Kaili Blues

Canción Del Recuerdo
Lu Bian Ye Can

Director: Bi Gan
Guionista: Bi Gan
País: China
Año: 2015
Duración: 113 min. aprox.

Trailer

Género / Tópico: Drama

Sinopsis: En la mística y subtropical provincia de Guizhou, hay una pequeña clínica donde trabajan dos doctores. Uno de ellos, Chen Shen, debe viajar para ir a buscar a su sobrino, que ha sido abandonado por su padre. Durante el viaje, Chen Sheng para en un lugar llamado Dang Mai, donde el tiempo parece haberse detenido.

Reparto / Personajes

Yongzhong Chen es Chen Shen
Yue Guo es Yang Yang
Lixun Xie es Cara de loco
Feiyang Luo es Wei Wei de niño
Linyan Liu es Zhang Xi
Zhuohua Yang es Monk
Shixue Yu es Wei Wei de joven

NOTA: 8.5 / 10
(Ver escala de valoración)

“Hijo mío, aquí el tiempo se convierte en espacio.” Canta Gurnemanz en Parsifal de Richard Wagner –me encanta esa parte–. Porque el tiempo como el espacio no son objetos localizables, sino los destinos del sentido. A veces medito unos segundos cómo iniciar estos comentarios, reseñas, críticas... me parece una buena manera citar a Wagner, quien en varias de sus obras mostró la influencia de la filosofía de Schopenhauer, inspirada en la sabiduría oriental y en específico del Vedanta y el budismo. Y es que, sin ser precisamente un filme budista, Kaili Blues, es un reflejo de su concepción del tiempo y su dilución. Un excelente debut del joven escritor, poeta y cineasta chino Gan Bi. 

La elipsis narrativa de Kaili Blues transcurre con total libertad, ajena al tiempo y a un estilo en particular, dibujado en su primera parte la relación de Chen con su medio hermano “Cara de Loco”, y el interés por su sobrino Wei Wei, también su labor en la clínica rural y los sueños y visiones que le persiguen. Gradualmente descubriremos su sombrío pasado, de la manera más contemplativa, como si fuese un soñar despierto, en donde las emociones fluyen a través de los versos en off (desgraciadamente la traducción de los subtítulos no es la mejor). Para después optar por un estilo más experimental, un plano secuencia onírico de poco más de 40 minutos en donde cual Road Movie, le acompañaremos en su camino a Zhenyuan en pos de recuperar a Wei Wei. Un camino de lo más calmo, de verdor y leyendas sobre hombres-bestias peludos, una banda de rock pop y una costurera que sueña con viajar a Kaili y trabajar como guía turística, una estilista y recuerdos de una vieja promesa. 

Si hay algo que disfruto mucho del cine son los planos secuencias, y aquí, tenemos uno bastante bello. En donde la cámara sigue tanto a Chen como a los habitantes de aquel poblado suspendido en el tiempo, cámara en mano y un angular que probablemente te haga sentir como si mirases la acción a través de un par de binoculares o del ojo de un animal. A la par la fotografía juega un papel protagónico, equilibrando la naturaleza de la vegetación, la bruma y sus callejones con algunos efectos de luz y color muy atractivos, y aquí también cabe destacar los efectos de sonido presentes en el cambio de escenas.  Las actuaciones tan naturales como se pueden pedir. El simbolismo, relojes y trenes, en la fusión del tiempo y espacio. Un trazo circular.  Gran detalle.

Quizá más interesante en la apreciación de su lenguaje cinematográfico que en el desarrollo de su historia, la que, si te soy sincero, llega a quedar en segundo plano (y más al atisbar su final). Así que, Kaili Blues no es una película para cualquier (no hablo de intelectualidad, sino de gustos). Si buscas una historia no creo que sea lo tuyo. Finalmente su efectividad yace en que te dejes llevar por el lirismo de su atmósfera, y aprecies la belleza técnica y creatividad de su lenguaje audio-visual. 

Entre otros festivales, ganador del Premio al Mejor Director Emergente en el Festival de Cine de Locarno. Esperemos este joven cineasta (en aquel entonces de 25 años) no demoré mucho en ofrecernos una película más. Para terminar esto, te dejo el enlace a uno de los temas de su soundtrack: Little Jasmine de Mei-Sheng Bao.

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Colossal

Director: Nacho Vigalondo
Guionista: Nacho Vigalondo
País: E.U.A.
Año: 2016
Duración: 109 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Comedia - Drama / Monstruos

Sinopsis: Gloria decide dejar Nueva York y regresar a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Cuando en las noticias informan que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, Gloria se va dando cuenta que está conectada de forma extraña con estos acontecimientos. Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo.

Reparto / Personajes

Anne Hathaway es Gloria

Jason Sudeikis es Oscar

Austin Stowell es Joel

Tim Blake Nelson es Garth

Dan Stevens es Tim

Entre otros

NOTA: 6.2 / 10

(Ver escala de valoración)

Cuarto largometraje del español Nacho Vigalondo, protagonizado por Anne Hathaway y Jason Sudeikis. Dadas sus características de producción (su primer incursión en el cine norteamericano y su reparto) esperaba un filme aunque más convencional si más satisfactorio y entretenido. Tal vez el resultado final dejará a la mayoría (tanto a los seguidores del propio Vigalondo como a los de Hathaway) un tanto indiferentes, pese a lo extravagante y simpática que luce su propuesta; una mezcla entre una comedia existencial y el cine de kaijus.

El filme parte unos años atrás a la actualidad en que se desarrolla la historia, mostrando lo que parece ser la aparición de un gigantesco monstruo en Seúl. Después, en el presente, conoceremos a Gloria, una neoyorkina alcohólica cuyo novio, harto de su comportamiento irresponsable y falta de empleo, le echa del departamento hasta que logre organizar su vida. Sin un solo peso y avergonzada de sí misma, se muda a la vieja y ahora abandona casa de su familia; allí se cruzará con Oscar, un amigo de la infancia que amablemente le ofrece un trabajo como camarera en el bar que heredó de su padre. Todo parece marchar de maravilla, y aunque conociendo sus antecedentes un bar no es el mejor lugar de trabajo para Gloria, comienza a sentirse “en casa” con la ayuda de Oscar. Sin embargo, conforme esto sucede los noticieros informan la aparición de un monstruo gigantesco en Seúl y los estragos que ha causado. ¿De dónde ha salido este monstruo y qué es lo que quiere? Gracias a su característico tic de rascarse la cabeza Gloria se reconocerá a sí misma en él, y el cómo controlar sus movimientos, no así la razón de su conexión. En el proceso, la historia vuelca su atención a temas más humanos: la mezquindad, envidia y oscuridad, y por otro lado, la falta de madurez y los daños colaterales que puede ocasionar. 

Más interesado por sus personajes comunes y simples, a Vigalondo poco le interesa los elementos fantásticos que hacen de este Kaiju el desolador de Seúl, tan poco como el impacto de cada aparición (la catástrofe es de juguete), reduciéndolo sólo a un accesorio para develar la naturaleza bienhechora, pese a su egoísta irresponsabilidad, de Gloría; en contraste, esos otros sentimientos oscuros que salen a flote cuando su antagonista es consciente de su poder. Una metáfora existencial que nos dice que, no importa cuán insignificantes seamos en el mundo, nuestros actos tienen un alcance que nunca lograremos a adivinar… No sé qué decir… la verdad es que no esperaba que Colossal me “sermoneara” así…

El resultado no es tan alocado como se anunciaba desde el cartel y la premisa, y ya que no apunta a lo Fantástico de forma más plena, ojalá fuese más satírico, más ácido… pero en su lugar, es bastante inocente. En cuanto a sus otros aspectos, sólo me queda destacar la actuación de Hathaway, su personaje es muy ñoño y mínimamente irreverente, pero ella lo hace divertido y natural. El soundtrack nada original pero está bien, se escuchan un par de canciones bonitas que es común oírlas en otras películas, When the lights go out de Crybaby y Ladywith the Braid de Dory Previn.

Para terminar, comentar que fue premiada en el Austin Fantastic Fest y en el Film Club's The Lost Weekend; y aunque en general las críticas durante su estreno fueron buenas, así como su aceptación, de los 15 millones de dólares de presupuesto sólo recaudó 4 millones.

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La Piel Fría

Cold Skin

Director: Xavier Gens
Guionistas: Eron Sheean y Jesús Olmo (una novela de Sánchez Piñol)
País: España / Francia
Año: 2917
Duración: 101 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Fantástico / Monstruos - Supervivencia

Sinopsis: En una isla perdida en medio del océano, dos hombres se defienden, noche tras noche, resguardados en un faro, del asedio de unas extrañas criaturas marinas. Sometidos a la extrema tensión, sin entender las razones del ataque, tendrán que replantearse cómo enfrentarse a lo desconocido.

Reparto / Personajes

David Oakes es Friend
Ray Stevenson es Gruner
Aura Garrido es Aneris
Entre otros

NOTA: 7.3 / 10
(Ver escala de valoración) 

Nunca estamos infinitamente lejos de aquellos a quienes odiamos. Por la misma razón, pues, podríamos creer que nunca estaremos absolutamente cerca de aquellos a quienes amamos. Es la frase atribuida a Nietzsche con la que da inicio la nueva película de Xavier Gens, y también es la frase con la que inicia la novela homónima de Sánchez Piñol en la cual está basada. En ambos casos, una historia sobres los límites entre el ser humano y su entorno, su incapacidad de comunicación, la crueldad y el deseo. Un relato de supervivencia en donde la pérdida de humanidad es el costo para reencontrarse consigo mismo.

Hablar de Xavier Gens es hablar del en otrora, el "nuevo extremismo francés" o "la nueva ola de terror de cine francés", caracterizada por su decadencia sexual, brutal violencia y psicosis alienante… aunque más que hablar,  es recordar, porque hace casi una década que dicha “ola” terminó, pero eso es otro tema. El hecho es que La Piel Fría redirige el cine de Gens, un poco empolvado, hasta aquí su última película era The Divide (2011). No sé cómo maneje su agenda porque además de una breve participación en la serie de Tv Crossing Lines y un corto en el ABC de la Muerte, no se le había visto; y este año no sólo tenemos La Piel Fría, también The Crucifixion, una película bastante floja de exorcismos.

Partiendo de un inicio epistolar –no soy muy adepto a este estilo– un ex integrante del Ejército Republicano Irlandés, nos narra (voz en off) su llegada a una isla con el fin de sustituir al meteorólogo en turno. Con desconcierto descubre que antecesor está desaparecido, y las únicas construcciones presentes son una vieja cabaña y el faro, donde vive su intratable cuidador. Sin embargo, al poco tiempo de instalarse y al caer la noche descubrirá que no están solos, extrañas criaturas procedentes del océano salen con el fin de devorar su carne. Sometido a tal amenaza, se verá forzado a convivir con el viejo cuidador del faro, el que para su sorpresa, cohabita con una de esas extrañas criaturas.

Una película muy diferente para la filmografía de Gens, en la que sí percibimos su sello, pero tanto el género como la narrativa y las formas se encausan hacia otra dirección. Puesto que La Piel Fría en gran medida puede definirse como un Cuento, puro y llano. Una fábula fantástica en donde la reflexión y el mensaje (moralmente correcto) están más que presentes, y no es que le falte acción y violencia (esos disparos revienta cabezas), destellos de misterio y sugerencias sexuales, pero están bastante matizados por el arco narrativo. 

Reminiscencias hay muchas… literarias como H. P. Lovecraft, Robert L. Stevenson y Michel Tournier; y del cine como The Shape of Water (2017), Avatar (2009) y hasta Splice (2009); pero son sólo ecos. La verdadera esencia de La Piel Fría yace en la novela de Sánchez Piñol –es corta, hoy la empecé a leer y llevo la mitad–. Tanto sus guionistas como Gens buscan recrear sus páginas, que si hay cambios, obviamente los hay, pero es de apreciar el esfuerzo por recrear la ambientación, caracterización e incluso de sus diálogos (lo que escuchamos en voz en off son fragmentos exactos del libro). La elipsis del filme logra la sensación deseada de abandono y desesperanza, irónicamente de humanidad (el temor y aversión hacia su propia oscuridad es tal como el que sienten hacia la noche); así mismo del deterioro físico y mental de sus protagonistas; porque aunque las escenas de acción, sangre y oscuridad predominan, el peso del filme cae en el conflicto emocional. Otro punto a favor es la fotografía, haciendo lucir sus paisajes tan paradisíacos como de pesadilla.

Un filme correcto, pero desgraciadamente sin ser su culpa no del todo sobresaliente. Pasa que la misma estructura dibuja a sus personajes distantes, los vemos sufrir, pero eso poco nos genera. No los conocemos. También, la amenaza es permanente pero hay una ausencia notable de antagonismo, por ende decae… en esta rutina por sobrevivir en donde pensamos que… bueno, nada les pasará, otra noche, otra masacre. La elipsis que juega a favor, también lo hace en contra, ya que nos impide seguir la evolución no individual sino en sociedad, en conjunto, de los personajes y el morboso triángulo amoroso se disipa. Por último, el final, aceptable pero muy predecible.

Hace un rato use la palabra “redirigir” en referencia a que de nuevo Gens dirige, pero también al cambio de dirección. Pese a los elementos fantásticos y de aventura, de acción y sangre, La Piel Fría, ya lo dije, es diferente a su filmografía. No faltará quien diga “Xavier Gens volvió”… ¿a dónde?, ¿a dirigir?, sí, obvio. ¿Al terror y al cine fantástico? No lo sé… su siguiente película anunciada es Budapest y es una comedia, tal cual, sin dobles lecturas, que va sobre dos amigos y su agencia de despedidas de solteros… Ni hablar. Los años nos dirán si es sólo una pausa, o un ejemplo más de que esa "nueva ola de cine de terror francés" terminó hace mucho.

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I Remember You

Ég man þig

Director: Óskar Thór Axelsson
Guionistas: Óskar Thór Axelsson y Ottó Geir Borg (una novela de Yrsa Sigurðardóttir)
País: Islandia
Año: 2017
Duración: 105 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller / Sobrenatural

Sinopsis: Una historia sobre tres personas que se mudan a un pequeño pueblo abandonado en Islandia para renovar una antigua casa. Sin embargo, no saben nada del pasado oscuro del pueblo.

Reparto / Personajes

Jóhannes Haukur Jóhannesson es Freyr
Ágústa Eva Erlendsdóttir es Lif
Thor Kristjansson es Garðar
Elma Stefania Agustsdottir es Sara
Anna Gunndís Guðmundsdóttir es Katrin

NOTA: 6.2 / 10

I Remember You es el segundo largometraje de Axelsson. Un thriller sobrenatural basado en la novela homónima de Yrsa Sigurðardóttir, de la cual, su traducción más exacta sería "Sé quién eres". Destacable autora dentro de la novela negra nórdica, un género y nacionalidad que en los últimos años ha acaparado el mercado internacional, tanto en cantidad como calidad. Historias protagonizadas por detectives de homicidios, periodistas, escritores e incluso hackers. Ilustrando la violencia social y política de sus sociedades consideradas por muchos como “modélicas” (realmente, todo depende de cómo se miren las estadísticas).

La historia se sitúa en Islandia, aquel hermoso país poseedor de un clima menos agreste de lo que creemos y bellos paisajes, coronados por glaciares, cascadas y fiordos. Cierto día, una detective y el único médico disponible, un psiquiatra atormentado por la inexplicable desaparición de su hijo; investigan el misterioso suicidio de un anciana, que yace colgada de la viga de una vieja iglesia. Paralelamente, tres amigos se instalan en una vieja casa, con la intención de restaurarla y pasar el verano, no obstante, la tranquilidad del lugar se ve alterada por extraños eventos sobrenaturales, ruidos, visiones e incluso la aparición del cadáver de un pequeño y la ominosa inscripción de “impuro” en las paredes; misma inscripción que figura en uno de los muros de la iglesia donde aquella anciana se suicidó. Por su parte, los investigadores de aquel suicidio pronto descubrirán en la espalda de la víctima, numerosas cicatrices en forma de cruz, que les llevará a hilar el suceso con una sucesión de muertes, aparentemente relacionadas a la desaparición de un niño flagelado de la misma forma décadas atrás. ¿Qué misterio se oculta en la vieja casa y a qué clase de crimen se enfrentan este par de investigadores?

Un thriller… intrigante, con una atmósfera bastante grata pero que se queda a medias en todos sus aspectos. Sobrevalorado a mi gusto, y no es que sea una película muy popular, al contrario, quizá si fuese más popular reflejaría un ranking más realista en páginas como IMDb o Rotten Tomatoes. ¡Pero! No quiero desanimarte, si te llama la atención el concepto de Thriller nórdico… es todo tuyo. 

Te cuento, el problema de I remember you es que arrastra los clichés más significativos del cine policiaco y también del sobrenatural, e incluso del drama (la situación sentimental de aquella pareja-trio). Desde el arquetipo del investigador atormentado, al planteamiento y resolución de su elemento sobrenatural. Por otro lado, comparando con otros Thriller policíacos, se queda muy atrás en ese proceso, en la labor detectivesca. También, se demora mucho en enfrentar ambas historias, y cuando sucede, dadas las circunstancias, bien podría parecer un mero ardid para explicar aquellos “huecos” argumentales inexplicables. ¿Puntos a favor? La idea… supongo, y pese a su lentitud narrativa consigue mantener el suspenso y que, afortunadamente, ya que cayó en muchos clichés, al menos no lo hace en la búsqueda del susto fácil. ¿Por qué ha gustado tanto a las pocas personas que la han visto? No lo sé. Pienso que se debe después de todo a la fusión de géneros (son menos exigentes que yo); y al hecho de llevar consigo la nacionalidad “Islandesa”, muchas personas por ese sólo motivo la pueden mirar con ojos diferentes…

No sé qué tanto hayas leído a Sigurdardottir, yo leí hace tiempo “Ceniza” y “Ladrón de almas”, ambas ambientadas en Islandia y bastante buenas... por eso me sorprende que está película no sea mejor... dada la calidad de la materia prima uno esperaría algo más sólido: aunque no es un mal filme, y es entretenido, creo que si no has leído otras novelas negras de aquellos lares o a Sigurdardottir pienso que disfrutas más que yo I Remember You. 

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The Lure

Córki Dancingu

Director: Agnieszka Smoczynska
Guionista: Robert Bolesto
País: Polonia
Año: 2015
Duración: 90 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Musical - Fantástico - Romance / Años 80 - Música - Cuentos

Sinopsis: Una noche, una familia de músicos encuentra a dos hermanas sirenas, Silver y Golden. Para integrarse en el entorno, las dos nereidas son contratadas en un club nocturno. Cuando Silver se enamore de un bello y rubio bajista, Golden verá peligrar el sueño de ambas de nadar hasta América.

Reparto / Personajes

Michalina Olszanska es Golden
Marta Mazurek es Silver
Jakub Gierszal es Mietek
Kinga Preis es Wokalistka Krysia
Andrzej Konopka es Perkusista
Entre otros

NOTA: 6 / 10
(Ver escala de valoración)

Córki dancingu es el primer largometraje del cineasta polaco Agnieszka Smoczynska. Protagonizado por Michalina Olszanska (a quién recordarás en Já, Olga Hepnarová (2016) de Weinreb y Kazda) y Marta Mazurek, y en un papel secundario Jakub Gierszal (el chico de Suicide Room (2011) de Jan Komasa). Premiada en varios festivales, entre los cuales destaco el Festival de Cine Fantástico de Austin y el Festival de Cine Independiente de Sundance, donde obtuvo el Premio especial del jurado. Basado en el cuento La Sirenita (1837) de Hans Christian Andersen… estamos ante un musical-melodrama de fantasía, con algunas escenas sangrientas, otras cargadas de surrealismo, y un cierto grado de erotismo.

Una propuesta… extravagante la que Bolesto y Smoczynska exhiben. En la observaremos como un par de hermosas sirenas son atraídas por la música al mundo de los hombres, estos por su parte, atrapados por su canto no pueden hacer otra cosa que corresponder a sus deseos. Una vez en tierra (no hace falta del embrujo de Úrsula para que puedan caminar) llegan a un club nocturno de Varsovia, en donde las mujeres se desnudan al ritmo del pop dance de los 80’s. El lugar ideal para nuestras jóvenes sirenas, quienes son contratadas de inmediato y sumadas al espectáculo del lugar. La noticia se extiende rápidamente (vaya, que ver dos sirenas desnudas cantando dentro de una copa de champán gigante no es cosa de todos los días) y nuestras glamurosas sirenitas brillan cada noche. Pero la fama ni los placeres carnales son lo suficiente atractivos para Silver, quien se ha enamorado del joven bajista, y Golden, que diariamente lucha contra sus instintos por beber la sangre y devorar el corazón de los hombres. Pero el verdadero problema no radica en los impulsos asesinos de Golden ni el amor de Silver, sino en que, si su amor no es correspondido, como en el cuento de Christian Andersen, y la sirena no asesina al amor de su vida, se convertirá en espuma y morirá al amanecer. 

Es una lástima que la narrativa de The Lure no sea más ordenada. El filme es demasiado surrealista y discordante, siendo éste su mayor defecto. Más allá de lo poco habituado que estoy a los musicales (fácil, recuerdo unos 6 que he visto… seguramente hay más... pero no los puedo contar ahora), nunca había visto tal falta de coherencia argumentativa en un musical. Es aceptable que durante un musical surjan, como si fuese lo más normal, personajes secundarios que se unan a la coreografía y luego se dispersen, o que sucedan eventos extra-ordinarios sin mayor explicación, sin embargo, aquí son eventos de mayor trascendencia, de pronto vemos a personajes muriendo de una sobredosis y para el siguiente número nada pasó; o peor aún, giros argumentales que no llegan más allá que del número musical. Dando la impresión de un collage, bastante exótico pero poco planeado. Por ende el desarrollo de los personajes es nulo y también del resto de elementos y géneros que quiere cubrir: el “terror”, el drama, el romance y el mitológico, reduciéndolo simplemente al musical de fantasía. 

Me parece que lo que termina haciendo llevadera está película son otros temas: la fotografía que encuentra su riqueza en la iluminación teatral del interior del estrecho departamento de la familia de músicos y el decorado del club (me dio la impresión como si estuviese en el limbo, aprisionado en los 80´s), así como el maquillaje y el vestuario, en suma, el exotismo que transmite. La similitud… con el relato original, de una extraña manera llega a ser más “fiel” que la versión de Disney.  El humor negro, breve pero siempre funcionando. Los efectos especiales bastante decentes. La música en donde las letras en polaco le dan un plus. Y por supuesto, la belleza y el magnetismo de Michalina y Marta, la una salvaje y despiadada, la otra dulce y soñadora. 

Como lees, una buena idea no tan bien ejecutada. ¿Hasta qué punto es recomendable? No lo sé… si has visto otros filmes porque te agrada que parezcan “raros” aunque sabes que te pueden decepcionar, sin duda tienes que verla. Su argumento no está bien estructurado pero tiene otras virtudes. Ahora, si lo tuyo no son los musicales, ni probar “rarezas”, creo que mejor deberías de pasar. Si te soy sincero nunca me sentí realmente interesado por la trama, lo que me mantuvo fue la gracia de Michalina en el papel de Golden… me gusta mucho desde que la vi en Já, Olga Hepnarová. 

My life and spring so fleeting

my dreams, before and after

My wind, my wine, my laughter

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The Killing of a Sacred Deer

Director: Yorgos Lanthimos
Guionistas: Yorgos Lanthimos y Efthymis Filippou
País: Reino Unido
Año: 2017
Duración: 121 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Thriller - Drama / Thriller psicológico

Sinopsis: Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.

Reparto / Personajes

Barry Keoghan es Martin

Colin Farrell es Steven Murphy

Nicole Kidman es Anna Murphy

Sunny Suljic es Bob Murphy

Raffey Cassidy es Kim Murphy

Alicia Silverstone es la madre de Martin

Entre otros

NOTA: 7.9 / 10

(Ver escala de valoración)

“En la vida no hay premios ni castigos, sino consecuencias”… lo que para la física sería la tercera ley de Newton; el equilibrio universal, opus magnum, para los ocultistas; o el karma en las creencias dhármicas; bien podría ser un simple acto de venganza o mejor aún, de justicia divina, según como se mire. La justicia puede ser muy severa, en ocasiones, caprichosa ¿quién es el primero en exigir justicia –con justa razón– sino el agraviado? El sacrificio de Ifigenia (en la Ilíada) narra el castigo del rey Agamenón tras haber matado uno de los ciervos (sagrados) de Artemisa y jactarse de ser mejor cazador, ¿es el ciervo realmente la ofensa?, no lo sé, el punto es que la única forma de apaciguar la ira de la diosa es el sacrificio de Ifigenia, hija del rey. Lex talionis, así es, la antigua ley del Talión, ojo por ojo, diente por diente… y la premisa de la última película de Yorgos Lanthimos. 

Es un poco tarde, lo sé. He estado un poco ocupado. La verdad es que quería ver esta película desde que fue anunciada y recién lo hice ayer. Lanthimos es un director que aprecio y vengo siguiendo desde el 2009 por su película Kynodontas, que en su momento relacioné con El castillo de la pureza (1972) de Ripstein, y La carcajada del gato del escritor y periodista Luis Spota. ¿Qué decir de The Killing of a Sacred Deer? Es un Thriller psicológico de Terror y Fantasía, y un Drama familiar, visto a la luz del Cine de Autor más artístico. También es una tragedia griega que de griega pareciese sólo tener los nombres de Lanthimos y su coguionista Filippou… sin embargo, en su concepto más básico, lo es (ese inevitable acto de fatalidad). Menos contundente que el resto de su filmografía (en todo sentido…) pero que seguramente hallarás audaz si te agrada este tipo de cine y si no estás tan familiarizado, y puede que hasta encuentres mordaz su incipiente crítica social (no pretendo sonar despectivo, está muy bien si te maravilla). En cambio, si conoces al director, creo que verás una obra digna de apreciar, pero no tan apasionante y mucho más convencional. Y tal vez te pase como a mí: ya no me ofusco tanto pero sigo echando de menos la presencia de un reparto griego, si en The Lobster (2015) sentí que perdía esa esencia con Colin Farrell, pues aquí, además de Farrell tenemos Nicole Kidman, ya te imaginarás. El costo de ser internacional y abrirse ($$$) al mundo y claro, ser nominado al Oscar… ¡en fin!

En este punto suelo redactar un poco el arco argumental de la película pero me parece la sinopsis lo hace muy bien… de modo que paso a dirigir mis comentarios hacia los fines de Lanthimos, quien exhibe (no es la primera vez que lo hace) a través del paradigma familiar, cierta disyuntiva social, en esta ocasión, el estado de bienestar social y económico, indiferente a ciertos conflictos mundanos (la pobreza), y como conduce a sus integrantes a un estado de armonía (para Lanthimos, una fachada de trivialidad y vacuidad). No obstante, por más enajenados que estén del mundo, todo ser se rigen bajo las mismas reglas, y todos los actos tienen consecuencias. Lo que llamaríamos justicia divina. La metáfora de Lanthimos se anuncia desde el título y reafirma a través de su narrativa minimalista, actuación y dirección. Aquí todo es metáfora. No basta con el título. Así que Lanthimos (ya antes había hecho uso de este hieratismo emocional, aunque no de una forma tan exacerbada) destina la situación dramática de la película en su totalidad darle cuerpo a su metáfora, llevando a sus personajes a una abstracción tal que llega a rozar lo absurdo, y en cada plano, sugerir un estado de inmersión abismal, teatral y fatídica. 

A veces exaspera el automatismo de sus personajes, pero junto al resto de artilugios es fundamental para construir y dotar de solidez la historia. Porque reitero: estamos ante una metáfora. No hay respuestas, no hay explicaciones, no hay un resquicio de lucidez, sólo un acto de justicia ciega, como la de los griegos: violenta e inevitable. La atmósfera consigue atrapar nuestro interés en ese misticismo-simbolismo, nos mantiene expectantes de su bizarro y perverso desarrollo. Porque si algo he de aplaudir a Lanthimos además del buen equipo técnico que tiene, es que sabe incomodar; la sutileza de su agresión constante y tajante a través de acciones aparentemente inofensivas. En cuanto al ritmo y el par de giros argumentales que nos presenta, muy adecuados, de hecho la primera parte se va rápido, y cuando empieza a cansarnos, nos reanima con una agradable dosis de violencia (gracias Martin, ese momento es lo que más disfruté).

La fotografía de Bakatakis (mismo que vimos en Kinetta, Kynodontas y The Lobster) es tan exquisita como la recordarás. Esos planos cenitales y gran angulares, y el manejo de la luz en los interiores redondean la atmósfera sugerente. La actuación del chico Keoghan es genial, es el generador de una siniestra omnipresencia. Esto aunado a su particular lenguaje cinematográfico absorto en sus travelling, son lo mejor del filme. En sus puntos más bajos, de manera personal, ubico el final, a esas alturas poco sorprendente y despreocupado (es lo que no me gusta a veces del cine de autor, me da la impresión que de verdad poco le interesa “satisfacernos”, le da igual dejar cabos sueltos, lagunas, y uno sólo tiene que o aplaudir o maldecir…). Por último a “destacar” la música. No la considero mala ni buena, si, ayuda bastante a puntualizar ciertas escenas, la inquietud e insidia de la historia, pero en veces, tanto Schubert,  J. S. Bach, Christou y Ligeti, lucen reiterativos y un poco cansinos.

A mencionar, fue galardonada como Mejor guion en el Festival de Cannes, y con el Premio de la Crítica en Festival de Sitges, entre otros. Referencias cinematográficas, por supuesto, las más notables son, en el manejo de cámaras, planos, travelling, y el uso característico del zoom, a Kubrick en películas como Barry Lyndon (1975) y The Shining (1980), y parcialmente a Michael Haneke por Funny Games (1997) en su atmósfera… si queremos parecer un poco rebuscados también podríamos pensar en los cineastas como Ingmar Bergman. Y como es común en el último o a veces penúltimo párrafo, algunos datos extras: la escena (muy buena) con la que da inicio la película es una cirugía real de bypass, y sí, seguro te diste cuenta, la película favorita de Martin es Groundhog Day (1993) de Harold Ramis. 

¿Qué le depara a Yorgos Lanthimos? Se espera que este año estrené su siguiente película The Favourite. ¿Qué opino? No sé… Nunca me he puesto a leer una entrevista de Lanthimos ni otras reseñas, no conozco sus ambiciones, pero pareciese que su deseo es dirigir en E.U.A. y finalmente lo ha conseguido. Primero recurre a un reparto internacional encabezado por Farrell y deja de rodar en griego y lo hace en inglés (The Lobster), después llega The Killing…, una producción que además de estar rodada en inglés, y contar ahora con Nicole Kidman, deja de ser griega (esta película es británica). The Favourite será su incursión al cine norteamericano, entre sus actores estarán Emma Stone, y si bien, las películas que Lanthimos hasta la fecha había dirigido eran escritas o coescritas por él, ésta vez no será así. Los guionistas no son él ni su amigo Filippou. Así que ojalá que no sea una de esas películas que hacen los directores por encargo.

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Aún está en la cartelera de la Cineteca y en Cinepolis, al menos hasta el 15 de Febrero.

The Bad Batch

Directora: Ana Lily Amirpour
Guionista: Ana Lily Amirpour
País: E.U.A.
Año: 2016
Duración: 119 min. aprox.
Trailer

Género / Tópico: Ciencia ficción / Distopía - Western futurista

Sinopsis: Desterrada a un páramo de indeseables, una joven trata de salir adelante entre la comunidad del desierto, asolada por las drogas, y un enclave de caníbales.

Reparto / Personajes

Suki Waterhouse es Arlen

Jason Momoa es Miami Man

Jayda Fink es Honey

Keanu Reeves es The Dream

Jim Carrey es el ermitaño

Giovanni Ribisi es el loco

NOTA: 8.3 / 10

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Posterior a su primer largometraje de vampirismo alternativo, gratamente fresco y recomendable, A Girl Walks Home Alone at Night (2014), Amirpour nos ofrece un mash-up cinematográfico de horror-ciencia ficción-romance-western, un poco estirado y descuidado, pero que vale la pena ver. 

En un futuro indefinido el gobierno norteamericano ha decidido desechar a sus ciudadanos defectuosos: indocumentados, enfermos mentales, delincuentes, drogadictos, etcétera. Exacto, esa escoria que pudre el país. Después de tatuar su número de desecho, son exiliados, libres de ir a donde quieran, el mundo es suyo… la frontera: el desierto de Texas. Por desgracia el mundo fuera del amparo de los Estados Unidos es una suerte de páramo a lo Mad Max. Momento en el que conocemos a nuestra protagonista Arlen, desechada con el número 5040, se aleja resignada sin un camino en particular, explorando el desierto antes de ser descubierta, perseguida y capturada –esta escena me encanta, es como ver Animal Planet– por una comunidad de caníbales fisicoculturistas, en donde, sin preámbulo es mutilada. Tuve que repetir la escena. Es un inicio espectacular… ningún acto de frialdad como el desmembramiento de una hermosísima chica para entregarle tu corazón… Motivo por el cual sigues con deleite su escape, con la cara al sol sobre una patineta y los cuervos esperando devorar su carne. 

Estoy pensando en la cantidad de series televisivas (American Horror Story, South Park, Law & Order, etc., etc., etc...) que recurrieron a la imagen que forjó Donald Trump durante su racista, misógina y belicosa campaña. ¿Cómo no hacerlo?, parece tema de ficción… y a pesar de que no es la finalidad de la iraní-inglesa-norteamericana Amirpour (sus fines son más personales) The Bad Batch no deja de ser una alegoría política, y de ahí su problema. Jamás logra unificar este enfoque interseccional visto a la luz del concepto “bad batches” y de la exposición de una sociedad “anárquica” dominada por el canibalismo, el ocio y hedonismo; con el dilema existencial y conflicto de pertenencia de Arlen… sola, eternamente fuera de lugar, como la describiría The Dream: un velero en el mar sin viento. Por consecuente, no consigue equilibrar ni profundizar en su temática social, ni generar esa historia de amor prometida. Pero… se aprecia el intento. 

En cuanto a su factura técnica es excepcional. La fotografía a cargo de Lyle Vincent luce tan nítida, deleitándonos en los bellos colores de sus dunas y el cielo, o de un muro multicolor, y al igual que en “A girl…” su característico formato panorámico anamórfico ejerce cierto poder sobre sus imágenes. El diseño de producción es otro gran acierto, repleto de elementos kistch y un dejo vintage coronado por su banda sonora, ¡la música es genial! En ocasiones, para nada es la música que yo escucharía, como el pop dance noventero de Ace of Base, pero junto a tales escenas es fantástico. El soundtrack incluye además el EDM de Die Antwoord, el Reggae de Leroy Sibbles, Culture Club y su Karma Chamaleon, la electrónica de Black Light Smoke, el minimal techno de Pantha du Prince, el western de Federale, y otros… en donde claro, aparece White Lies… debe ser la banda favorita de Amirpour.

Finalmente, estamos ante una obra de cine de autor, que puede no gustar, lucir extravagante o inacabada. En mi opinión, me parece que el cine de Amirpour (y no sólo por su acabado audio-visual) tiene calidad y originalidad. 

Por último, comentar que la aparición de Keanu Reeves, Jim Carrey, Diego Luna y Giovanni Ribisi es meramente anecdótica, y como dato extra, en el Festival de Venecia fue galardonada con el Premio del Jurado.

La puedes Ver Online desde Pelispedia o Gnula.

La puedes descargar usando este torrent.

También está disponible en Netflix México.

Tragedy Girls

Director: Tyler MacIntyre
Guionistas: Chris Lee Hill, Tyler MacIntyre y Justin Olson
País: E.U.A.
Año: 2017
Duración: 90 min. aprox.
Trailer (¡Muy revelador! No lo veas.)

Género / Tópico: Comedia - Terror / Slasher

Sinopsis: Sadie y McKayla están tan obsesionadas con las redes sociales que han decidido urdir un macabro plan: secuestrar a Lowell, un asesino en serie, para que las adiestre en el arte del horror y poder, así, petarlo en internet. Al principio, todo va según previsto, pero cuando las cosas se tuerzan y Lowell quede libre, a las autodenominadas “chicas trágicas” no les quedará más remedio que reconsiderar su plan.

Reparto / Personajes

Alexandra Shipp es McKayla Hooper

Brianna Hildebrand es Sadie Cunningham

Jack Quaid es Jordan Welch

Kevin Durand es Lowell

Timothy V. Murphy es el sheriff

Craig Robinson es Big Al

Entre otros

NOTA: 6.9 / 10

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Segundo largometraje de Tyler MacIntyre. Protagonizado por Alexandra Shipp, a quien recordarás como la joven Storm en X-Men: Apocalypse (2016), y Brianna Hildebrand, otra X-Men, Negasonic en Deadpool (2016). Premiada en el Festival de Cine de Horror de Brooklyn, el de Molins de Rei, y el Fright-Fest. En México fue estrenada en la Cineteca Nacional durante el Macabro Film Festival. Una simpática comedia adolescente de terror un poco más sustanciosa de lo que aparenta.

Me parece que, si en un momento el internet cambió el mundo, ahora, el mundo es quien ha cambiado el internet, lo ha emulado y succionado. El concepto de “ciberespacio” como una realidad artificial paralela a nuestra vida ha quedado relegado a la ciencia ficción. El ciberespacio no existe más, lo hemos devorado; y lo que alguna vez se pensó como una infraestructura de comunicación y libertad de expresión ha sido reducida a “cámaras de eco” y participación sin compromiso. En donde cualquier crítica ideológica es superada por el espectáculo mediático. Tesis que el cine ha referenciado de manera más específica en los últimos años. Ejemplos son, el drama suizo Amateur Teens (2015) de Niklaus Hilber… Nerve (2016) de Joost y Schulman –ésta seguro si la conoces–; por supuesto, Nosedive (2016) en la serie Black Mirror… por mencionar algunos.

Con reminiscencias a clásicos como Heathers (1989) de Michael Lehmann, MacIntyre crea una historia de amistad en un mundo viciado por el hambre de reconocimiento a través de las redes sociales… Sadie y McKayla son dos sociópatas obsesionadas con los asesinos seriales, una afición inofensiva si se quedará en Youtube, Twitter y Tumblr. Pero… las redes sociales constantemente demandan material nuevo, una frase, una fotografía, un vídeo, etc., un vasto flujo de información en su mayoría superficial, grotesco y ridículo, compitiendo por posicionarse en la preferencia del anónimo ocioso. Así que, qué mejor forma para unificar su pasión por las redes sociales y el asesinato, que precisamente: convertirse en asesinas seriales. No sin ciertos tropiezos: es difícil triunfar en las redes sociales, y una vez conseguida la fama, es difícil mantener los pies sobre la tierra. Así mismo, nunca sabes cuando el asesino que has tenido secuestrado y maniatado se liberará y hará un poco más complicada tu vida. 

MacIntyre consigue una propuesta sí, saturada de frivolidad, pero simpática y generadora de esos eventos sangrientos que tanto disfrutamos (desmembramientos, puñadas, y jocosas referencias a filmes como Destino Final, Holocausto Caníbal o Breaking Bad). E increíblemente, no es tan vacía, carente de cerebro u “originalidad”. Es “curioso” el enfoque de MacIntyre… su humor no es tan ingenioso y en ocasiones es bastante ñoño, pero por lo general funciona; y aunque el concepto está muy apegado a la farsa adolescente que hemos visto miles de veces: desde el pasillo de la secundaria hasta la coronación de los reyes del baile… la caracterización de sus protagonistas es “diferente” a lo que se pudiésemos esperar: una mezcla entre Nickelodeon y Disney Channel con Tarantino; y es que estas chicas son encantadoramente odiosas y mortales, y muy poco sexualizada (por lo general es lo contrario en este género), de hecho, más que un momento erótico, luce como una broma cuando McKayla decide hacer uso de su “seducción femenina”. Otro punto es el final, sin ser sorprendente, busca ser “diferente”.

Es ridículo exigir mayor mordacidad en su mensaje, así que no es algo que encuentre entre sus aspectos negativos, estos más bien van dirigidos a la falta de ritmo en su parte media, fácilmente podríamos reducirle su duración 10-20 minutos. También, pese al número de mutilaciones con que cuenta, carece de un momento épico y culminante. 

Un filme fácilmente prescindible pero que si decides ver creo que no te molestará. En lo personal, agradezco está variedad en el género de adolescentes, motivo por el cual recordaré ver también su primera película y por qué no, seguir la carrera de este director. Y… si eres seguidor de series como Vikingos, The Strain o Mr. Robot, quizá te parece simpático reconocer brevemente a Kevin Durand y Craig Robinson.

Como dato extra, MacIntyre eligió los apellidos de sus protagonistas como un signo de aprecio hacia los directores de dos de sus filmes favoritos: Sean S. Cunningham, director de Friday the 13th (1980) y Tobe Hooper, director de The Texas Chain Saw Massacre (1974). 

You and me always forever

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Si la quieres Ver online puedes hacerlo desde Gnula o Pelispedia.