El cuento de la princesa Kaguya

Kaguya-hime no Monogatari

The Tale of Princess Kaguya

Director: Isao Takahata
Guionistas: Isao Takahata y Riko Sakaguchi
País: Japón
Año: 2013
Duración: 137 min. aprox.
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Género / Tópico: Animación - Fantástico - Drama / Cuentos

Sinopsis: Basada en un cuento popular japonés anónimo del siglo IX, "El cortador de bambú" (Taketori Monogatari) narra la historia de la princesa Kaguya. La pequeña bambú, de tamaño tan diminuto que cabe en la palma de la mano, es milagrosamente descubierta en el interior de un tronco de bambú por el anciano leñador Okina, quien la criará junto a su esposa como si de su propia hija se tratase. La princesa crecerá y se convertirá en una hermosa joven cuya excepcional belleza atraerá a multitud de pretendientes, a los que someterá a pruebas imposibles. No obstante, ninguno de ellos será aceptado por la princesa. Hasta el mismísimo emperador del Japón, prendado de tan sublime beldad, será rechazado. El motivo no es otro que el misterio que envuelve el verdadero origen de Kayuga y que determinará el desenlace final de la historia.

El cuento de la princesa Kaguya, a la fecha penúltima película de Studio Ghibli y quinta, en dichos estudios, de su cofundador de 80 años Isao Takahata (La tumba de las luciérnagas, La guerra de los mapaches, etc.), es una adaptación del cuento popular japonés “El cortador de bambú”, obra clásica de la literatura japonesa, escrita en el siglo IX en el silabario kana y precursora del género literario monogatari (símil a la literatura épica europea) que vio su auge en el periodo Heian, cumbre de la corte imperial japonesa, de hecho es el contexto del cuento, observable en el Ohaguro que practican (el ennegrecer los dientes).

La película de Takahata a diferencia de todas las películas del Estudio Ghibli cuenta con una animación más tradicional, más artesanal, que ilustra un mundo de líneas de carbón y tonos de acuarela, un plus a mi parecer para el público occidental, al promover con su estilo el vínculo de la fantasía histórica que dibuja. 8 años fue el tiempo que se destinó para la producción de esta película animada; su resultado: no sólo una muestra del folclor japonés a través de sus trazos, sino la transmisión de un mensaje universal acerca de la vida y la felicidad –esta última muchas veces relegada a un segundo puesto en nuestra lista de prioridades–, y de otros temas como la libertad y el convencionalismo protocolario y social, los patriarcados y el empoderamiento de la mujer. Una parábola de la vacuidad de las posesiones terrenales y la trascendencia del poder del amor.

Con un pulso de dolorosa ternura, entre risas, asombro y moralejas varias, observamos el crecimiento de La Pequeña Bambú, su anhelo y angustia. El ritmo es bastante fluido, entretenido, a excepción quizá del tramo final que luce abrupto, rompiendo la armonía que construyó el relato. Un final mágico que no sólo contrasta con el realismo fantástico inicial del cuento sino que, comparado con el relato original, resta la participación del emperador y nubla parte del propósito del cuento: ofrecer una leyenda de la naturaleza del monte Fuji; dejándonos meramente su enfoque emocional... lo cual no está mal pero me hubiese agradado una adaptación más completa.

En fin. Es una experiencia por demás interesante que posiblemente no termine gustando a todos, tan acostumbrados a los finales Disney, pero sin duda, no habrá cabida para la indiferencia. A destacar dos escenas: el tramo final a punto de la colisión de dos mundos y la melancólica canción que le acompaña, y la fuerza de la ira y el caos emocional sufrido por la princesa Kaguya en una carrera hacia la montaña. 

Y bueno, de este modo los Estudio Ghibli suman una adaptación más del cuento, que ya ha tenido otras, inclusive una de imagen real: Taketori monogatari de Ichikawa en 1987, así como menciones y referencias en mangas, animes y piezas musicales.

Con casi 20 nominaciones, entre ellas su participación en la entrega de los Premios Oscar 2015, y 7 premios en diversos festivales como el Fantastic Fest, el TFCA y el LAFCA, entre otros. Una linda película animada, una agradable obra de arte.

Si la quieres descargar te sugiero este enlace.

A Girl at My Door

Dohee-ya

Director: July Jung
Guionista: July Jung
País: Corea del Sur
Año: 2014
Duración: 120 min. aprox.
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Género: Drama

Sinopsis: Una joven agente de policía de Seúl es trasladada a un pueblo costero, desde que llega, conoce a una adolescente poco expresiva que la intriga, así como a su padrastro. Para proteger a la niña del maltrato de su padrastro, decide darle alojo. Y así, poco a poco ir conociendo la complicada personalidad de la niña.

Personajes

Doona Bae es Young-Nam

Sae-ron Kim es Do-Hee

Sae-Byeok Song es Park Yong-Ha

Hie-jin Jang es Eun-Jung

Entre otros

Participante en el Festival de Cannes del 2014 en la sección Un Certain Regard, producida por Chang-dong Lee, director de algunos dramas coreanos de gran aceptación como Secret Sunshine (2007) y Poesía (2010), y protagonizada por Doona Bae (Sense8, Doomsday Book, The Host, ympathy for Mr. Vengeance, etc.). Es el debut de July Jung, quien hasta entonces ha dirigido sólo un par de cortometrajes. 

A Girl at My Door es un drama que gira alrededor de dos historias, la vida de una niña víctima de la violencia de un padrastro alcohólico y la de una oficial que ha sido relegada de su puesto tras ser pública su homosexualidad. Young-Nam, perseguida por los fantasmas de una sociedad homofóbica es enviada de Séul a un pequeño pueblo pesquero como Jefa de policía. Un sitio donde el apoyo de sus nuevos compañeros no será el problema, sino la dinámica de un pueblo abandonado por sus jóvenes que aspiran a un futuro en la ciudad, lejos de la pesca, sostén económico del pueblo. Es donde entra en escena Park Yong-ha, reclutador de inmigrantes, respetado y tolerado, y su hijastra Do-Hee, una preadolescente que sufre de acoso escolar y violencia, aterrorizada por lo agresividad de un alcoholizado Park Yong-ha huye a la puerta de Young-Nam en busca de alivió. 

Un filme que bien podría versar sobre un par de mujeres fuertes que salen avante en una sociedad misógina, de abusos e injusticia, pero que prefiere un trazo ligeramente más complejo optando por la abordar la psique de estas mujeres, perturbadas a su forma. Young-Nam asediada por su pasado se ha refugiado en el alcohol (me parece muy contundente la escena en donde cambia el ¿vodka? por agua), su situación es complicada y solitaria, no puede ser una madre, sin embargo, es algo que el dolor de Do-Hee le hará replantear. Una niña que ha sufrido mucho, un pequeño monstruo que sólo busca fríamente amor a costa de todo. Aquí aplica el hecho de que los monstruos no nacen, se hacen.

Una película que muestra la cara de una Corea un poco olvidada, menos cosmopolita y más prejuiciosa. Más inquietante que sugerente, uno de los pocos, muy pocos filmes coreanos que ha tratado el abuso infantil, capaz de recordarnos a ratos a The Hunt (2012) de Vinterberg.

De una factura técnica muy bella, un melodrama que en ocasiones se torna excesivo, pero a mi gusto bien tolerable. De emociones privadas e individuales. Si la quieres descargar te sugiero este enlace en AsiaTeam o este otro en The house of horror.

Vagabond

Director: Pedro Ivo Carvalho
País: Dinamarca
Año: 2015
Duración: 7 min. aprox.

Género / Tópico: Animación - Drama / Perros - Cortometraje

Primer cortometraje del brasileño Pedro Ivo Carvalho producido a través del colegio danés Animation Workshop.

Vagabond nos habla acerca de una sociedad que ha perdido todo vínculo con la naturaleza y los animales a cambio de ser parte del incansable ritmo de la modernidad. Ello a través de un indigente que busca salvar a su perro accidentalmente arrastrado por la maquinaría, empresa que le llevará a las entrañas de la metrópolis. 

La mesa de cena de Noriko

Noriko no shokutaku

Noriko's dinner table

Director: Sion Sono
Guionista: Sion Sono
País: Japón
Año: 2005
Duración: 159 min. aprox.
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Género / Tópico: Drama / J-Horror

Sinopsis: Secuela del film de culto "Suicide Club". Esta nueva película de Sion Sono cuenta la compleja historia del fracaso y reconstrucción de una familia japonesa. La trama gira alrededor de Noriko, una adolescente insegura e insatisfecha que vive con su madre, su padre y su hermana en un pequeño pueblo. Para escapar de una realidad sin futuro, Noriko empieza a visitar la web Haikyo.com

Personajes

Kazue Fukiishi es Noriko Shimabara - Mitsuko

Tsugumi es Kumiko - Ueno Station 54

Yuriko Yoshitaka es Yuka Shimabara - Yôko

Shirô Namiki es Ikeda - Tetsuzô's Friend

Sanae Miyata es Taeko Shimabara

Entre otros

Sin duda la cinematografía japonesa goza de una condición categórica bastante definible, si bien no ajena a las temáticas, estilos y géneros occidentales, sí creadora de una personalidad bastante propia inspirada en su iconografía, cultura y costumbres, resultando en una variante muy pintoresca: el Drama de época: jidaigeki, el Cine de yakuzas, el J-Horror, el Anime, los Kaijus, entre otros. Dando lugar a una estela de directores y guionistas de los cuales en mi limitado saber y con referencia en mis gustos puedo destacar a Hayao Miyazaki, Takeshi Kitano, Takashi Miike y Sion Sono. Con el fin de apreciar mejor la inquietud creativa de este último, poeta nato que en su búsqueda constante de expresión encontró en el cine la óptica idónea, decidí ver y comentar parte de su filmografía (ya lo he hecho con Why Don't You Play in Hell?, Himizu y Cold Fish).

Suicide Club (2002) significó no sólo su primer éxito comercial en Japón sino mundialmente, hoy en día una película de culto imprescindible del J-Horror, en ella a través del suicidio ritual/grupal exponía los vicios del nuevo milenio tendientes a la enajenación juvenil y la incomunicación familiar, orquestado por la creciente tecnología y su accesibilidad, así como su impacto cultural en una generación adolescente atestada de artistas pop. Un título que le dio material para una novela, un manga y una precuela/secuela (bien puede ser ambas y ninguna)... quizá más propiamente debe ser entendida como un spin-off, ¿por qué? Por que es un error gravísimo considerar a Noriko's Dinner Table como una secuela o una precuela de Suicide Club.

Noriko's Dinner Table aborda desde una perspectiva completamente distinta lo acaecido en Suicide Club. Si bien existen constantes referencias al Club del suicido no son éstas el eje principal ni el impulsor de la trama, aporta una concepción del club, del círculo, sin embargo nada que contribuya en forma a su origen o finalidad. De hecho podrían ser películas completamente independientes. El motor de La mesa de cena de Noriko recae en la disfuncionalidad familiar, la enajenación e incomprensión entre estos elementos filiales y su subsecuente angustia existencial adolescente. Su constante búsqueda de llenar esos vacíos en pro de hallar una identidad, y la seriedad que le dan los japoneses a la transición de la mayoría de edad.

Un drama ilustrado de forma epistolar a través de cada uno de los personajes principales, donde en más de dos horas, con un ritmo parsimonioso (lento para algunos) y bastantes diálogos nos acerca a una tragedia familiar de amargura y corazones ensombrecidos, suscitada por una poco sociable y un tanto patética Noriko y su intento de rebelión y búsqueda de su yo –contacto consigo misma– evidentemente influenciado por tópicos, historias rosas y estereotipos juveniles, y alentada por sus fanáticas incursiones al “cyber mundo”, esas salas de chat y foros que tan populares y adictivos fueron en los años... por ahí de 1999-2003. El inicio de un ciclo de decadencia de ella y toda su familia en una sociedad ya muy abatida.

Sin duda el tema es viejo, y a más de 10 años hasta podría decirse “pasado de moda”. Aún así es un filme que consigue interesar y quizá en algunos revivir con nostalgia momentos de su vida (yo sí vivi el auge del chat y los foros del año 2000). Por otro lado maneja ideas atractivas como la des-personalización mediante este negocio de las familias de alquiler. Me encanta el negocio de las familias de alquiler.

Una película que resulta amena y soportable en toda su extensión si no buscas una relación directa con Suicide club, si no pretendes encontrar una pieza de J-Horror o un Thriller de intriga. Noriko's Dinner Table debe entenderse como un drama.

Frases

No soñé pero al despertar sentí que estaba en un sueño.

La gente se desvanece todo el tiempo.

Todo me hacía sentir ansiosa. Todo. Pero me gustaba el sentimiento... las cosas eran extrañas. La vida era extraña.

El mundo está lleno de mentiras por gente que no puede cumplir su papel convincentemente.

Todos quieren ser el champagne, no la copa. Una flor, no el jarrón. Pero el mundo necesita copas y jarrones.

El círculo de la vida.

Si te interesa la puedes descargar desde Asia Team.

J'ai tué ma mère

I killed my mother

Yo maté a mi madre

Director: Xavier Dolan
Guionista: Xavier Dolan
País: Canadá
Año: 2009
Duración: 95 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Drama / Biográfico - Familia - Adolescencia - Homosexualidad

Sinopsis: Todo en ella le resulta irritante, desde su comportamiento vulgar hasta su mal gusto en el vestir. Un adolescente desarrolla poco a poco un odio visceral hacia su madre, una mujer muy pasiva que le transmite sentimientos de culpa.

Personajes

Xavier Dolan es Hubert Minel

Anne Dorval es Chantale Lemming

Suzanne Clément es Julie Cloutier

François Arnaud es Antonin Rimbaud

Entre otros

Participante en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2009 y seleccionada por Canadá para su representación en los Oscar 2010 en la categoría Mejor película de habla no inglesa, J’ai tué ma mère es el debut a los 19 años de Xavier Dolan, quien no sólo la dirige, sino escribe, interpreta y produce; prodigio canadiense hoy en día imprescindible en Cannes, ganador del premio ex aequo en el 2014 e integrante del próximo jurado del 68º Festival de Cannes.  

De naturaleza semi-autobiográfica y escrita a sus 17 años, es un filme símil a un collage pop con una perspectiva kitsch que exuda una desorbitada angustia adolescente, reflejo de un conflicto de identidad. En lo absoluto vamos encontrar en ésta su ópera prima un guion contundente, para nada, pero sí mucho arte. Escribía sobre la angustia, en efecto es lo que tenemos, un desordenado va y viene de emociones, una superposición de estilos audiovisuales que marchan con torpeza, con el ímpetu de la juventud, con la inexperiencia animada de ansias, impulsada por el superyó a tope. 

Fantasía barroca, escenas simétricamente enmarcadas por incomodas pausas; bullet time, la cámara acelerada y lenta, convergen en un drama desigual y fuera de tono para dar solidez y brillantez a la vida de un chico caprichoso con una relación gay de casi nula trascendencia. Un filme en donde no existe el crimen, más sí el sentimiento de traición y decepción. De odio, empero, de amor incondicional.

Esto es arte, esto es frescura, esto es pedantería rodeada de mágicos cuadros, como el de dos chicos teniéndose, amándose bajo un bombardeo de pintura al ritmo de Noir Désir de Vive la Fête. Finalmente es un tema bastante simple: esa incompatibilidad entre una madre y su hijo. La homosexualidad de trasfondo y ese sentimiento excesivamente dramático de incomprensión. Exagerados, surrealistas, Dolan y Anne Dorval protagonizan esta historia… el uno indolente y perdido, la otra, mujer de pésimo gusto para vestir y herida, y es que no todo mundo está hecho para ser madre o hijo. Viniendo a completar el cuadro Suzanne Clément como Julie y François Arnaud como Antonin Rimbaud. Julie, es una profesora con una vida contenida, su consejera y confesora, Antonin, su amante secreto (alusión al joven poeta y mercenario gay francés Rimbaud).

De desarrollo a veces lento, y con más ganas y talento que un buen resultado, Yo maté a mi madre, es imprescindible si te agrada el cine canadiense y el trabajo de Dolan. Sí, a pesar de ser un drama que a ratos luce varado, sin conducir a ninguna parte, inspirado además en el Nouvelle Vague y que pecar de histérico y extravagante. Un filme que sabe regodearse en sus defectos. Una mezcla inmadura y musical.

Un sesión de psicoanálisis imperfecta, un proceso sin evolución que por más que veo todos sus vértices negativos no deja de agradarme. 

Frases

No puedo ser su hijo, sería el hijo de cualquiera pero no suyo.

Claro. Una locura, acabamos sudando.

Lo has dicho ya 40 billones de veces. ¿Qué tienes Alzheimer?

¿Parezco un jodido cadáver?

¿Qué pasa contigo, te has hecho un lavado de cerebro?

-¿Qué harías si me muriera hoy?
-Me moriría mañana.

Diez años de silencio, diez segundos de ruido. Reconozco lo absurdo de la vida

Te quiero, te lo digo para que no se te olvide.

Lleno de sabor y fragancia

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