puesto: Y, T, S y X
Pasables pero que me dejan indiferente:   I y P

Los demás… me da igual si los tiro al olvido, y de los que ni me quiero acordar es de W, E, F, M, Z… 

Si la quieres ir a descargar puedes hacerlo de aquí.