The Salvation

Director: Kristian Levring

Guionistas: Anders Thomas Jensen y Kristian Levring

País: Dinamarca

Año: 2014

Duración: 90 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Western - Drama / Siglo XIX - Venganza

Sinopsis: Estados Unidos. 1870. Al matar al hombre que asesinó a su familia, Jon despierta la furia del cabecilla Delarue, éste no tardará en castigar al pueblo. Sin el apoyo, y hasta en contra de los habitantes, Jon deberá ahora de enfrentar solo a Delarue y su banda de forajidos. 

Reparto / Personajes

Mads Mikkelsen es Jon Jensen

Mikael Persbrandt es Peter Jensen

Jeffrey Dean Morgan es Henry Delarue

Eva Green es Madelaine

Eric Cantona es Corsican

Douglas Henshall es el Sheriff Mallick

Jonathan Pryce es Nathan Keane

Nanna Øland Fabricius es Marie Jensen

Entre otros

Wéstern danés filmado en Johannesburgo, Sudáfrica, y ambientado en Wisconsin, de los E.U.A. de 1860-1870, The salvation versa sobre Jon, un inmigrante danés quien adaptado a las costumbres y estilo de vida del viejo oeste decide traer consigo a su familia. Lastimosamente su sueño de una vida en Estados Unidos es truncado por un par de bandidos miembros de la banda de pistoleros de Delarue, violada su esposa y asesinada junto a su hijo, no deja otra razón de vivir en su corazón que la venganza, sin importar las consecuencias: Delarue o Jon, aunque de por medio esté la estabilidad del de por sí ya atemorizado y continuamente extorsionado pueblo.

Una historia bastante plana, sí, con personajes poco dibujados –tan difícil es sentir empatía por ellos como lo es el adivinar que expresión hay en el rostro de Mikkelsen–,  esto debido al argumento tan a priori y enfocado desde el principio a ser un homenaje –sí, todo mundo hoy en día hace homenajes– más que al wéstern americano al spaghetti wéstern popularizado en Europa por Sergio Leone. Siendo un género mucho más condensado: la profundidad psicológica en sus personajes es lo de menos, lo importante es destacar al héroe y al villano como héroe y villano.

The Salvation es el primer wéstern hecho en Dinamarca, hecho con el amor de los recuerdos de un hombre de 58 años, Levring, al mirar con nostalgia al pasado, aquel tiempo cuando de niño encendía la tv y lo único que encontraba eran películas del viejo oeste, tan populares en los años 30, 40, 50, 60… y de pronto, abruptamente fuera del interés de las personas; las historias de bandidos y pistoleros, de inmigrantes europeos e “indios” poco interesaban cuando lo “de hoy” eran sí, aún las pistolas pero en manos de Clint Eastwood en Dirty Harry (1971) de Don Siegel o de alguno de los Corleone en El Padrino (1972) de Francis Ford Coppola.

Estética, agradable, entretenida, la duración facilita las cosas, pero es necesario admitir es un filme de giros argumentales predecibles, personajes trillados, la música obviamente recordando a Ennio Morricone (Érase una vez en el Oeste, 1968), una fotografía en este caso desgraciadamente muy digitalizada y buenos actores que lucen menos que en cualquier otra de sus películas... Por cierto, Casino Royale (2006) de Martin Campbell es otra película donde Mads Mikkelsen y Eva Green aparecen juntos.

En fin, de este modo Levring ¿definitivamente? se desliga de lo que sería el ideal de “su juventud”: en contraposición a la industria cinematográfica norteamericana, la formula genérica del Dogma 95.

Frases

Mi princesa no habla ni una palabra, es muda. Los indios le cortaron la lengua.

A veces uno tiene que sacrificar una oveja para salvar al rebaño.

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Si la quieres ver online da click acá (recuerda picarle a un lado de la barra de volumen y seleccionar 1080p)

Operator

Director: Sam Barnett
Guionista: Sam Barnett
País: E.U.A.
Duración: 7 min. aprox.

Sitio

Género / Tópico: Animación - Terror - Ciencia Ficción / Stop-motion - Claymation - Cortometraje

Distópico relato corporativo de corte orwelliano a lo Alien, el octavo pasajero y un toque zombi. Analogía del obrero atrapado en un sistema contra el que no tiene defensa, la historia de Bob, un eficiente trabajador de InfoCorp. Ayudado del recuerdo de su familia Bob lidia con la deshumanizante monotonía hasta el día en que una extraña entidad biomecánica se escurre por las tuberías y el cableado de su cabina para tomar el control de su mente.

Cuarto cortometraje en la carrera de Barnett, con un costo de 1000 dólares y 8 meses en su realización. Ganador a Mejor Animación en el Idaho Horror Film Festival 2014. Una efectiva pesadilla biomecánica.  

As the Gods Will

Kamisama no iu tôri

Director: Takashi Miike

Guionista: Hiroyuki Yatsu (basado en el manga homónimo) 

País: Japón

Año: 2014

Duración: 117 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Thriller - Acción / Supervivencia

Sinopsis: Shun Takahata es un estudiante normal de secundaria que lleva una vida aburrida, junto a su mejor amiga, Ichika Akimoto. Un día, la cabeza de su maestro explota en clase y Shun y sus compañeros se ven obligados a jugar un juego mortal sin saber el quién, el cómo o el por qué.

Reparto / Personajes

Sôta Fukushi es Shun Takahata

Ryûnosuke Kamiki es Amaya Takeru

Hirona Yamazaki es Ichika Akimoto

Nao Ômori es Takumi

Shôta Sometani es Satake

La vida no tiene sentido. “Es absurdo que hayamos nacido, es absurdo que muramos” escribió Sartre en su primera obra filosófica “El ser y la nada” de 1943. Es… en este concepto de existencialismo en el que gran parte de la juventud se encuentra inmersa, varados entre la ociosidad y la extenuación que representa el construirse libremente a si mismos a cada instante. Hastío, náuseas. Shun, nuestro protagonista exclama: “Dios, mi vida es un aburrimiento. Dime, ¿para qué vivimos?” 

Abruptamente As the Gods Will nos arroja a un típico Juego de la Muerte más propio de Saw, Juego Macabro que de un Battle Royale o The Hunger Games, considerando el objetivo de nuestros jóvenes protagonistas no es eliminarse mutuamente sino sobrevivir a una entidad desconocida que ha impuesto las reglas del juego. A diferencia de otras películas y con riesgo a generar la impresión de que esto no tiene pies ni cabeza, Miike entra de lleno, apenas del preámbulo de Shun a la acción. Sin un planteamiento ni explicaciones ni la fase introductoria a los personajes el juego es abordado, un juego del que somos testigos con la misma incertidumbre que sus participantes: no sabemos qué pasa. Sí es la fase preliminar de una invasión alienígena, un ataque terrorista o Dios ha decidido jugar. 

1… 2… 3… ¡chocolate inglés!, lo que viene siendo Darumasan ga koronda será el primer juego. En el salón de clases el Daruma dará la espalda a los estudiantes y cantará, al terminar volteará la vista y a diferencia de la versión infantil donde quien es pillado en movimiento retrocede a la línea de inicio, aquí simplemente la cabeza le estallará; sólo puede haber un ganador, quien demuestre la agilidad para tocar al Daruma mientras canta. Así es como la vida de Shun, quien rodeado de cadáveres se alza con el triunfo, ha dejado de ser aburrida y avanza al siguiente nivel: Maneki neko, donde junto a los supervivientes de las otras clases deberá ponerle el cascabel a un gigantesco gato de cerámica antes de que éste los devoré o bien, aplaste... y así una sucesión de juegos.

Un filme de belleza estética que contrasta el origen infantil de sus juegos con la violencia de su sangriento designio. Narrativamente común a la estructura de un videojuego tenemos una sucesión de niveles que apuntan a develar el misterio. Divertidos y con ganas de más (tras el montaje estupendo del primer nivel, el Daruma) asistimos el desarrollo del Live action del manga homónimo escrito por Muneyuki Kaneshiro e ilustrado por Akeji Fujimura. Aunque el metraje es extenso logra entretenernos y... a pesar de que la actuación en lo absoluto es brillante, de hecho luce exagerada, los personajes son estereotipados y hay intentos forzados por unirlos emocionalmente, es muy tolerable. Y por cierto, si viste Ichi the killer (2001), ¿a qué reconociste a Nao Omori? aquel hikikomori no es otro que el propio Ichi, desde aquella película no trabajaba con Miike. 

Es curioso ahora que lo pienso, la mayoría de las casi 100 películas que ha dirigido Miike se basan en novelas, mangas o cuentos y leyendas, finalmente adaptaciones, y dentro de esas 100 películas sólo ha coescrito el guion de 3. Miike no se destaca como escritor inventivo, pero es bueno en seleccionar historias y adaptarlas, el material ideal para dejar fluir su genio creativo, el cual se mueve tan bien en el cine de terror como en el de acción, bélico, ciencia ficción, romance, drama, infantil, thriller, western, comedia y cuanto nos imaginemos. Sumamente versátil y prolífico.  Hoy en día es uno de los pocos cineastas japoneses (con vida) que disfruta de un reconocimiento internacional, fruto de su irreverencia; "tristemente" es bastante clara la evolución que ha sufrido, ganando una notable mejora técnica audiovisual pero también mostrando una versión de sí mismo más deslucida y menos provocativa, ¿dónde está el Miike bizarro, violentamente explícito y de un humor negro que rayaba lo grotesco y delirante?, atrás, con sus años mozos, porque el de ahora es un Miike más convencional...

... Suspiro, a pesar de eso sigo siendo su incondicional, ya no me emocionó con él pero recuerdo con una sonrisa mis años de preadolescente donde saboreaba con efusión cada película suya que cayera en mis manos.

Frases

Siempre he soñado con un mundo así

Dios, por favor devuélveme mi aburrida vida

Un filme muy propio del manga japonés, que agota sus recursos pero en general es agradable. Y bueno, si la ves y llegas al final, espero no la odies.

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Red

Directores: Trygve Allister Diesen y Lucky McKee
Guionista: Stephen Susco, basado en una novela de Jack Ketchum
País: E.U.A.
Año: 2008
Duración: 98 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Drama / Perros

Sinopsis: El mejor amigo de un hombre es su perro Red. Cuando tres adolescentes lo matan sin razón, buscará justicia a toda costa.

Reparto / Personajes

Brian Cox es Avery Ludlow

Noel Fisher es Danny

Kyle Gallner es Harold

Shiloh Fernandez es Pete

Kim Dickens es Carrie

Richard Riehle es Sam

Tom Sizemore es Mr. McCormack

Y contra todo pronóstico, vaya, que a veces soy muy sensacionalista, Red no es una película de venganza a lo The Crow, no, no, y esta vez la sinopsis no miente, es tan cierta. Lo que sucede es que por instantes uno confunde la palabra justicia con venganza, justiciero con vengador, y esto con acción, con violencia… dado la relatividad de la justicia (libertad, igualdad y justicia son los principios operativos de toda sociedad “recta” y el meollo de la injusticia) no nos queda más expresarla a través de disposiciones legales que no siempre coinciden con nuestros preceptos morales y éticos, y es cuando fantaseamos con antihéroes y actos de venganza versados en la famosa ley del Talión: ojo por ojo, diente por diente. El deleite del desquite y el resarcimiento al que el cine nos tiene tan acostumbrados.

A los pocos minutos de dar inicio “Red” nos golpea contundentemente al hacernos testigos del cruel asesinato del viejo Red, el fiel compañero de Avery, a manos de un trío de jóvenes sádicos malcriados. Un hecho que sufrimos y no queremos otra cosa que el tomar las armas y de menos, volar un par piernas, y sin embargo, ante nuestra impotencia y la del protagonista, lo que tendremos sin caer en engorrosos procesos legales es la figura reducida de un hombre íntegro, incordiado por las circunstancias y vapuleado por la corrupción, que no demanda más que honestidad y justicia. Sin sangre, sin violencia, sin armas, sólo con la verdad. No es una conflagración y no hay dinero ni castigo que le devuelva la vida a Red, la satisfacción que exige Avery es algo de proporciones más éticas y morales… tristemente es un pesar que amenaza con no tener fin y morir en el silencio más estruendoso (de esos que todo mundo finge no escuchar).

Sin ser excesivamente dramática (aunque en ocasiones si peca de ello) Red muestra en un pequeño pueblo a una sociedad incapacitada para defender a quienes aún “creen en ella”, decadente, que se desangra a manos de la impunidad de los poderosos. 

Red no es la película de acción que quizá esperaras, y a diferencia de Brian Cox, tampoco brilla por la actuación de sus personajes o el diseño de estos, de hecho todos son retratados de la manera más vaga y trivial: los malos son malos muy malos y el bueno es un bueno muy bueno que toda la vida le han pasado cosas muy malas, y los demás son extras pasivos, por otro lado, se acerca mucho a la factura de un telefilm; sin embargo, a pesar de ello y de no contar con giros argumentales destacables logra mantener la atención, de transmitir algo de empatía y generar interés.

Codirigida con Allister Diesen (director noruego mucho menos conocido), Red es la segunda película de McKee que ha obtenido un premio en el Festival de Sitges, en esta ocasión el premio al Mejor Actor para Brian Cox, en el 2002 fue el de Mejor Actriz por Angela Bettis en May, y en el 2011 llegaría su tercero con The woman a Mejor Guion.

Mención aparte, es la tercera obra del escritor Jack Ketchum adaptada al cine, en orden son: The Lost (2006) de Sivertson (quien dirigiría con McKee All Cheerleaders Die), The Girl Next Door (2007) de Wilson, inspirada en el caso real de Sylvia Likens, Offspring (2009) de van den Houten, The Woman (2011), y los cortometrajes Mail Order y Olivia. Sólo no he visto The Lost, y a excepción de The Girl Next Door, todas me han parecido buenas películas.  Lo que pasó con The Girl Next Door que me fastidio es que venía de ver An American Crime (2007) de Tommy O'Haver, la de Wilson la considero una adaptación TERRIBLE y amarillista, la de Tommy más creíble, menos efectista y más sólida. ¡En fin! Con Red termino el visionado de todas las películas y cortos de McKee, quien sin ser algo así como uno de mis directores de cine favorito, para nada, me simpatiza. Este 2015 se espera su colaboración en un colectivo para la película de episodios Tales of Halloween, ya lo estaré viendo.

Frases

No tuvo sentido alguno, sólo crueldad.

Una civilización se puede juzgar por la forma en que trata a sus animales.

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Amen

Director: Kim Ki Duk
Guionista: Kim Ki Duk
País: Corea del Sur
Año: 2011
Duración: 70 min. aprox.
Trailer

Género: Drama

Sinopsis: Kim Ki-duk ha rodado íntegramente en Europa su nueva película. Su cámara sigue la extraña e inquietante odisea de una joven coreana que llega a París en busca de su amante.

Reparto / Personajes

Hye-na Kim es la chica

Kim Ki Duk es el enmascarado

Estrenada el mismo año que su reflexión autobiográfica Arirang. Amen luce como la invención tardía de un taciturno y casi vencido Kim Ki Duk. Una idea breve de ritmo parsimonioso que narra el deprimente viaje por Europa de una chica coreana en busca del inalcanzable encuentro con su enamorado Myung-soo, conformándose al no hallarlo con gritar su nombre en las principales plazas de Paris, Venecia y Aviñón, y tolerar las penurias del viaje, traducidas en el constante encuentro con un hombre enmascarado: su castigador (violador) y protector anónimo.

En Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera (2003), El arco (2005) y Dream (2008) el director se basa en principios budistas para referir temas universales como la fe, el crecimiento personal, el amor y la redención, no así en Samaritan girl (2004), en donde opta por un sincretismo de símbolos cristianos y orientales a través del mito budista de Vasumitra y la parábola del buen samaritano. En Amen pasa a incorporar símbolos cristianos (la escena en la catedral del último tercio y el paralelismo con La Inmaculada Concepción de María) mientras cuenta la historia de un amor moderno y disfuncional plegado de temor/aprensión y una falta de comunicación, símbolos que desgraciadamente por el grado de abstracción del guion no son enriquecedores. 

Al finalizar la película, si la decepción y/o el aburrimiento no han menguado lo suficiente nuestro estado de ánimo, observaremos esta metáfora acerca del amor como una buena idea, pero tristemente (a mi juicio, no sé el tuyo) mal desarrollada. Lejos de la forma en que suele contarnos las historias, mantiene un son narrativo experimental rodado en su totalidad con cámara en mano, resultando plano, redundante y vacío. Falto de emoción, de sordidez, de inquietud, inexpresivo como el rostro de la chica, que lo mismo da si ha sido violada, hurtada, traicionada o extrañamente amada.

Más que a su película número 17, sabe a capricho o al proyecto de graduación de algún fan suyo. A ratos posee cuadros no poéticos pero sí atractivos, y bellas postales turísticas (quizá impulsado por el deseo expresado en Arirang de viajar por Europa) pero eso no logran llenar el hueco que el guion ha dejado, y ni hablar del sonido ambiental. Tal vez como un cortometraje habría funcionado.

Pocas veces escribo esto: me parece, una película sólo para fieles de Kim Ki Duk y nadie más. Bastante lírica y diferente. 

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