Neo-Tokyo (Laberinto de Historias)

Manie Manie: Meikyû Monogatari
Neo-Tokyo - Labyrinth Tales

Directores: Katsuhiro Ôtomo, Rintaro y Yoshiaki Kawajiri
País: Japón
Año: 1987
Duración: 50 min. aprox.
Trailer

Género: Animación - Fantástico - Ciencia ficción / Cortometrajes

Sinopsis: Neo-Tokyo reúne tres historias cortas dirigidas y escritas cada una por tres de los directores de animación japonesa más reconocidos del sector: Katsuhiro Ôtomo (Akira, Steamboy), Rintaro (Osamu Tezuka's Metropolis) y Yoshiaki Kawajiri (Wicked City, Ninja Scroll, Demon City)

NOTA: 6.8 / 10

Neo-Tokyo, en un principio Manie Manie o Tales of the Labyrinth, es una antología de cortometrajes basados en la obra homónima de Taku Mayumura; de quien ya se han adaptado otros de sus títulos en animes y dramas de tv (Psychic School Wars o 1778 Stories of Me and My Wife, por ejemplo). Compuesta por 3 segmentos es una muestra de los inicios de dos de sus colaboradores que en un futuro serían autores de películas de culto, como lo es Akira (1988) de Ôtomo o Ninja Scroll (1993) de Kawajiri. 

Tres segmentos de ciencia ficción, el primero más surrealista y a pesar de su duración, prolongada para una introducción, funge como tal y también como cierre de la antología. Conjuntando el trabajo de Ôtomo y Kawajiri, dos cortos que guardan en común su ambientación en un futuro distópico. Todos ellos con una animación tradicional e imaginativa, a ratos (Kawajiri) más oscura y visceral.

Labyrinth-Labyrintos de Rintaro

Una especie de Alicia a través del espejo de Lewis Carroll (y por qué no, Fantasía de Disney) protagonizada por una niña y su gato Cicerón. Parte del momento en que Sachi y su gato cruzan a través de un antiguo reloj a un mundo repleto de extrañas criaturas.

Mera introducción visual. Me encanta su estilo de animación y el diseño de sus personajes, así como su oscura ambientación. Sin embargo, me parece una obra menor de Rintaro que en ese entonces ya era conocido por Las aventuras del Capitán Harlock (1978) y Galaxy Express 999 (1979) (tendría unos 7 años cuando la vi, de mis películas favoritas de la infancia). Humm… hace poco vi Metrópolis (2001) y no me gustó mucho… no la reseñé. Espero no dentro de mucho ver y estar platicando por acá Doomed Megalopolis (1991).

The Running Man de Yoshiaki Kawajiri

Zack Hugh es el gran campeón del circuito de carreras  suicidas “Death Circus”. Su única ambición es ser más y más rápido…

Breve alusión a la muerte. Dejando de lado la elaboración de un arco argumental Kawajiri enfoca su atención en el acto de correr, unicamente en la ambición del corredor, y aun así debido a su final, consigue ofrecer una historia, quizá una metáfora oscura y violenta. También es un ejercicio que definiría más tarde su estilo de animación cyberpunk y gore. También espero no dentro de mucho ver (o volver a ver) algunos de sus films y platicarlos por acá. Wicked City es un ejemplo. Otra opción sería Goku: Midnight Eye (1989). Por cierto, un tanto más alejado de su estilo (por el tipo de manga) también dirigió la serie de Clamp, X (2001), me gustaba esa serie, la historia y sus duelos (además fue el primer anime que vi donde sus personajes tenían ondas homosexuales). Seishiro Sakurazuka me caía muy bien y recién descubro que era veterinario :O

The Order to Cease Construction de Katsuhiro Ôtomo

En una era no muy lejana en donde las selvas son destruidas para dar lugar a las grandes ciudades, y la mano de obra es completamente automatizada, Tsutomu Sugioka es enviado a la selva de la República de Aloana para suspender el proyecto #444. Pues tras la revolución de dicho país el nuevo gobierno ha cancelado el contrato. Una tarea aparentemente sencilla complicada debido a que estos robots parecen desconocer las leyes de la robótica de Asimov. 

Buen cortometraje, el único que cuenta realmente una historia… a pesar de las obvias reflexiones a las que nos invita con humor, es… muy olvidable, pero está bien, es un buen inicio para su carrera la cual lamentablemente es breve. No se le ve mucho a Otomo como director. 

Intentaré ver alguna de sus películas en imagen real, Warudo apaatoment hora (1991) o Mushishi (2006) y comentarlas por acá.

Algo pasó que perdí el archivo que iba a subir en Mega :/ así que sólo puedo dejarte este enlace en dailymotion para verla en línea (doblada al español).

The Eyes of My Mother

Director: Nicolas Pesce
Guionista: Nicolas Pesce
País: E.U.A.
Año: 2016
Duración: 75 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Terror - Drama / Familia - Drama psicológico - Cine independiente USA

Sinopsis: Una mujer joven y solitaria es consumida por sus deseos más profundos y oscuros después de que la tragedia golpea la tranquilidad de su vida en el campo.

Reparto / Personajes

Olivia Bond es la niña Francisca

Kika Magalhaes es la joven Francisca

Diana Agostini es la madre

Paul Nazak es el padre

Will Brill es Charlie

Joey Curtis-Green es Antonio

Entre otros

NOTA: 8 / 10

A veces considero exagerado “responsabilizar” a la madre de engendrar a esos pequeños monstruos, psicópatas en potencia. Me niego por esta vez a citar la típica cursilería de que los ojos de una madre lo son todo. No reniego, aún no, del arquetipo freudiano ni del hecho de que sí, juega un papel crucial en el desarrollo del psycho-killer tal y como lo conocemos por el cine: aquel depredador que acecha, tortura y da muerte fríamente a su víctima. La historia nos da ejemplos como Henry Lee Lucas, Ed Gein, Albert DeSalvo, Ted Bundy, etc., y la ficción también, ahí tenemos a Norman Bates. Es crucial, sí… pero en esta ocasión me quedo con la hipótesis de la propia madre de nuestra Francisca: la soledad puede hacerle cosas muy extrañas a tu mente. Y ahí me acuerdo de May (2002) de Lucky McKee, una chica que lo único que buscaba era ser aceptada pero sólo recibía el rechazo, y en su afán de compañía humana se construye un amigo a base de los restos de gente desmembrada cual Frankenstein. No es ese el caso, pero aquí nuestra Francisca herida por la soledad sólo quiere un amigo también, anhelo que con los años vira en la necesidad de una familia y amor; pero esto es un tanto complicado, siempre que hablamos de alguien “socialmente discapacitado” lo es.

Loable debut del director y guionista Nicolas Pesce. Una acertada propuesta que de pronto veo original, un “drama de horror” sobre la soledad y la alienación como agentes causales impulsados por la tragedía. Historia de la psicopatía de una niña. Dividida en 3 actos I. Madre, II. Padre, III. Familia, inicia la historia de Francisca (bautizada así en mención a San Francisco de Asis), hija única de una familia portuguesa. Su infancia transcurre con “normalidad” en la aislada granja de sus padres en donde recibe la educación de su madre en otrora cirujana oftalmóloga, hasta el trágico día en el que un hombre hace su aparición (con dejos a Funny Games) apartando a Francisca de su madre. A partir de ahí observamos la fría evolución de Francisca (quien ni si quiera derrama una lágrima), y su pase de niña a mujer, dejándonos conocer su trastocada mente carente de sensibilidad hacia otro ser humano y así mismo, ansiosa de su compañía. En pleno despertar sexual e invadida por un vacío emocional imposible de llenar, más no de desear experimentar. Y llega el día en el que libre del cobijo paterno, entre lamentaciones y tristeza, conoce que la hora ha llegado para transformar el deseo en acción.

Contemplativa a ratos, yo creo que es una buena idea, no tengo prisa, acepto con buen gesto el tiempo que se toma en sus planos fijos. En cuanto a la música, me agrada el exotismo que aporta el fado portugués de Amália Rodrigues, así como la elección de Kika Magalhães como protagonista de este cuento macabro, casi impredecible. Hay películas que desde el principio te invitan a la fascinación, es el caso. Pesce apuesta su intelecto y creatividad en el cómo (capitular, breve y sugerente) y el a través de (su ambientación neo-gótica, la elegancia del blanco y negro de Kuperstein, y el arte que destila cada uno de sus planos medios, panorámicos y cenitales, y aquellas composiciones que se debaten entre el intimismo y el voyerismo).  

Muerte empapada de lirismo. Tortura de belleza. Yo creo que debes de verla, claro que debes, y si no te gusta piensa que fueron 70 minutos. Seguro los hubieras desperdiciado en otra cosa.

Hummm… Para finalizar, nada le debe a estos directores, pero... será el blanco y negro que en momentos acudieron a mí mente nombres como Buñuel, Polanski y Ana Lily Amirpour. Tenía que mencionarlo.  Por último y como dato curioso: dos veces salen viendo la Tv en The eyes of my mother, por si te queda la duda: la primera es un episodio de Bonanza (nunca me gustó), la segunda es House on Haunted Hill (1959) de William Castle, de hecho la voz que se escucha es Vincent Price al principio de la película cuando su personaje detalla las condiciones del encierro. Esa película, discreta obra del cine clásico de terror y suspenso, si me agradó, quizá te gustaría verla. House on Haunted Hill.

Frases

¿Por qué te mataría? Eres mi único amigo

Recuerda la paz que puede haber en el silencio. Sea que te resulte claro o no... el universo marcha como debería

¡Sin más! La puedes descarar desde Mega dando click acá, usar este Torrent o Ver online en pelispedia.

Wicked City

Yôjû Toshi

Director: Yoshiaki Kawajiri
Guionista: Kisei Choo (Historia de Hideyuki Kikuchi)
País: Japón
Año: 1987
Duración: 82 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Animación - Ciencia ficción - Terror / Monstruos

Sinopsis: Criaturas demoníacas se han introducido en nuestro mundo provenientes de una dimensión paralela. Recientemente, contactos entre los gobiernos de nuestro mundo y mandatarios de la dimensión paralela han propiciado un acuerdo de paz que necesita ser ratificado. Renzaburo Taki es el principal encargado de que las negociaciones transcurran sin ningún altercado. Por desgracia, no todos están dispuestos a que se produzca una paz duradera entre los dos mundos.

NOTA: 7.3 / 10

Wicked City es uno de los títulos más populares de Kawajiri, y el primer largometraje en el que logró explorar su estilo de animación caracterizado por un alto contenido sexual y violencia. Surge poco tiempo después del lanzamiento de su cortometraje The Running Man en la antología Manie Manie: Meikyû Monogatari (1987). y está basado en la novela homónima de Hideyuki Kikuchi (autor de las novelas que dieron origen a Vampire Hunter D y Darkside Blues). 

Durante siglos la paz entre el mundo de los hombres y el mundo de los demonios ha sido posible gracias a un tratado firmado cada 200 años por los líderes de ambos mundos. Hablar de “paz” es complicado, más bien el termino sería “han logrado coexistir” bajo dicho tratado y la vigilancia de su cumplimiento a cargo de la Guardia Negra (integrada por humanos y demonios). Renzaburo Taki es asignado junto a Makie (una mujer demonio) a proteger al viejo libertino/libidinoso Giuseppi Mayart –sin el cual no puede celebrarse la conferencia por la paz– de los elementos radicales extremistas del mundo sobrenatural. Conforme avanza la noche y los encuentros contra tales criaturas monstruosas sedientas de sexo, sangre y destrucción, Taki y Makie descubrirán el verdadero objetivo de las fuerzas oscuras y el papel crucial que juegan ellos mismos para el inicio de una nueva era. 

Hoy día "un clásico" y en aquel entonces un prometedor paso en la naciente carrera de Kawajiri. En absoluto encontraremos un argumento brillante, no es la intención, el autor cuenta con 80 minutos (originalmente eran 30) y lo que le interesa es desarrollar una acción, no los motivos ni la profundidad de sus personajes, los cuales vale de paso mencionar, son planos y estereotipados. Incluso el giro argumental romántico es de esperarse apenas conocemos a Taki y Makie, y por la época y el país tampoco nos sorprende que su personaje femenino, a pesar de sus extraordinarias habilidades demoníacas llegue el momento en que se reduzca a una damisela en peligro que el varonil Taki cargado de testosterona salvará. Pero en fin. Finalmente logra su objetivo: divertir y entretener, en este referente es crucial su animación de trazos gruesos, tradicional, dinámica y libre de censura.

Una animación que destaca sus mejores atributos: su magnífica atmósfera neo-noir inspirada en el cine norteamericano y el obsceno despliegue de violencia y rarezas sexuales muy a lo japonés: plegada de tentáculos, criaturas bizarras y violaciones... vaya, que la vagina dentada me sorprendió bastante cuando la vi, tendría como unos 11 años… y recordemos que la niñez de los 90s no es como la de hoy. Si se me hizo muy curioso cuando la vi. La música es otro acierto, muy de los 80’s-90’s, a ratos el típico jazz y en otros esos tonos electrónicos que nos recuerdan la banda sonora del cine Serie B.

Me parece es un buen filme que toda persona que aprecie la animación oscura (gore y de ciencia ficción también) debería de ver, si es que no lo ha hecho aún. Como dato extra, en 1992 Tai Kit Mak dirigió el live action de Wicked City titulado Yao shou du shi. Ni idea como éste pero se me figura que muy loco. En un futuro cercano intentaré charlar por acá alguna otra de las películas de Kawajiri que no sean Ninja Scroll o Vampire hunter D: Bloodlust.

La puedes descargar por Mega dando click acá, por Torrent aquí.

En youtube la puedes ver en castellano. No me gusta eso. Si conoces un enlace para verla online con subtítulos en español puedes dejarlo en un comentario.

Aloys

Director: Tobias Nölle
Guionista: Tobias Nölle
País: Suiza
Año: 2016
Duración: 90 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Drama psicológico

Sinopsis: Aloys Adorn es un detective privado taciturno, un lobo solitario cuyo trabajo consiste en filmar a otras personas, observándolas en secreto y permaneciendo invisible. Un día se emborracha y se duerme en un autobús y, al despertarse, descubre que su cámara y sus cintas han sido robadas. La misteriosa mujer que le llama poco después parece tener algo que ver con ello.

Reparto / Personajes

Georg Friedrich es Aloys Adorn

Tilde von Overbeck es Vera

Entre otros

NOTA: 7.3 / 10

Hay veces que algo te suena tanto a una frase. Generalmente sí, pero esta vez no recuerdo de dónde es... en algún texto escribió Bécquer –y no, no es en Cartas desde mi celda–: "la soledad es muy hermosa... cuando se tiene junto alguien a quién decírselo". Contrasentidos de la vida.

Debut del suizo Tobias Nölle, ganador del Premio FIPRESCI en el pasado Festival Internacional de Cine de Berlín. Solipsismo, austeridad y depresión/desesperación en esta dicotomía sobre la soledad o historia del desmoronamiento de la realidad, tal cual la conocía Aloys antes de la muerte de su padre: filtrada a través de su cámara de vídeo. En algún momento Aloys nos explica, es como mirar una fiesta a través de la ventana, y tú estás afuera, porque te agrada, porque no quieres entrar.

Después de la muerte de su padre un hombre solitario y sin identidad ha continuado el negocio familiar de la misma forma que siempre, incluso sus acciones (en primera persona) las conjuga como “nosotros” en referencia a la agencia que llevaba con su padre. Una ocupación solitaria basada en la invisibilidad del investigador, espiar y grabar a las personas es su trabajo, ver esos vídeos su hobby (he ahí su visión del mundo e impedimento social). Aloys disfruta de esta autoexclusión. Momento en el que aparece Vera, una extraña mujer que ha robado sus cintas y videocámara mientras él dormía en el autobús. A partir de ese momento surgirá entre ellos una anónima comunicación por teléfono, en primera instancia forzada por Vera, posteriormente anhelada por Aloys (nunca es tarde para imaginar) bajo el concepto “phone walking”, abriendo para él una perspectiva mágica y diferente de lo que es/era para él la soledad. 

Buen debut, no obstante luzca en sus aspectos más esenciales contenido. Por un lado, la magia emocional que une a nuestros protagonistas y por el otro, la obsesión esquizoide de Aloys. Ello le resta probablemente el encanto y la empatía que le llevaría a ser inolvidable. Pero reitero, es un agradable filme. Poseedor de una historia envolvente, y elementos que ¿por qué no? podríamos alguna vez poner en práctica –no parece tan tonto soñar con alguien al teléfono ¿o sí?–, y que ve entre sus mejores atributos la fotografía de Simon Guy Fässler, quien destaca con elegancia algunas panorámicas y planos generales en pos de fortalecer la imagen (esa misantropía pasiva) que tenemos de su protagonista Aloys, tan símiles a él: solitarios, silenciosos y ateridos. Por último, habría que mencionar entre sus aciertos la elección de Friedrich y von Overbeck como los protagonistas de esta historia, quienes no son un par de jóvenes atractivos sino dos personas que rondan los 50 años, de características más o menos comunes, muy oportunos a la hora de mostrarnos la singular y cansada belleza en calcetas amarillas de Vera, y el ingenuo hieratismo de Aloys resquebrajado por una sonrisa.

Frases

Crea en la invisibilidad que se le ha otorgado. Evite espejos, sombras y ecos, sea más calmo que el viento

La primera vez es siempre doloroso, pero inolvidable. Escucha. El oído es lo más importante. Es la interfaz entre nuestros pensamientos

No sé quién es, ella tiene mi voz y un espacio entre sus dientes. Eso es todo lo que sé sobre ella

De las pocas producciones del cine suizo, tan escaso hoy en día, y poco conocido en América, y menos aún en México... salvo por la nominación en la pasada entrega de los Premios Oscar de La vida de Calabacín (2016) de Claude Barras y el estreno en cines hace un año (o dos) de Adiós al lenguaje (2014) del franco-suizo Jean-Luc Godard... y jaja, bueno, de Pingu que era transmitida en Once Tv.

Puedes usar el siguiente enlace para la descarga directa Aloys en Mega, por Torrent o Ver Online.

The Autopsy of Jane Doe

Director: André Øvredal
Guionistas: Ian B. Goldberg y Richard Naing
País: Reino Unido
Año: 2016
Duración: 99 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Terror / Sobrenatural

Sinopsis: El dueño de una funeraria de una pequeña localidad y su hijo, que trabaja con él, reciben un día el cadáver de la víctima de un misterioso crimen: una bella joven que no tiene ninguna causa aparente de muerte. Ambos intentarán desvelar los intrigantes motivos del fallecimiento.

Reparto / Personajes

Emile Hirsch es Austin Tilden

Brian Cox es Tommy Tilden

Ophelia Lovibond es Emma

Olwen Catherine Kelly es Jane Doe

Michael McElhatton es el sheriff Sheldon

NOTA: 5.7 / 10

The Autopsy of Jane Doe es la primera película en inglés del director noruego André Øvredal, estrenada el año pasado en el Festival de cine internacional de Toronto y ganadora, entre otros festivales, en el de Sitges al Premio Especial del Jurado. Interpretada por el estadounidense Emile Hirsch que tal vez recuerdas por películas como Milk (2008) de Gus Van Sant o Killer Joe (2011) de Friedkin, Brian Cox en Red (2008) de Lucky McKee, y el “debut” de la bella Olwen Kelly. 

Durante la investigación de un misterioso homicidio múltiple es hallado el cadáver semienterrado de una joven, ante tales singularidades el sheriff del pueblo envía el cuerpo a la morgue con la petición de que realicen una autopsia urgente. Ya que la identidad del cuerpo es desconocida y las huellas dactilares no están en los registros policiales, se refieren a ella como Jane Doe. Austin y su padre –el primero ansioso por conocer el mundo y abandonar el pueblo con su novia– inician la exploración del cuerpo de Jane Doe, el cual guarda en su interior oscuros secretos que harán trastabillar la mente racional de padre e hijo. Inmaculado en su exterior y sin embargo, en su interior colmado de signos de enorme tortura. Como si alguien hubiese violado a Jane Doe, quebrado sus huesos y apuñalado su corazón, sin profanar un milímetro de su piel.

Mucho más convencional que su anterior película: The Troll Hunter (2010) (un falso documental acerca de la conspiración del gobierno por mantener oculta la existencia de trolls). Øvredal construye una propuesta que sin ser sólida –repleta de agujeros argumentales, incoherencias y clichés–  ha logrado posicionarse en el gusto de muchos. En mi opinión, un filme con buen ritmo que navega entre el susto fácil y el clasismo (ese toque al cine de terror fantástico de los 80s-90s). Entretenida sin ser sobresaliente, su banda sonora tampoco le ayuda mucho. Ve sus mejores atributos en la siniestra atmósfera con que inicia y la facilidad de mezclar la ciencia con el ocultismo; disponiendo del género de intriga en su primera parte, pasando por el terror paranormal para finalmente optar por el fantástico en su último tercio.

Por cierto, su portada me recuerda mucho a la de El cadáver de Anna Fritz (2015) de Héctor Hernández, afortunadamente nada que ver. 

Si la quieres ver online te sugiero checar este enlace en pelispedia o descargar por este torrent.

Filth [Escoria]

Ya no. Ahora gime mientras la sangre fluye espesa de las heridas de su cabeza y sus ojos amarillos y desenfocados se mueven de un lado a otro buscando desesperadamente la claridad, buscando algún significado entre la desolación y la oscuridad que le rodea. Debe sentirse muy solo.

[...]

Busco en mi bolsa y saco mi martillo de carpintero.

[...]

Tras dos golpes infructuosos experimento una oleada de euforia durante el tercero al reventarle la cabeza. La sangre sale a borbotones, cubriéndole el rostro como una catarata aceitosa y haciéndome entrar en frenesí; le aplasto la cabeza y el cráneo cruje y se abre y le hinco el martillo en la materia cerebral y huele mal pero eso es sólo que se está meando y cagando y los vapores se condensan rápidamente en el silencioso aire invernal y arranco el martillo de un tirón, tambaleándome hacia atrás para observar sus agonizantes estertores, viéndole pasar del terror a ese estado de quien sabe a ciencia cierta que está cayendo.

Haunted [Fantasmas]

Ese mundo que sigue dormido nos tacharía de locos. Toda esa gente que sigue en la cama pasará otra hora durmiendo, luego se lavarán la cara, debajo de los brazos y entre las piernas, antes de ir al mismo trabajo de todos los días. A vivir la misma vida de todos los días. 

Esta mañana nosotros somos astronautas. Exploradores. Gente despierta mientras ellos duermen. 

Haunted [Fantasmas] de Chuck Palahniuk

Ilustración de Paulo Correa (Behance)

Don't Breathe

Director: Fede Álvarez
Guionistas: Fede Álvarez y Rodo Sayagues
País: E.U.A.
Año: 2016
Duración: 88 min. aprox.
Trailer (contiene spoilers)

Género / Tópico: Thriller / Crimen

Sinopsis: Unos jóvenes ladrones creen haber encontrado la oportunidad de cometer el robo perfecto. Su objetivo será un ciego solitario, poseedor de miles de dólares ocultos. Pero tan pronto como entran en su casa serán conscientes de su error, pues se encontrarán atrapados y luchando por sobrevivir contra un psicópata con sus propios y temibles secretos.

Reparto / Personajes

Stephen Lang es el ciego

Jane Levy es Rocky

Dylan Minnette es Alex

Daniel Zovatto es Money

Entre otros

NOTA: 6 / 10

No premiada pero sí nominada y aplaudida en varios festivales norteamericanos de cine fantástico, Don't Breathe es la consolidación en los Estados Unidos del uruguayo Federico Álvarez, debido principalmente a la fe que puso en él Sam Raimi, invitándole a dirigir financiado a través de su productora Ghost House Pictures, el remake de Evil Dead (2013). En este caso, Don't Breathe bebe de los tópicos del slasher y survival, funcionando como una pulsátil propuesta del subgénero Home Invasion. Entretenida y con un metraje adecuado (menos de hora y media) para no reducir la tensión y acción en ningún momento. Y de hecho, esos son sus mejores y casi únicos atributos. Finalmente, un filme nada original, con personajes tremendamente sosos a excepción del villano (pobre hombre), un final lamentable y algunas escenas que llevan lo inverosímil a lo absurdo… ¡pero! Entretenida, por ahí disfrute de un par de escenas y por supuesto del villano (aunque me molestó mucho la forma en que pierde sus “súper poderes”…).

Un grupo de amigos pasan los días robando casas con la seguridad de no ser atrapados gracias a Alex, hijo del líder de la compañía que diseña sus sistemas de seguridad. Alex está enamorado de Rocky (la típica chica que sueña con escapar con su hermanita del "hogar" regido por una madre alcohólica y su amante en turno). Bueno, un trabajo fácil hasta que Money, el novio de Rocky, propone un último y gran golpe: robar la indemnización por la muerte accidental de su hija de un veterano ciego. Una incursión nocturna que a leguas anuncia ser la última para más de uno de estos jóvenes, quienes no imaginaban que ellos serían las víctimas en ese atraco.

Con el silencio que se merece para intentar sobrevivir de las manos de un experimentado veterano de guerra, ciego, con un muy oscuro secreto, armado con una pistola y un rottweiler, No respires omite en gran medida los diálogos (eso está bien, no creo que sea muy lo suyo de Fede y Rodo) apostando por la tensión y el suspenso común en los filmes de supervivencia, y recreándose en los continuos desafíos a los que los desafortunados ladrones son sometidos. Todo mediante una aceptable fotografía, haciendo del interior de la casa, casi único escenario, un laberinto interminable.  

Con cierta reminiscencia a Livide (2011) de Alexandre Bustillo y Julien Maury, e Intruders (2015) de Schindler, y por aquello de la discapacitación a Hush (2016) de Flanagan (por cierto, Hush me parece muy mala). Protagonizada por un fantástico Stephen Lang y Jane Levy (a quien recordarás en Evil Dead). Un filme sobrevalorado que ofrece lo que promete: entretenimiento y diversión si olvidas sus defectos.

Como dato… Don't Breathe es la segunda película que más ganancias le ha dado a Ghost House Pictures, la primera es The Grudge (2004) de Shimizu.


La puedes ver online en gnula o descarar usando este torrent.

Kimi no na wa

Your Name

Director: Makoto Shinkai
Guionista: Makoto Shinkai
País: Japón
Año: 2016
Duración: 106 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Animación - Drama - Ciencia ficción - Romance / Catástrofes - Historias cruzadas

Sinopsis: Taki y Mitsuha descubren un día que durante el sueño sus cuerpos se intercambian. A medida que consiguen superar torpemente un reto tras otro, se va creando entre los dos un vínculo que superará el tiempo y el espacio. 

NOTA: 9.0 / 10

Cuenta una leyenda japonesa que las personas predestinadas a conocerse llevan desde su nacimiento un hilo rojo atado a su dedo meñique. Este hilo nunca desaparece y siempre permanecerá atado a pesar del tiempo y la distancia. No importa cuánto tardes en conocer a esa persona, el tiempo que pases lejos de ella, ni si quiera si vive al otro del mundo; tensado en mayor o menor medida, más o menos enredado, el hilo puede estirarse hasta el infinito y jamás se romperá. Así es como el anciano de la luna cada noche sale a conocer a los recién nacidos y a atarles un hilo en su dedo, un hilo que guiará sus almas para que nunca se pierdan. 

Kimi no na wa o Tú nombre –el anime que enamoró a Japón– es la última película de Makoto Shinkai. De quien sólo he visto 5 centímetros por segundo (2007), Viaje a Agartha (2011) y El jardín de las palabras (2013). Y no es porque es oficialmente el anime estrenado en cines más exitoso de todos los tiempos (superando a El viaje de Chihiro) o por el cúmulo de premios que lleva encima. No, no es por eso. En realidad me ha encantado. Es una película… “redonda”. Endiabladamente cursi, capaz de arrancar un par de suspiros y dejarte al finalizar una estúpida sonrisa en la cara… mientras miras pasar los créditos. Escuchando el tema de cierre. 

Siempre aquel sueño extraño, imposible de recordar. Es como si algo te faltase, algo importante que no deberías de haber olvidado, siempre esa sensación de estar buscando algo o a alguien. Mitsuha es una chica que ha vivido toda su vida en un tranquilo pueblo a orillas del lago, aburrida de ello su mayor deseo es conocer Tokio. Por su parte, Taki es un chico que reside en Shinjuku, Tokio, uno de los distritos más concurridos del mundo. Sin saber exactamente como, uno empieza a soñar con la vida del otro, intercambiando sus cuerpos. Mitsuha se despierta en el cuerpo de Taki, y Taki en el de Mitsuha. ¡Qué divertido! Conoceremos así la vida en la gran metrópolis en contraste con la vida de campo en el seno de una familia tradicional y costumbrista. La manera en cómo se adaptan Taki y Mitsuha hallando maneras para comunicarse y poniendo reglas a esta transitoria e inevitable situación: ¡No gastes tanto dinero! ¡No llegues tarde! ¡No toques mi cuerpo! ¡No alteres mis relaciones personales!, son ejemplos, pero no es tan sencillo, porque así como los sueños, son cosas que se tienden a olvidar al despertar. Les acompañaremos compartiendo sus vidas e influyendo ambos en sus personalidades, de tal modo que es imposible no desear, no intentar encontrarse. 

¿Qué divertido?  Por supuesto que NO, bueno, no tanto. Es un tema trillado que hemos visto infinidad de veces, y además me recuerda a dos películas que me dan náuseas, The Hot Chick (2002) con Rob Schneider y Freaky Friday (2003) con Lindsay Lohan. Motivo por el cual subestime esta encantadora película… no esperaba mucho pero me dije: vamos, es Makoto Shinkai, el trailer luce divertido y la animación extraordinaria. Kimi no na wa no es sólo es, es una auténtico vaivén de emociones. Ojo, en efecto es el filme más comercial (al menos más que las películas que he visto) de Makoto, pero no menos extraordinario.

Su loca premisa adolescente es sólo el inicio de un entramado de sucesos que nos remitirá a una romántica tragedia griega (no cito el nombre, no quiero hacer spoiler). Sólo Makoto es capaz de ofrecernos semejante realismo revestido de ciencia ficción y fantasía, y de la forma más natural, a veces sí, lo admito, apostando por la lágrima fácil, pero sin esos puntos de vista muchas veces sobrados que hacen ver las cosas más complejas de lo que son. Todo fluye con sencillez y parsimonia: la relación espacio tiempo, una inminente catástrofe natural y el misticismo japonés. 

Me atrevo a suponer que es una película que disfrutarás. El guion y sus giros argumentales nos tienen sujetos durante todo el metraje (que duplica el de la mayoría de sus producciones). Es muy bonita. Llena de magia y sensibilidad. En cuanto a su apartado técnico, un deleite. La calidad de animación en las obras de este director es genial, paisajes sumamente detallados, time-lapse’s, hermosos cielos estrellados y tomas aéreas; pocos animadores ponen tanta atención a sus escenarios. La música compuesta por la banda de rock pop japonesa Radwimps es otro aspecto a destacar, y eso que no soy muy de escuchar música en japonés (no me gusta sentirme como si estuviera en un anime), hace el énfasis perfecto en las escenas justas para despertar esa emoción que busca, casi podría escucharla infinidad de veces. Y el final, ¿qué puedo decir? con semejante historia aderezada con tal calidad de animación y música… da igual el que fuese, sería el ideal. 

Humm… a diferencia de las películas que suelo ver (en la madrugada), ésta la vi a las 6am. Me dejó muy de buenas. Cuando vi El jardín de las palabras no escribí nada, no tuve tiempo y luego lo olvidé pero creo que es recomendable. Cuando vi Viaje a Agartha si escribí una reseña que no la publiqué (por ahí la tengo)… finalmente no me gustó, poco original, bastante ghibliana y lejos del tema romántico común en Makoto. Cuando vi 5cm por segundo hace 7 años me gustó aunque no la recuerdo, seguramente es recomendable. Lo que me queda pendiente es Voces de una estrella del 2002 y El lugar que nos prometimos del 2004. Espero verlas pronto, y charlar de ellas por acá. 

Si la quieres ver online checa este enlace, y en futuro cuando vea una versión con calidad decente disponible en la red la subiré a mega.